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La momia dorada, un «thriller» documental para desvelar los enigmas del médico del faraón

Tráfico despejado. Sin nubes en el cielo. Todos listos en la puerta de urgencias de la clínica Quirónsalud de Madrid. Un camión, seguido de una furgoneta de la misma compañía, transporta de madrugada unos cuerpos milenarios ante la atenta mirada de las cámaras de formato cine. Música de suspense, focos, giros de cámara… No es la escena de arranque de la última película de Ridley Scott, sino la última apuesta documental de La 2. «El trabajo es espectacular. Parece un thriller», reconoce Vicente Martínez Vega, jefe de servicio diagnóstico por imagen del Hospital Universitario Quirón, en la presentación de «La historia secreta de las momias: la momia dorada».

El documental de La 2 que se estrenará el próximo domingo a las 21.30h aguanta el pulso en cuanto a espectacularidad a las grandes producciones de la BBC o National Geographic, pero, al menos en su caso, puede presumir de haber grabado, paso a paso, un auténtico descubrimiento científico. Mientras la comunidad de arqueólogos españoles digería los resultados del primer TAC de alta definición realizado a varias momias del MAN (Museo Arqueológico Nacional), un equipo documental, dirigido por Regis Francisco López, ha grabado el proceso durante un año y medio.

El proceso y, con ello, la emoción de una «autopsia digital» que ha dado lugar a importantes hallazgos en la momia egipcia más asombrosa de las que habitan los museos españoles: «la momia dorada», los restos de un sacerdote de alta distinción llamado Nespamedu. En un rodaje entre Madrid, Luxor y El Cairo, el documental reconstruye la vida de este médico de hace 2.000 años y contextualiza los datos que ha mostrado el TAC de la clínica Quirónsalud. El escáner reveló objetos en la frente y el cuello de la momia, así como adornos adheridos a la primera capa del vendaje, muy cerca de la piel, cuya existencia era desconocida a los arqueólogos.

Presentación del documental en el salón de actos del MAN

EP
Lo trascendental del documental ha despertado ya el interés en el mercado extranjero. «Hay gran expectación internacional», asegura Juan Manuel Hidalgo, director de La 2, que destaca que «no se trata del típico documental clásico con unos señores hablando con una serie de imágenes detrás». Al contrario, «La momia dorada» cuenta con grabaciones fuera de España, narrativas modernas y reconstrucciones con actores de la vida en el Antiguo Egipto. En este mismo sentido, el director de este trabajo rodado en 4K y con recreaciones en 3D, Regis Francisco López, apunta que las producciones españolas de este tipo «están encantando fuera de nuestras fronteras. En Hispanoamérica no dejan de preguntarnos».

En este mismo sentido, el director de este trabajo, Regis Francisco López, apunta que las producciones españolas de este tipo «están encantando fuera de nuestras fronteras

Lo visual no está reñido con el rigor científico. Juan Manuel Hidalgo, director del MAN, siente orgullo al haber trabajado en un proyecto conjunto que ha «aumentado los conocimientos sobre las momias de nuestra colección» y que, a través del documental, llegarán al gran público. Así y todo, los grandes protagonistas de la investigación son los científicos: arquélogos y médicos del siglo XXI analizando a un «médico» de hace miles de años. Por supuesto, Hidalgo descarta desvendar la «momia dorada», como se hizo costumbre en las fiestas de la alta sociedad a finales del siglo XIX, porque supondría «matarla para siempre. Tenemos la suerte de tener una de las momias que han permanecido intactas y han sobrevivido a los saqueos de todo tipo».

Junto a Nespamedu, las momias de dos mujeres egipcias y un guanche también fueron objeto de la mismo escaneo en la clínica Quirón. Los restos de estas dos mujeres –una de ellas una egipcia de rasgos africanos y otra de Alejandría con rasgos helenísticos– han permitido realizar una reconstrucción facial de ambas. Sobre los enigmas de la momia guanche, con una dentadura perfecta, parece que habrá que esperar a un episodio futuro para que vean la luz
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Así cantaron Cristina Pedroche y Anna Simón «Lo malo» en «Tu cara me suena»

Tu cara me suena

La última semifinal de Tu cara me suena llegó este viernes a las pantallas de Antena 3 y, como no podía ser de otra manera, lo hizo por todo lo alto. La velada vino cargada de sorpresas y con el aliciente extra de tratarse de la última gala antes de llegar a la gran final, que se tendrá lugar la próxima semana.

Una entrega más, la noche estuvo repleta de actuaciones de primer nivel. Àngel Llàcer, Chenoa y Carlos Latre (este viernes Lolito no pudo estar en plató), los miembros jurados del formato, no lo tendrán nada fácil en esta gala para seleccionar al ganador, tal como ocurrió la semana pasada con Miquel Fernández interpretando a R. Kelly. Además de los habituales, esta semifinal contó también con la presencia de Santiago Segura como jurado invitado.

En el programa de este viernes, Diana Navarro fue la encargada de abrir la gala y intepretando un papel tan difícil como lo es el de Mariah Carey, reto que superó con creces ganándose así la ovación del público. Miquel Fernández, que la pasada semana se convirtió en el primer finalista de la edición y es uno de los grandes favoritos para llevarse la medalla de oro, tuvo que encarar la tarea de meterse en la piel de Marc Antohny. El actor, como ya nos tiene acostumbrados, firmó una brillante actuación que no hace más que validar su candidatura para convertirse en el ganador del programa.

Fran Dieli cambió de registro al encarnar a The Platters. Raúl Pérez fue el protagonista de unas de las actuaciones más esperados de la noche, y se vistió de rockero argentino para interpretar a Andrés Calamaro. Por su parte, Pepa Aniorte interpretará una canción de Esperanza Roy.

La nueva misión de La terremoto de Alcorcón, una de las aspirantes más queridas por el público a pesar de su más bien escaso talento musical, fue meterse en la piel de Shirley Bassey. Lucía Jiménez volvió a demostrar sus grandes dotes para la música en una actuación no precisamente fácil: cantar como la rapera Mala Rodríguez. «Me ha encantado», le dijo Carlos Latre, «y quiero darte las gracias por todo lo que nos has dado en este programa. Creo que serías una gran finalista».

Además, Tu cara me suena contó con dos madrinas de excepción para esta segunda y última semifinal: Cristina Pedroche y Anna Simón serán CristiAnna War al cantar el tema del momento. Las presentadoras de Atresmedia levantaron al público al son de «Lo malo», de Aitana y Ana Guerra de OT 2017. De largo fue el momento más esperado de la noche.

Y las dos imitadores no defraudaron. Pedroche hizo las veces de Aitana y Anna se convirtió de Ana Guerra, ambas imitando su peinado y su estilo. Aunque se notaba que la música no era lo suyo, las dos imitadoras lo dieron todo y firmaron una actuación más que aceptable. «Ha sido divino», exclamó Manel Fuentes, el presentador, «el público se ha vuelto loco».

El público al completo, los aspirantes del programa se pusieron en pie para regalarles a las dos valientes un larga ovación. Chenoa se levantó corriendo de su asiento para abrazar a Pedroche y Simón: «¡Lo habéis hecho muy bien chicas! Ha estado genial y no lo estoy diciendo para quedar bien». Manel, ilusionado, le pidió a Pedroche que formase parte de la próxima edición, invitación ante la que la presentadora no quiso dar una respuesta clara. Antes de irse del programa, Pedroche quiso dejar patente su admiración por las jóvenes triunfitas: «He elegido esta canción porque me encanta Operación Triunfo y me encantan ellas, ¡son geniales!&raquo
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El actor Stephen Fry confiesa que tiene cáncer en un vídeo de Youtube

El cómico, actor, director y escritor británico Stephen Fry publicó hoy en YouTube un vídeo en el que relata su reciente diagnóstico de cáncer de próstata e invita a todos los hombres «de cierta edad» a llevar a cabo pruebas preventivas de manera regular.

Fry, que cumplirá 61 años el próximo agosto, decidió grabar un vídeo «para salir a la luz» con la verdad, para «aclarar que se encuentra en buena forma» y explicar los detalles de su diagnóstico y tratamiento.

Stephen Fry (I)

Según relató el actor, su historia con el cáncer –«por fin me he atrevido a mencionar la palabra», apunta– comenzó el pasado noviembre con una visita a su médico de cabecera, con la simple intención de vacunarse contra la gripe, en la cual el profesional sugirió un chequeo general.

Entre las pruebas incluyó un análisis de sangre en el que se analizó el nivel del denominado antígeno prostático específico (PSA, por sus siglas en inglés), una proteína producida en la próstata que se libera en cantidades mínimas al riego sanguíneo en hombres enfermos. Tras un resultado algo más alto de lo normal de su PSA, el médico de familia solicitó pruebas de imagen más genéricas, visitas al especialista y biopsias para confirmar los temores iniciales.

El diagnóstico definitivo, según explica el comediante, fue de un adenocarcinoma de próstata, que decidió, de acuerdo con su doctor, tratar con cirugía para extirpar la próstata.

Fry expresó su felicidad al informar de que, tras la operación, está libre de cáncer, aunque sigue pendiente de más resultados que confirmen que no hay ningún resto de la enfermedad, y mostró su agradecimiento a su familia por apoyarle durante la recuperación de un incidente «desafortunado y algo indigno».

El actor quiso utilizar la ocasión para remarcar la importancia de que los hombres se realicen pruebas de manera regular, pues son tan simples como un análisis de sangre y pueden salvar vidas
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Los sindicatos de TVE dan un toque al Consejo de Informativos: «Asumen competencias que no les corresponden»

El Comité Intercentros de TVE, el máximo órgano de representación sindical de los trabajadores de la corporación, envió el pasado 14 de febrero una carta a los Consejos de Informativos pidiéndoles que no se extralimiten en sus responsabilidades: «Están olvidando por y para qué fueron creados y están asumiendo competencias que no les corresponden y que son exclusivas de los representantes de los trabajadores, o lo que es lo mismo, el Comité Intercentros», explica el organismo sindical en una carta a la que ha tenido acceso ABC, que realiza esta puntualización «con el objetivo de proteger las capacidades de actuación de nuestros órganos de representación y de salvaguardar la colaboración entre nosotros».

«Estas equivocadas atribuciones han llevado a los Consejos a intentar asumir, en sus palabras, negociaciones con los Partidos Políticos para desbloquear la renovación de RTVE, olvidándose en todo momento que son solamente “órganos internos de participación de los profesionales de la información de la Corporación”», afirman en dicho escrito. «Vuestra opinión, siempre importante, no es la de todos los trabajadores de la Corporación, ya que no todos pueden votaros y elegiros. En RTVE no solo existen periodistas o informadores, no todos los problemas de RTVE se solucionan con el fin de la manipulación y la calidad no es sinónimo de independencia». A la vez, recuerdan que un servicio público de calidad se consigue no solo gracias a los valores de independencia y pluralismo que vigilan los Consejos de informativos, sino también con «una plantilla adecuada y equilibrada, un salario y condiciones laborales justas, profesionales que no busquen puertas giratorias…»

«Y todo esto se logra con la lucha diaria, con negociaciones a todos los niveles, tanto políticos como sindicales. Algo para lo que los Consejos no tienen competencias ni está entre sus funciones. Los Consejos deben ocuparse de lo que les corresponde: “informar sobre la línea editorial y la programación informativa”, “participar en la elaboración de los libros de estilo”. Cierto que también puede informar, de forma no vinculante, de las propuestas de los nombramientos de los servicios informativos. Pero se olvidan de que la Corporación RTVE no son solo los informativos sino que también se elaboran otro tipo de programas y contenidos, en los que participan todos los trabajadores de esta casa y que también tienen derecho a ser oídos», concluyen, haciendo énfasis en la necesidad de seguir trabajando juntos por un servicio público de calidad.

Respuesta cordial del Consejo
Como respuesta a esta carta «privada», el Consejo de Informativos que preside Alejandro Caballero, afirma rotundamente que siempre se mueven en el ámbito de sus responsabilidades. «Ya les hemos respondido, cordialmente, que nos mantenemos en nuestro ámbito de actuación y no nos metemos en cuestiones laborales. De hecho, cuando nos plantean dudas de este tipo se las trasladamos a ellos. Nuestra tarea es velar por la independencia», cuenta Caballero. «En cuanto a las negociaciones para la renovación de la cúpula de RTVE, pedimos un perfil de consenso que fuera de todos los partidos y a la vez de ninguno para preservar la independencia, labor que nos encomiendan los estatutos y que depende de los máximos responsables del ente. Ambos organismos tenemos el interés común de crear un buen servicio público para la ciudadanía», subraya
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Dos concursantes de OT cargan contra el nivel de Got Talent: «No hubo ninguna actuación en serio»

El miércoles se celebró la última de las audiciones de «Got Talent» antes de las semifinales del concurso de Telecinco. Y durante esa noche, se vivió una de las galas más polémicas. De hecho, el jurado humilló públicamente y sin ningún miramiento a uno de los concursantes (que antes había pasado por «El diario de Patricia», «First Dates» o «Cámbiame»), al que incluso Risto calificó de «ridículo».

Lo cierto es que la noche del miércoles no fue la más lúcida en el programa en cuanto al nivel de los concursantes se refiere. Y así quisieron refrendarlo dos concursantes de «OT 2017»: Roi Méndez y Luis Cepeda, que a través de sus respectivas cuentas de Twitter cargaron contra las actuaciones que se vieron el miércoles en el espacio de Telecinco, presentado por Santi Millán.

Got Talent España

«No entiendo muy bien este programa», escribió Roi. «Llevo diez minutos viéndolo y no hubo ninguna actuación en serio. Con la cantidad de gente con talento que se presentaría al casting. ¡Qué viva la televisión!», continuó. El mensaje no tardó en comenzar a generar reacciones de todo tipo. Se acercó a las diez mil interacciones y generó más de 200 comentarios.

No entiendo muy bien este programa #GotTalent9
Llevo 10 minutos viéndolo y no hubo ninguna actuación en serio😳
Con la cantidad de gente con talento que se presentaría al casting .
Que viva la TV!— Roi Méndez (@Roi_ot2017)

21 de febrero de 2018Entre ellos, uno de Cepeda. «Me voy a presentar haciendo una tortilla», publicó con sorna el aspirante gallego, en un comentario que suscitó las risas de Roi. «¡Qué genio, nunca fallas!», le contestó. En la Academia, ambos fraguaron una gran relación de amistad. El fenómeno fan creó incluso un neologismo para hablar de su vínculo: «Cepoi». Aunque al respecto de «Got Talent», los «tuiteros» también se sumaron a las críticas, positivas y negativas, sobre el mensaje del «triunfito».

😂😂😂😂😂 que genio, nunca fallas— Roi Méndez (@Roi_ot2017)

21 de febrero de 2018Reacciones de todo tipo
Uno de los comentarios más aplaudidos lo escribió una joven, Paula Vega: «El grupo de baile de mi primo quería ir, y les pedían que contasen intimidades y creasen algún drama para dar audiencia. Solo tienen 13 años y decidieron no ir». «Pero, ¿realmente esperabas que Telecinco hiciese algo serio? Tú fíjate en las “promos”, y con solo ver quiénes forman el jurado, te puedes hacer una idea. Para mofarse de ellos tras la actuación, no hacía falta haberlos escogido. Dan pena», escribió otro usuario, más crítico.

El grupo de baile de mi primo quería ir y le pedían que contasen intimidades y creasen algún tipo de drama para dar audiencia. Solo tienen 13 años y decidieron no ir…— Paula Vega 유미 (@llamameyumi19)

21 de febrero de 2018Aunque también, Roi y Cepeda tuvieron a su hornada de detractores tras sus comentarios. «¿Diez minutos? A mí me faltaron dos viendo “OT” para pensar exactamente lo mismo», escribió un tuitero. «Yo solo he visto la actuación de mis compañeros de la selección gallega de Taekwondo, que estarán en la semifinal. Si lo que hacen ellos no es serio, si no tienen talento y mucho trabajo, no sé qué lo tiene», publicó otro.

Diez minutos??? A mí me bastaron dos viendo OT para pensar exactamente lo mismo. Buenas noches…— #Standby (@EuroMision)

21 de febrero de
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Brendan Fraser reconoce que «desapareció» de Hollywood tras sufrir acoso y lesiones físicas

Conocido por «George de la jungla» y especialmente por «La momia», hubo un tiempo en el que la carrera de Brendan Fraser apuntaba muy alto. Eran finales de los años 90, le iba muy bien, pero con el cambio de siglo su figura se fue diluyendo sin prisa pero sin pausa hasta desaparecer de las principales producciones.

El actor, de 49 años, achaca parte de este bajón al acoso sexual y a varias lesiones sufridas hace tiempo. Brendan Fraser ha reconocido hace solo unos días que fue víctima de acoso sexual por parte de un alto ejecutivo de «Hollywood» que le manoseó y le acarició el ano con sus dedos. Este ejecutivo no es otro que Philip Berk, antiguo presidente de la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA).

«Su mano izquierda se movió hasta agarrar mi nalga y uno de sus dedos me tocó el perineo. Empezó a moverlo… Me sentí enfermo, como si fuera un niño pequeño. Sentí como si tuviera una bola en la garganta y pensaba que me iba a echar a llorar», ha recordado. «Me culpaba a mí mismo y me sentía fatal, porque me decía a mí mismo: “Esto no es nada, este tío se movió por ahí y me manoseó”. El verano pasó y no recuerdo qué película hice después. Hizo que me recluyera. Me convirtió en huraño y el trabajo empezó a marchitarse para mí».

«El acoso sexual hizo que me recluyera. Me convirtió en huraño y el trabajo empezó a marchitarse para mí»Brendan Fraser, actor
Esto, que debió ocurrir a primeros de los 2000, se sumó a una serie de lesiones que le llegaron, entre otras cosas, durante los rodajes de «La momia». En un periodo relativamente corto de tiempo, Fraser fue intervenido de gravedad en su rodilla y tuvieron que repararle las cuerdas vocales. Todo esto, unido al fallecimiento de su madre, formó un cóctel en su cabeza que le tuvo anulado.

Estos esfuerzos físicos empezaron a pasarle factura durante el rodaje de «La momia: La tumba del emperador dragón», cuando necesitaba vendarse intensamente para seguir adelante. «Me preparaban con cinta y hielo. Utilizaba protectores de ciclista porque podían ir debajo de la ropa. Me construía un exoesqueleto a mí mismo cada día».

Se confirma cameo de Brendan Fraser en #TheMummy junto a Tom Cruise.
Brendan vuelve como el novio de la Momia. pic.twitter.com/khkSOMNksB— DEAN FREDERICK (@deanvoices)

11 de junio de 2017Tras cuatro años alejado de la gran pantalla, Brendan Fraser tiene para este 2018 al menos dos películas con las que sentirse vivo de nuevo: «Behind the Curtain of Night» y «The Field». La preocupación en el gremio creció hace poco tras verle muy deteriorado en sus últimas apariciones públicas
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¿Por qué Tonya Harding fue la mujer más odiada de América?

Tonya Harding ha pasado a la historia por dos razones. Por ser la primera patinadora estadounidense en completar un salto de triple axel en una competición (en 1991) y por la curiosa historia de la agresión a su principal rival deportiva, Nancy Kerrigan. Aunque ella siempre negó estar implicada y, de hecho, jamás fue condenada por ello, aunque sí por encubrirlo. «Yo, Tonya», dirigida por Craig Gillespie («Noche de miedo») transforma la delirante historia que ocupó durante años titulares en los medios de comunicación estadounidenses (y de gran parte del mundo), y que convirtió a Tonya Harding en la mujer más odiada de Estados Unidos, en una comedia negra. «Los medios siempre la pintaron como la villana, pero su vida es mucho más complicada y trágica que eso», aseguraba el director en la presentación del filme.

La película, que opta a tres Oscar por mejor actriz principal, secundaria y montaje, se traslada hasta la América profunda –que tan de moda está por películas como «Tres anuncios en las afueras»–. Como se pueden imaginar, por aquel entonces los responsables del patinaje no esperaban grandes cosas de las mujeres y tampoco querían dejar de ser un deporte para niños ricos y bien educados; sin embargo, Harding cambió esas dos premisas.

Tonya Harding comenzó a patinar con apenas tres años bajo la tutela de la fallecida Sylvia Harpolscheimer. Pero no era el único deporte que practicaba. Harding también cazaba y hacía carreras automovilísticas (gracias a las cuales aprendió mecánica automotriz con su padre). Su madre era la base de la familia: trabajaba como camarera mientras preparaba a mano los trajes de patinaje para las competiciones de la pequeña. Ya esta situación hace pensar que la familia de Harding no era del todo convencional y así era. Tonya tuvo una infancia problemática. Llegó a afirmar que su madre había abusado mental y físicamente de ella. De hecho, hasta la propia madre admitió haber golpeado a su hija en una pista de hielo.

No fue hasta mediados de los ochenta cuando comenzó su escalada en el mundo del patinaje. En 1986, se posicionó en el sexto lugar en el Campeonato de Estados Unidos. Poco a poco fue escalando puestos hasta que, tras ganar el Skate America en 1989, fue considerada una fuerte rival en el Campeonato de Estados Unidos de 1990, pero, por culpa de la gripe y el asma, realizó un trabajo que no estuvo a la altura. Esto le supuso bajar desde el segundo puesto hasta el séptimo. Cinco puestos de golpe.

Margot Robbie es Tonya –
Así, el año decisivo para Harding fue 1991. Realizó su primer triple axel en el Campeonato de Estados Unidos, lo que le hizo ganar el título. Ese mismo año volvió a realizarlo en el Campeonato del mundo y se convirtió así en la primera mujer norteamericana en llevarlo a cabo en un evento internacional. Sin embargo esta vez no le valió el título. Terminó en segundo puesto por detrás de Kristi Yamaguchi.

Harding no fue capaz de realizar otro triple axel y comenzó a bajar en la clasificación. En 1992, quedó tercera en el Campeonato nacional; cuarta en los Juegos Olímpicos de Invierno, y sexta en el Campeonato Mundial. Al año siguiente ni siquiera llegó a clasificarse para este último. Sus resultados habían empeorado muchísimo y la tensión aumentaba. Por si eso no fuera suficiente, se vio envuelta en el escándalo desatado al descubrirse que su exmarido, Jeff Gillooly, había conspirado con Shawn Eckhardt y Shane Stant para atacar a su principal rival en el Campeonato de Estados Unidos de 1994, Nancy Kerrigan.

El ataque
Era el 6 de febrero de 1994. Nancy Kerrigan, la principal rival de Harding, había estado practicando en Detroit ajena a lo que ocurriría cuando acabara la sesión de entrenamiento. Instantes después de terminar fue atacada por el que sería posteriormente identificado como Shane Stant. El agresor golpeó a la patinadora en el muslo, escasos centímetros por encima de la rodilla. No consiguió fracturar la pierna de Kerrigan, pero sí que le provocó una lesión que le obligó a perderse el Campeonato de Estados Unidos, competición que ganó Harding. Según se demostró tiempo después, el exmarido de Harding, Jeff Gillooly, y su guardaespaldas, Shawn Eckhardt, contrataron a Stant para lesionar a Kerrigan y asegurarse así de que no fuera a los Juegos Olímpicos de Invierno de 1994 en Lillehammer. Sin embargo, sí que fue y compitió junto a Harding. De hecho, Kerrigan consiguió la medalla de plata, mientras que Harding terminó en una lejana octava posición.

El ataque a Kerrigan y la presunta participación de Harding desataron un revuelo mediático difícil de controlar. Kerrigan apareció en portadas de revistas como «Time» en enero de 1994, mientras que un sinfín de reporteros acudieron a las prácticas de Harding en Portland. De hecho, la retransmisión de los Juegos Olímpicos se convirtió en una de las transmisiones más vistas en la historia de Estados Unidos.

En todos los titulares

Finalmente, el 1 de febrero de ese mismo año, Gillooly confesó su culpabilidad y testificó contra Harding a cambio de una rebaja en su condena. Todos los involucrados –Gillooly, Stant, Eckhardt y el conductor del coche en el cual se dieron a la fuga, Derrick Smith– cumplieron condena en prisión por el ataque. Mientras que Harding, a la que no pudieron responsabilizarla de los hechos, fue condenada a tres años de libertad vigilada, 500 horas de servicio comunitario y una multa de 160.000 dólares. Además, se vio obligada a retirarse del Campeonato Mundial de 1994, a renunciar a la Asociación de Patinaje Artístico de los Estados e, incluso, le retiraron su título de campeona nacional de 1994 y fue vetada en cualquier evento administrado por la asociación. Nunca sabremos realmente hasta qué punto Tonya estuvo implicada o no en la agresión. Por esta razón, «Yo, Tonya» presenta los distintos puntos de vista de los implicados y será solo el propio espectador quien elegirá la versión con la que quiera quedarse
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Antena 3 aprovecha el ruido mediático y adelanta el estreno de la serie «Fariña» a este miércoles

Antena 3 quiere aprovecharse de la publicidad gratuita que ha supuesto el secuestro judicial de «Fariña» para emitir el capítulo inicial de la serie que adapta el libro. La emisión, con un montaje no definitivo, formará parte de una noche temática especial sobre el narcotráfico en Galicia que contará con la presencia del escritor Nacho Carretero.

La juez desestimó el pasado martes la pretensión de frenar la emisión de la serie, dado que por entonces no se conocía la fecha de emisión y su guión eran inciertos. «No creo que –el fallo– tenga ningún impacto en la serie ni que cambien los planes. Es una ficción, hay algunos nombres reales que sí figuran porque hay sentencias firmes, pero en los que no hay, no», aseguraron a Efe desde la productora. Sin embargo, la decisión de la cadena de adelantar los planes de emisión alteran todo lo presupuesto hasta ahora, aunque no parece que les vaya a afectar.

La serie ya estaba rodada antes de todo este escándalo, y está previsto que Antena 3 emita sus diez episodios, aunque aún no está fijada su fecha de estreno más allá del capítulo inicial. El rodaje concluyó el pasado noviembre tras seis meses de trabajo en Galicia, Segovia y Madrid. Estará protagonizada por Tamar Novas, Marta Larralde, Tristán Ulloa, Javier Rey y Antonio Durán Morris, entre otros.

Fuentes de Bambú Producciones, responsable de la serie «Fariña», basada en el libro homónimo de Nacho, aseguraron a ABC que no creen que el secuestro judicial del libro afecte a la producción televisiva. Alejandra Fontana, juez de Collado Villalba, acordó el secuestro cautelar del libro a petición del exalcalde de O Grove (Pontevedra), José Alfredo Bea Gondar, por supuesta vulneración de su derecho al honor
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El creador de «Los Vengadores» abandona «Batgirl»: «En realidad no tiene una historia»

El cineasta estadounidense Joss Whedon, responsable de las cintas sobre «Vengadores» de Marvel y de la serie «Buffy Cazavampiros», ha abandonado la película sobre Batgirl que iba a dirigir, escribir y producir para Warner Bros.

«’Batgirl’ es un proyecto tan emocionante y Warner Bros y DC Comics son unos socios de tanta colaboración y apoyo que me llevó meses darme cuenta que en realidad no tenía una historia», dijo hoy Whedon al medio especializado «The Hollywood Reporter».

El pasado marzo se conoció que Whedon estaba trabajando en una cinta sobre Batgirl, que sería la primera película protagonizada por esta superheroína muy popular entre los seguidores de las historias de Batman.

El proyecto ahora frustrado de Batgirl se iba a encuadrar dentro del universo entrelazado de largometrajes que Warner Bros. está desarrollando a partir de los personajes y las tramas de DC Comics.

Hasta ahora se han estrenado las películas «Man of Steel» (2013), «Batman v Superman» (2016)”, «Escuadrón Suicida» (2016), «Wonder Woman» (2017) y «Liga de la Justicia» (2017), mientras que para finales de este año está previsto el lanzamiento de «Aquaman» con Jason Momoa como protagonista.

Su último trabajo detrás de las cámaras consistió en concluir el rodaje de «Liga de la Justicia» (2017), después de que su director, Zack Snyder, renunciara a su puesto tras el suicidio de su hija Autumn, de 20 años
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«Todo el dinero del mundo»: Las miserias de ser el hombre más rico en la tierra

Escribía Jean Paul Getty en su autobiografía que se había hecho rico gracias a la herencia de su padre –un magnate del petróleo– pero que lo que le convirtió en uno de los primeros billonarios de la historia fue viajar hasta Oriente Medio y negociar a cara de perro con los jeques que poseían aquellas tierras que flotaban sobre el oro negro. Un imperio que agrandó pese a que el fundador del clan le auguró la quiebra después de que Jean Paul Getty se mudara en 1917 a California para ser un playboy ajeno a los negocios. Una vida similar a la que llevaba su nieto, ya en los años 70, en Roma. «El joven Getty se había convertido en una celebridad y vivía en Italia gracias a su apellido. Su actitud bohemia y su pelo largo le convirtieron en el “hippie de oro” de Roma», explica Ridley Scott a ABC. Y los camorristas de la mafia vieron en esa larga melena dorada un botín en movimiento, así que lo raptaron en uno de los secuestros más mediáticos del siglo XX porque enviaron la oreja del chico como prueba de vida.

Sin embargo, el «viejo millonario», como le llama en el filme alguno de sus empleados, no aceptó pagar 17 millones por su nieto, y rehusó negociar ante las cámaras de todo el mundo. Sabía que así el «precio» bajaría. Una estrategia que siempre llevó en sus duras negociaciones comerciales. «El libro que escribí es “Cómo ser rico”, no “Cómo hacerse rico”», dice el personaje interpretado por Christopher Plummer en una de las muchas ocasiones en las que se evidencia la miseria rácana de un hombre que llegó a instalar una cabina pública en su mansión para que los empleados e invitados no se aprovecharan del teléfono de la casa.

La polémica Spacey
El drama de los Getty pasó a ser el drama de Spacey para Ridley Scott. Con la película ya filmada, y a apenas seis semanas del estreno oficial, se destapó el escándalo de acoso sexual contra el protagonista de «American Beauty». Así que el veterano cineasta, de 80 años, tuvo que reaccionar y llamó a Christopher Plummer para rodar de nuevo las escenas en las que salía el defenestrado actor.

«Ridley es un director fascinante. Yo no estaría aquí promocionando la película si no hubiera cambiado al actor», admite Michelle Williams, la actriz que interpreta a la madre del joven secuestrado. «Entiendo que me preguntes por Kevin Spacey, pero yo prefiero hablar de Christopher Plummer, un actor de 88 años que recibe una llamada en mitad de la noche y le dicen: ¿Puedes aprender un diálogo enorme en dos semanas y viajar con jet lag a Roma sin haberte preparado? Eso es un actor valiente», reconoce la actriz, indignada con su excompañero. Para ella, el «Me Too» no es un problema de Hollywood, es «un problema de la sociedad». «El abuso de poder existe en cualquier profesión, en cualquier oficina, colegio… Incluso en la Casa Blanca. En Hollywood existía un código de silencio que se ha roto. Creo que empezó con las elecciones. La llegada de Trump ha hecho que nuestro mundo sea imposible de vivir, inmanejable. Las elecciones precipitaron una nueva realidad y el mundo está reaccionando ante ella».

Una propina para salvar al heredero
Jean Paul Getty (1892-1976) durante las navidades de 1973, dando regalos en un orfanato- Archivo ABC

Se dice que el magnate del petróleo John Paul Getty fue de los primeros hombres en tener una fortuna de más de mil millones de dólares. Pese a todo, se negó a pagar un rescate de 17 millones a los secuestradores de su nieto favorito. «Para él, ese dinero era como para mí pagar un ticket de párking», asegura el guionista del filme. «Tengo tantos nietos que si pago por uno, secuestrarían a los otros», dijo en 1973 el petrolero
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Diane Kruger: «Han creado una imagen de mí con la que no me identifico»

La actriz alemana Diane Kruger ha construido una impresionante carrera en los últimos 16 años, pero es su nuevo filme el que le ha consagrado como una intérprete de raza. En «En la sombra», de su compatriota alemán Fatih Akin, interpreta a Katja Sekerci, cuya vida se derrumba cuando su esposo y su hijo son víctimas de un atentado terrorista de extrema derecha. Es entonces cuando descubre el racismo, oculto pero implacable, de una de las sociedades multiculturales más avanzadas del mundo.

P – ¿Cómo le convencieron para este proyecto?

R – Fatih y yo nos conocimos hace cinco años en el Festival de Cannes y le dije que admiraba su trabajo. Cuatro años después me llamó y me dijo: “Tengo un papel para ti”. Me sorprendió porque no es el típico papel que me ofrecen, pero me encantó el guion. Me impactó que tratara de un ataque terrorista de neonazis, un tema candente, pero, sobre todo, me gustó cómo retrata el dolor de esta mujer.

P – Su personaje pasa por muchas etapas del dolor… ¿Cómo lo afrontó?

R – Ha sido muy complicado. El dolor atraviesa muchos momentos, muchos cambios, evoluciona, exige superar el miedo. Es muy complejo. Viví las emociones que mi personaje tuvo que vivir y me traumatizó.

P – ¿Le ha cambiado esta película?

R – Me ha vuelto más sensible. Hubo escenas en las que me sentí abrumada por el dolor y la pérdida. La película ha tenido un fuerte impacto en mi vida, no me abandona, cada vez que escucho de un ataque, y parecen suceder con mucha frecuencia, noto mi personaje.

P – El filme se inspira en un caso real ocurrido en Alemania

R – Sí, el Tribunal que sale en el filme sigue juzgando, pero no es un documental. Lo que pretendemos es inspirar a alguien a pensar en lo que haría si se pone en el lugar de mi personaje. Es una cinta muy oscura que me dejó tan dolida que no pude trabajar en seis meses.

P – Usted trabaja en EE.UU. y en Europa ¿Le resulta fácil ese estilo de vida?

R – Sí. Me gusta vivir a mi aire. Unos meses allí, otros aquí y otros de vacaciones. No es fácil. Cuando hago un filme en Estados Unidos que funciona, mi agente quiere que siga trabajando allí, pero para mí es importante rodar en Europa.

In the Fade

P – ¿Se siente un icono de la moda?

R – No lo pienso. Los medios me han creado una imagen con la que yo realmente no me identifico. No lo pienso mucho. Es sensacional cuando alguien dice que tengo un gran estilo, pero lo que realmente me preocupa es mi trabajo porque ya no estoy en el mundo de la moda. No soy una mujer que siga las tendencias del momento ni pretenda convertirse en una creadora de tendencias.

P – Parece tener una actitud muy relajada ante su trabajo

R – La tengo. Para mí es fácil porque tengo una carrera en Estados Unidos y otra en Europa. No estoy casada con mi profesión, hay muchas otras cosas que me interesan. Tengo una vida sensacional, y no sabes lo que me ha costado darme cuenta de ello. Nunca voy a ser parte de algo tan hermoso como mi propia vida, ningún papel en una película va a ser mejor que mi vida, que es alucinante. Desde esa perspectiva prefiero ir a Chile a escalar una montaña que quedarme en casa esperando una película.

P – ¿Son mejores los personajes que le ofrecen en Europa?

R – Son distintos. Los personajes femeninos en Europa son más interesantes. Yo soy europea y siento que los guiones son más reales, hablan de problemas diarios. Y las narraciones pueden centrarse en una mujer y eso me encanta
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Belén Rueda y Antonio Resines confiesan que tuvieron un romance durante el rodaje de «Los Serrano»

Acaba de estrenar con gran éxito su última película «El cuaderno de Sara», tras 28 años como presentadora de televisión y actriz, una trayectoria en la que ha sido distinguida con los más prestigiosos galardones en nuestro país, como el Goya a la Mejor Actriz. Belén Rueda estuvo en
la casa de Bertín Osborne en Madrid en la última

Mi casa es la tuya

entrega de «Mi casa es la tuya».

Belén hizo un repaso a su extensa carrera, ayudada por las imágenes del archivo histórico de la cadena. Entre las imágenes, se pudo ver su primer cásting como presentadora; su paso por «VIP Noche», junto a Emilio Aragón; su estreno como actriz en la serie «Médico de familia»; y su salto a la gran pantalla de la mano de Alejandro Amenábar: «Me dijeron ‘Amenábar quiere que protagonices su próxima película’ y yo contesté: ‘Déjate de coñas’». También recordó cómo reaccionó cuando recibió la llamada para participar en «Mar adentro» y habló de su última película, «El cuaderno de Sara», para lo que le acompañará el periodista Antonio Pampliega, conocedor de la situación en El Congo, donde está ambientado el largometraje.

Habló también la actriz del alto precio que tuvo que pagar por su fama y su éxito. Y es que contrariamente a lo que uno pensaría, no todo son rosas en el camino de una actriz. Su papel en Médico de familia la llevó a vivir situacione surrealistas: «La gente me insultaba por la calle, creían que le iba a quitar al novio a Lydia Bosch. Me decían: ¡Eres una zorra!», le contó a Bertín. De su paso por la tele también guarda recuerdos oscuros, y compartió con Osborno el peor de todos para ella: «Tuve que entrevistar al hermano de una de las niñas de Alcàsser y fue el peor momento de mi vida profesional».

En el terreno personal, la actriz habló acerca de sus orígenes en Alicante y recorsó su infancia y adolescencia en la que se enamoró, se casó y se marchó a Italia con solo 20 años, antes de llegar a Madrid, donde empezaría a probar suerte en el mundo de la televisión. «Si parecía que hacíamos la comunión en vez de casarnos», cuenta. La actriz también repasó algunos momentos personales que han marcado su vida, entre ellos, uno de los más difíciles, el que vivió tras el nacimiento de su hija María, que llegó al mundo con una grave enfermedad: «Nació malita y entonces paré el mundo», contó la actriz, «mi hija María nació con una cardiopatía y ahí lo dejé todo para intentar sacarla adelante. Finalmente no fue posible y murió con once meses».

En la cocina, Belén se reencontró después de 10 años con Antonio Resines. Ambos actores desvelaron algunos de los secretos mejor guardados del rodaje de «Los Serrano». «¿Es verdad que durante el rodaje vosotros tuvisteis un romance?», pregunta Bertín, mientras ambos contestan al unísono «sí». Además, los actores dan su opinión acerca del comentado final de la serie.

El programa contó además con el testimonio de familiares y amigos de Belén Rueda que ayudaron a completar su relato: su hermana Chus, Emilio Aragón y los actores de «Los Serrano» Jesús Bonilla, Natalia Sánchez y Víctor Elías
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El secreto de Manuel Díaz, «El Cordobés», para triunfar en el toreo

Volverte a ver

Los espectadores de Telecinco tienen la noche del jueves para el lagrimeo fácil y para gastar pañuelos. Carlos Sobera presentó esta semana la que es ya la sexta edición de un programa que se ha vuelto más que previsible y cuyas tasas de audiencia apenas llegan a un mediocre 10% del share. El televidente tiene la impresión de que ya ha visto quince veces la historia que le están contando, presentada siempre como un drama terrible y aderezada con música lacrimógena para avasallar aún más la sensibilidad del espectador.

Casi cualquier cosa tiene espacio en Volverte a ver: reconciliaciones, reencuentros, despedidas, homenajes…Un familiar o amigo del sorprendido explica los motivos por los que ha decidido traer a esa persona al programa, que luego va descubriendo poco a poco quién y por qué le ha llevado al plató. En ese punto empiezan los intercambios, de reproches o de elogios según sea el caso, y el clímax final tiene invariablemente forma de abrazo bañado en lágrimas con Carlos Sobera al fondo. Una escena costumbrista de la televisión española.

Desamor, arrepentimiento, perdón, nostalgia…todo ello tuvo espacio en la edición de esta semana de Volverte a ver. Como cada semana, el espacio de Telecinco invitó a plató a rostros conocidos para intentar darle un poco más de chispa al programa. La cantante sevillana María del Monte compadeció al comienzo del programa para mostrarle su apoyo a Luz, una de sus fans más fieles que está sumida en la depresión desde que enviudó hace tres años. Su hija quiso llevarla al programa para animarla a recuperar la alegría que le permita acompañar y ver crecer a sus nietos.

Otro de los invitados estrella de la noche fue el torero Manuel Díaz González, hijo de El Cordobés, que relató en plató el duro camino que tuvo que recorrer antes de llegar a cumplir su sueño. Compartió con Sobera todo a lo que había tenido que renunciar para convertirse en diestro, las numerosas tentativas de tirar la toalla que había vivido durante su proceso de aprendizaje…

«Es un trabajo en el que te juegas la vida», explicó el diestro, «yo cuando estoy delante de un toro me olvido de que soy marido, hijo, hermano, padre…Y solo soy torero». Su cometido en plató fue precisamente ayudar a una madre que no sabía cómo ayudar a su hijo para que se convirtiese en torero. El Cordobés animó al pequeño, y a su madre, a luchar y a superar los cientos de obstáculos que un torero debe afrontar antes de vestirse de luces
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La furiosa reacción de un comensal cuando su pareja le recriminó sus faltas de ortografía

First dates

First Dates se acerca ya a los seiscientos y no da visos de ir a agotarse pronto. Solteros de toda España pican todos los días a la puerta del restaurante que capitanea Carlos Sobera en busca del amor de su vida. Las parejas que se sientan a cenar en el plató de Cuatro son de lo más variado y siempre las hay para todos los gustos.

Las dos primeras que aparecieron la noche de este miércoles son el ejemplo palmario de la diversidad del espacio. El primer hombre de la noche fue Marco Antonio, un profesor leonés de 31 años, persona formal y devoto católico: antes de empezar a cenar, quiso bendecir la mes
a, algo que le dejó un tanto sorprendida a Alicia, también leonesa y de la misma edad que su pareja. «He visto que a ella no le ha hecho mucha gracia. Me ha respetado pero ha puesto caras raras, y eso a la larga puede ser difícil», comentó el economista, mientras que Alicia reconoció que «no estoy muy acostumbrada a estar con personas religiosas». A la larga, y aunque la cena fue agradable y cordial, las diferencias entre ambos acabaron por llevarles a preferir no tener una segunda cita.

Muy diferente a Marco Antonio, incluso totalmente opuesto a él, era Adrián, un joven gijonés de 25 años que parecía no tener abuela. «Yo sé que soy guapo, he tenido mis rechazos, como todo el mundo, pero es raro», así definió Adrián su experiencia en el amor, «entonces lo que yo busco es, antes que nada, una chica que sea guapa». Además de guapo, el chico era también pluriempleado pues «soy el jefe de relaciones públicas de la mejor discoteca de Gijón y además modelo». Ahí es nada.

Su pareja fue Victoria, una azafata viguesa de 28 años a la que Adrián no dejó de echar piropos a lo largo de la cena. Al gijonés se le notaba que era un sedcutor profesional, acostumbrado a meterse en el bolsillo a las chicas con las que hablaba, y Victoria no fue menos. La gallego, bastante tímida, no acabó de sentirse a gusto en la cita, pero finalmente decidió darle una segunda oportunidad a Adrián y se marcharon con la promesa de verse de nuevo.

Un poco después llegaron Alicia y Carlos, que protagonizaron uno de los momentos más tensos de la noche, pues ya nada más verse se enzarzaron en una discusión. Alicia, malagueña de 26 años, peluquera y maquilladora, aseguró no haber tenido suerte en el amor porque «los hombres siempre se crean una idea equivocada de lo que soy». Por su parte, Carlos, con una elegancia proverbial, es un sevillano de 28 años que trabaja en el sector de la hostelería.

El caso es que lo primero que Alicia le dijo a Carlos fue llamarle la atención sobre un error ortográfico que había cometido en la nota que le dejó. Al sevillano, como es lógico, no le hicieron mucha gracia sus palabras y respondió visiblemente enfurecido: «Hemos venido a conocernos y me sales con eso…Aquí, delante de miles de personas que están mirando me dices que tengo faltas de ortografía…Pues me voy a cagar en todas tus mulas».

Pese al chorreo, Alicia no se amilanó y volvió sobre el tema: «Ya, pero las faltas de ortografía tienes que solucionarlas…». La cita fue un auténtico desastre, y lo cierto es que Alicia no se molestó mucho en la cena fuese agradable. No le gustaba el trabajo de Carlos, que trabaja como camarero en bares nocturnos, porque es muy celosa y le espetó sin cortarse que «no me gustan los chicos que trabajan en la noche, no me fío de ellos».

De ahí fue todo en caída libre, y aunque Carlos se esforzó por remontar la cita Alicia no le puso ningún interés. «Tienes pinta de ser un trolero», le soltó de pronto sin venir a cuent. Desde ese momento, solo les quedó matar el tiempo hasta llegar al deselance esperado: Alicia y Carlos no quieren volver a verse ni en pintura
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Crítica de En la sombra: Nervio narrativo y dilema moral

Valoración de ABCPlay

En diez minutos pasan más cosas que en varias películas juntas

Federico Marín Bellón

Se tiene o no se tiene, y a Fatih Akin le sobra pulso narrativo. Sabe contar una historia y atrapar al espectador pese a no darle la menor satisfacción. En esta película todos los personajes sufren, nunca pasa nada agradable. Ni siquiera la boda del arranque proporciona felicidad. Pero no teman, que tampoco es el típico dramón lacrimógeno en el que solo suceden desgracias.

El cineasta aprieta, pero su intención es contar un caso real de violencia neonazi, recorrer un largo camino, de la cárcel al infierno, para el que no necesita el sensacionalismo de escenas escabrosas. La puesta en escena es impecable, eficaz, siempre a la velocidad necesaria, con un buen uso de la banda sonora y de los silencios. En diez minutos pasan más cosas que en varias películas juntas.

Diane Kruger no tiene tanto protagonismo en esta página como en la cinta, en el que quizá sea su mejor papel. En Cannes lo tuvieron claro. La actriz brilla como un piano perfectamente afinado, capaz de clavar cualquier nota, las blancas y las negras. Con Akin de intérprete, da un recital al lado de un reparto elegido con astucia. El abogado «bueno» es bueno, pero el malo es muchísimo mejor, como decía Mae West de sí misma. La calidad del villano, nos lo enseñó Hitchcock, es esencial, aunque la cinta bordea el maniqueísmo y llega a un desenlace discutible. El dilema moral que plantea sí puede causar incomodidad, como si el arte no estuviera obligado a eso
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Crítica de Todo el dinero del mundo: La oreja de John Paul Getty III

Aunque no pasará a la historia como la mejor película de Ridley Scott (lo cual no es significativo, pues ha hecho media docena larga de obras maestras), sí lo hará, tal vez, como la más ilustrativa de su enorme talento, pues ha convertido lo invisible en intrascendente: habiéndola rodado con Kevin Spacey en el papel, crucial, del multimillonario Paul Getty, lo «borró» y lo «reconstruyó» con prisas y con Christopher Plummer, y es tan perfecto el cosido que no se podría entender lo sustancial de este drama sin el relleno completo del gran actor canadiense, candidato al Oscar por su acuarela terrible y sin una gota de agua del cómo, el porqué y el para qué se apuntala un imperio en la jungla del dinero y el poder. Y hay tanta crítica como «admiración» en el modo en que Ridley Scott le alisa el lienzo al notable actor para que lo componga.

La historia es, en sí misma, historia, y la imagen de la oreja cortada por sus raptores al joven John Paul Getty III es una de las imágenes del siglo XX. Scott le abre una puerta a la ficción para convertirla en una película de intriga, acción y sentimientos que rechinan, con personajes tan retocados como el ex agente de la CIA que interpreta Wahlberg o el secuestrador compasivo de Romain Duris, y hay que suponer que también está muy afilada la cuchillería entre el clan Getty (es decir, solo el viejo, despiadado y avaro magnate) y la nuera del poderoso y madre del secuestrado, una Michelle Williams que consigue con fuerza y con los sentimientos más comprensibles de la función colocarse como punto principal de esa línea borrosa que separa el poder del mal.

En una película de titulares (Kevin Spacey, John Paul Getty…) lo importante está en la letra pequeña, en los pormenores, en lo que susurra, en lo que no teníamos por qué saber. Otro tipo de lágrimas que se pierden en la lluvia.

Valoración de ABCPlay

Una película de titulares con una importante letra pequeña

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de La enfermedad del domingo: Deuda de sangre

Ni entre Freud, Billy Wilder, Rodríguez Zapatero y Bergman trazarían una línea argumental tan arqueada y prometedora como ésta que es la esencia de la película de Ramón Salazar: una mujer joven fuerza una cita con su madre, que la abandonó treinta años atrás siendo una niña, y le pide (o le exige) pasar juntas y solas diez días en una casa alejada en el campo. Y la película hay que entenderla –o ir entendiéndola– ahí, en la presencia, en la ausencia, en el duelo de silencios y de diálogos, en las miradas y propósitos que van a construir ideas, actos y sentimientos que no tienen nada de habituales, pues casi toda la edificación se hace con materiales equidistantes entre el amor y el odio. Alrededor de la mitad del mundo ni somos ni hemos sido hijas ni madres, y sólo podemos imaginar ese territorio en el que las relaciones entre dos seres humanos adquieren una complejidad que no se da, al parecer, con igual intensidad y enmarañamiento en ningún otro lugar conocido. Es, pues, una historia, una película, cargada de cantidad de especias y hay que acostumbrarse al sabor que cada una va otorgándole a lo que vemos, y sentimos.

Salazar no habría podido transmitir todo el maridaje emocional sin contar con la interpretación de dos actrices mayúsculas, Bárbara Lennie, que invierte en su personaje una dosis enorme de sentimientos «nuevos» para el espectador y que le obligan a buscarles sitio en la estantería de su cabeza (lo cual le proporciona al argumento intriga, curiosidad, sospecha, tensión…), y Susi Sánchez, también a la expectativa de esa «novedad» de sentimientos, compone su personaje con una sorprendente carga de naturalidad, de sencillez y resignación al pase lo que pase. Una especie de juego de espejos purificador entre la no-hija y la no-madre; un duelo, un revoltijo de catarsis. Y el reto del director consiste en convertir una película quieta, estancada en dos tiempos y un solo lugar, en una «road movie» inmóvil a toda velocidad.

Y hay tal intensidad en lo femenino, en lo maternal, en lo especular entre madre e hija, tan concentrado el foco en ellas, que dos actores gigantescos como Miguel Ángel Solá o Richard Bohringer, no pueden más que mirar absortos esa maraña de pasión y compasión que hay entre ellas. Y sirva la insistencia en resaltar la increíble y magnífica interpretación de Bárbara Lennie y Susi Sánchez para compensar aquí la imposibilidad de encontrar unas frases a la altura de ellas.

Valoración de ABCPlay

Convierte una película quieta en una «road movie» inmóvil a toda velocidad

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de Yo, Tonya: Million Dollar Baby

Llegaba precedida de críticas exultantes de su país de origen pero al tratarse de algo parecido a un biopic de una figura del deporte, dos cosas que no me interesan, no, lo siguiente, la esperaba con desconfianza desde el minuto cero. Error, hubiera sido tonto perderse una de las mejores cosas que nos ha mandado Hollywood esta temporada. En realidad, encaja mejor dentro de algo que en la tele americana hace furor, el «true crime», o thriller basado en hechos reales, que aquí podríamos llamar, ya que tenemos tan bonita palabra, crónica de sucesos (Leon Siminiani ha hecho una estupenda aportación en torno al suceso de la niña Asunta). Este suceso fue menos dantesco, alguien del entorno de una patinadora sobre hielo olímpico lesionó la rodilla de una rival en un campeonato, para quitársela de en medio. No parece gran cosa, ¿no? Pero el caso es que Tonya Harding tuvo que abandonar un prometedor futuro olímpico y el suyo fue, a la altura de 1994, un escándalo mediático sólo superado por el de O. J. Simpson, que ha generado no una sino dos joyas en formato miniserie.

No recuerdo el caso de Tonya pero compruebo que, a pesar de mis prejuicios, los deportes sobre hielo dan para muy buen cine: repesquen por ahí «Red Army», en torno al hockey. De todos modos, el atractivo de esta biografía de Tonya no depende de ver sus elegantes evoluciones sobre la pista helada. La película alterna la dramaturgia convencional con intervenciones de los personajes mirando a cámara y dando su versión particular de los hechos. Eso genera como es lógico más de una contradicción pero, más que buscar el efecto Rashomon, el director Craig Gillespie busca una narración dinámica, un relato con un nervio explosivo y, durante la primera hora de metraje, consigue situarse al nivel del mejor Scorsese-narrado, el de «Uno de los nuestros», o la polifónica «Casino».

Con el mérito añadido, como ya hemos dicho, de que los hechos son mucho menos vistosos: lo que vemos es un retrato surgido de la América profunda, la que quiere salir del hoyo y triunfar (y desde luego, lograron una forma de fama); lo que vemos es una crónica familiar con una madre que deja en pañales a Cruella de Vil, pero a quien desolla es a su propia hija; lo que vemos es un grupo de presuntos villanos que es un escuadrón metelapata que no lo mejoran ni los hermanos Coen… Y vemos, y no se sabe bien a quién elegir, a dos mayúsculas actrices, la cruella Allison Janney y la patinadora Margot Robbie, que consigue en todo momento que su princesa basura blanca no pierda una luminosidad esencial que reverbera durante toda la película. No se las pierdan.

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Alterna la dramaturgia convencional con intervenciones de los personajes mirando a cámara

ANTONIO
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Crítica de Lady Bird: Ella era una estrella

Otra de las películas que más ha gustado a la crítica americana este año y otra historia de madre e hija, como todos los estrenos de esta semana (¿se imaginan que la cartelera fuera así, temática…?). En parte, la razón por la que gusta tanto es porque la firma Greta Gerwig, genuina musa del nuevo cine indie. Su pareja artística y personal, Noah Baumbach, la dirigió en «Frances Ha» y «Mistress America», co-escritas por ella: si quieren entender su fama, y enamorarse un poco de ella, véanla en esas dos o mejor aún en «Damiselas en apuros». Pero el estilo de Greta, el que sea el tipo de actriz que podría vivir de «influencer» de moderneces varias (es como una Annie Hall hecha carne), tiene poco que ver con el mérito de haber escrito y dirigido con tan modesta maestría esta opera prima en solitario sobre una mujer que, al contrario que ella, no parece hecha para marcar tendencia.

Al contrario, esta chica insatisfecha sólo quiere salir de Sacramento, porque es un sitio muy paleto, y vivir en la metropolitana NuevaYork, y lleva su complejo al extremo de hacerse llamar Lady Bird, casi como si fuera Lady Day (Billie Holiday), a tal punto se siente incómoda en su propia piel. Ello no tiene que ver con el hecho de que estudie en un colegio de monjas católicas, un entorno que cuando aparece en el cine americano se presenta de forma más pintoresca o excesiva que aquí (recuerden, pero no se les ocurra volver a ver, «Superstar», versión histérica de este mismo tipo de estudiante católica). Parece ser que Gerwig está contando parte de su propia vida y eso explica su mirada ponderada; la película parece llevar inscrita en su textura la forma en que la distancia que da el tiempo nos permite ver mejor las cosas que en su momento nos amargaron la existencia.

Y eso es todo, realmente, no hay grandes eventos y no hay grandes traumas en juego, aunque no se les ocurra decirle eso a esta lady Pájaro, que lo sufre todo con la intensidad de una adolescencia convulsa. Su madre (grande Laurie Metcalf) no es tan agresiva con ella como imagina: aunque parece que sólo se encuentran en el ring –discutiendo–, la película le ofrece un maravilloso climax dramático en el momento de la despedida. Y su hija Christine, no se lo digan a nadie pero este es su nombre real, es un retrato tan realista que Saoirse Ronan debería ganarse todos los premios del año. Y para acabar con Greta Gerwig, ¿es lícito ver un punto de vista de mujer en el hecho de que la felicidad o la meta de su protagonista no dependa de encontrar pareja?

Valoración de ABCPlay

Parece que Gerwig está contando parte de su propia vida

ANTONIO
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Aitana y Ana War desvelan las primeras imágenes del videoclip de «Lo malo»

«Lo malo» no va a ir a Eurovisión, pero sonará este verano en todas las discotecas. Conscientes del éxito del tema que popularizaron en la gala especial de «Operación Triunfo 2017» donde se eligió a Alfred y Amaia como representantes de España en el certamen europeo de la canción, Aitana y Ana Guerra ya graban el videoclip del tema compuesto por Brisa Fenoy. Ambas han querido mostrar en las redes sociales un adelanto de su vestuario y maquillaje y la discográfica, Universal, ha hecho lo mismo con los primeros acordes del tema:

Disfrutando con @Aitana_ot2017 y @AnaG_ot2017 en la grabación de la nueva versión de #LoMalo pic.twitter.com/ChGeVKFzgb— UniversalMusicSpain (@UniversalSpain)

20 de febrero de 2018 Día de rodaje con mi hermana Ana War 🦄

Una publicación compartida de AITANA (@aitana_ot2017) el Feb 21, 2018 at 10:05 PST

El «reguetón feminista» de las jóvenes se ha convertido en una de las canciones más escuchadas tras el final del reality. Los fans pidieron el video de la canción, convirtiéndolo en trending topic y su deseo se ha hecho realidad.

Y eso que al principio ni Aitana ni Ana estaban convencidas de su éxito. «Es una canción que te puede perseguir siempre. No soy una tía que va dando ese tipo de mensajes por la vida», decía Ana Guerra. «Es ir a un sitio tan grande como Eurovisión sin cantar algo que a mí me llegue», opinaba por su parte Aitana. Estas primeras impresiones indignaron a Noemí Galera, que consideró que estaban faltando el respeto a los autores y a aquellos que habían seleccionado la canción pra ellas. Las jóvenes se retractaron y luego defendieron el tema con la energía que las caracteriza.

Operación triunfo

Brisa Fenoy, la compositora de la adaptación, no se mostró ofendida por la opinión de las chicas y defendió que su reguetón era , en realidad, un canto al feminismo. «Cómo no vamos a aprovechar esta oleada y algo tan nuestro», insiste
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