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Go Nagai, creador de «Mazinger Z»: «Los adultos verán la película con la emoción de cuando eran pequeños»

Hace más de 45 años, «Mazinger Z» lanzaba por primera vez su golpe más famoso, y el «¡Puños fuera!» no dejó de escucharse por todo el mundo, aunque a España no llegó hasta 1978. Aquellos niños, y los que vieron la reposición en Telecinco en 1993, gozaban cada merienda con las aventuras inacabables de los robots japoneses. Y eran infinitas porque en la época, antes de la pasión actual por las series redondas, el malo era siempre muy malo y cuando iba a matar al protagonista explicaba cómo lo iba a hacer, y justo antes de dar el golpe de gracia lanzaba esa risa maligna tan característica que daba el tiempo justo al bueno para salvarse. Un bueno que, al tiempo, nunca destruía al enemigo porque se entretenía justo antes de hacerlo.

Mazinger Z Infinity

En este «revival» ochentero impuesto por el éxito de «Stranger Things» llega al cine la secuela del Mazinger Z de 1972. Con el apellido de «Infinity», el popular robot viene a hacer lo que siempre hizo: salvar el planeta y llenar de gozo a los espectadores, aunque ahora empiecen a peinar canas. «Los adultos verán la película con una sensación de nostalgia, recordando la emoción con que veían la serie cuando eran pequeños, mientras que para los niños será una nueva película de dibujos animados de acción con elementos de ciencia ficción», explica a ABC Go Nagai, creador del mítico robot y de animes tan populares como Devilman o Violence Jack.

P – Mazinger Z nos lleva de vuelta a los años 70 y 80. Hay un resurgimiento de las series y las películas de aquella época. ¿Qué opina de esta nostalgia?

El que se pueda llamar «nostalgia» creo que es porque trae buenos recuerdos. Me alegra que por ser tan querido durante tanto tiempo produzca esa sensación.

P – La gente que vio Mazinger Z en los 70 irá al cine. Eran niños en aquel tiempo y ahora podrían ir acompañados de sus hijos. ¿Quién cree que disfrutará más?

R – Creo que ambos la disfrutarán a su manera. Los adultos lo harán con una sensación de nostalgia, recordando la emoción con que veían la serie cuando eran pequeños, mientras que para los niños será una nueva película de dibujos animados de acción con elementos de ciencia ficción.

P – ¿Mazinger Z se creó para un nuevo espectador o para aquellos que vieron la serie?

R – Creo que puede atraer a nuevos espectadores sin traicionar a los seguidores antiguos.

P – En el tráiler se puede ver que Mazinger Z “visita” Barcelona, Italia y otros lugares de Europa. ¿Es un intento para acercar el manga y el anime a la “estética” europea?

R – Hay muchos seguidores en España e Italia, por lo que quería que aparecieran esos lugares. Pero también quería plasmar que la historia es una batalla a escala mundial.

P – ¿Cree que el manga y el anime se entienden de la misma forma en Europa que en Asia?

R – Sí.

P – Uno de los personajes pregunta: “¿Este mundo es merecedor de su existencia?”. ¿Cómo respondería?

R – Respondería que Koji Kabuto es igualmente merecedor de su existencia. Porque percibo que él vive creyéndolo así.

P – El protagonista, Koji Kabuto, “debe tomar una decisión sobre el futuro: ser un dios o un demonio”. Ese es un tema recurrente en sus historias, pero ¿ha cambiado su modo de tratarlo con el paso de los años?

R – No creo que haya cambiado. El ser humano tiene dudas y se angustia cuando obtiene un gran poder. Y eso es así siempre.

P – ¿Cómo es el nuevo Mazinger Z comparado con el clásico?

R – Es una combinación de animación en dos y en tres dimensiones. Y creo que esta combinación representa muy bien el mundo. Gracias a esa expresividad, la furia de Mazinger Z se desata a lo grande en la gran pantalla.

P – ¿Qué consejo le dio al director Junji Shimizu?

R – Tenía entendido que es un director que adora a Mazinger Z, por lo que no tuve que darle ningún consejo en particular. Simplemente le pedí que hiciera una obra que le gustara
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¿Odian los chinos «Star Wars»? Los motivos del tremendo fracaso de «Los últimos Jedi» en China

«Star Wars: Los últimos Jedi» ha fracasado en China. La película de Rian Johnson tan solo logró recaudar 2,4 millones de dólares en su segunda semana, un 92% menos que el fin de semana del estreno (unos discretos 28 millones) y ya ha sido retirada de los cines del país asiático.

«Ha sido mucho peor de lo que esperábamos», ha declarado a «Hollywood reporter» Jimmy Wu, presidente de la cadena de cines Lumiere Pavilions. Según la firma Fanink, experta en analizar el mercado chino, la última cinta de «Star Wars» fue recibida con malas críticas por parte de los espectadores que acudieron a verla en su estreno, lo que terminó por hundirla ante la mala fama que se creó sobre su calidad cinematográfica.

Más allá de los datos, ¿qué ocurre con el público asiático para dar la espalda a una cinta que ha sido número uno en todo el mundo? La clave está en la nostalgia. Si Disney jugó con esa baza en Occidente para lanzar su nueva trilogía, en China no ha funcionado: allí no se estrenó la trilogía original, de 1977, ya que la dictadura, más férrea que ahora, no lo permitió.

Otro elemento clave ha sido la ausencia de personajes con los que el público chino pudiera empatizar. Si en «Rogue One» participaron las estrellas chinas Donnie Yen y Jiang Wen, en «Los últimos Jedi» el único personaje con rasgos asiáticos es Kelly Marie Tran, una intérprete estadounidense de padres vietnamitas.

Un tercer factor, este puramente material, es que la cinta de «Star Wars» ha tenido que competir con el filme «The Ex-File 3: The Return of the Exes», una comedia romántica local que ha recaudado 275 millones en sus primeras tres semanas en cartelera.

Y por último está el intangible de la promoción, el factor que a la postre permite a una película triunfar. Y sobre esto Disney no ha publicado cifras, pero sí se puede comparar con otras sagas como «Fast and Furious», cuyos primeros títulos no tuvieron gran acogida en China y que sin embargo la séptima y la octava entrega tuvieron altísimas recaudaciones, con cerca de 390 y 392 millones respectivamente.

Otros filmes de «Star Wars»

Star Wars: Los últimos Jedi (Episodio VIII)

Las cifras en China contrastan con el éxito del Episodio VIII en el resto del mundo. Los últimos Jedi fue la película más vista del año en Estados Unidos y Canadá, con un total de 591 millones de dólares de recaudación, mientras que en la taquilla global alcanza los 1.270 millones de dólares. En China, sin embargo, no ha llegado siquiera a los 50 millones de dólares, por debajo de otros sonados batacazos como Valerian (62 millones) o Geostorm (65,6 millones), informa Europa Press.

Una contingencia que no es nueva para Disney. A comienzos de 2016, «El despertar de la Fuerza» ya cosechó una relativa decepción en la taquilla china con 124 millones de dólares, muy por debajo de las previsiones de la compañía. No mejoró la cosa con el estreno del spin-off «Rogue One», que obtuvo 69 millones en las primeras semanas de 2017. Una caída que se ha acabado de confirmar con «Los últimos Jedi».

[Crítica de Star Wars: Los últimos Jedi
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Carlos Acosta, el bailarín que demostró que el ballet era más que el «príncipe blanco y rubio»

Tras emocionar con «El Olivo», Icíar Bollaín regresa con otro guion de su pareja, Paul Laverty (colaborador habitual de Ken Loach), para contar la vida del bailarín que consiguió romper con la idea de que los bailarines de ballet tienen que ser «príncipes blancos y rubios», Carlos Acosta. «Fue el primer negro que interpretó un ‘Romeo’ con el Royal Ballet londinense, con la española Tamara Rojo, tuvo que luchar el triple debido a su origen humilde y prejuicios raciales», cuenta la cineasta. Pero el verdadero sueño de Carlos Acosta era convertirse en futbolista. Sin embargo, fue su padre quien le obligó a estudiar danza clásica. Creía que así le daría la disciplina que faltaba en su barrio de La Habana, aunque tampoco le dejó olvidarse de su origen humilde. Bollaín define esta película, producida por Morena Films y BBC, como un filme «opuesto a Billy Elliot» ya que las historias que se muestran en la gran pantalla suelen contar la historia de un niño que quiere bailar y al que su familia no le deja, pero aquí es al revés.

«Su biografía recorre los últimos 30 años de la isla, cómo parte de su familia se fue a Miami y la otra se quedó, o cómo volvió con el ‘periodo especial’», recuerda. Pero no es un biopic al uso. «La historia está rota, dividida en dos mundos. En uno está Carlos Acosta en el presente en La Habana ensayando con su compañía un espectáculo con su compañía -que comparte nombre con la película- que recorre su vida y que ha sido inventada para la película, y ha sido coreografiada por María Rovira. Pero es en ese teatro en el que él está bailando esos momentos de su vida, cuando se va al pasado y nos vamos a la ficción», cuenta.

Cuba tiene un papel importante en «Yuli». Sin embargo, se trata de una historia personal de alguien que tuvo una relación buena con su país. «Se benefició de las oportunidades que se les daba a los artistas de crecer, aún viniendo de barrios humildes. Y él lo devolvió al retornar a La Habana primero con el Royal Ballet y luego creando su propia compañía», matiza la directora instantes antes de volver al trabajo. Hasta en el descanso para comer sigue analizando la escena con sus ayudantes tras haberla repetido tantas veces como consideró necesario. Sabe que se trata de una apuesta compleja, especialmente por las escenas de baile. «Aquí no hay cisne negro, no hay planos de cintura para abajo. Aquí actúan y bailan, pero baila entero. No hay truco», dice con rotundidad.

Con acento español
Bollaín comenzó a rodar «Yuli» el pasado mes de noviembre en Cuba y, ahora, continúa en Madrid las grabaciones de este filme en los teatros del Canal, que simulan ser un escenario londinense. La directora se muestra meticulosa en el rodaje. Busca la perfección en cada plano así que no duda en repetir la escena una y otra vez, exigiendo un esfuerzo titánico a Kevin Martínez, el encargado de interpretar a Carlos Acosta en su juventud.

Para esta película, Icíar Bollaín se ha rodeado de profesionales españoles para asegurarse de que hasta el más mínimo detalle de esta historia esté cuidado. Álex Catalán, que dio luz a la desolación de los últimos españoles en «1898: Los últimos de Filipinas» o que puso color a la transición española en «La isla mínima», se asegura de que reluzcan los saltos de las tres versiones de Carlos Acosta que veremos en el filme de la madrileña. Mientras que Alberto Iglesias, compositor de las bandas sonoras de películas como «Hable con ella» o «Julieta», ha hecho lo propio con la música.

Despiece: Rompiendo barreras

Al igual que Carlos Acosta ha cambiado los prejuicios que existían en el ballet, Bollaín también lo ha hecho lo propio en el cine. La madrileña es una de las tres únicas mujeres que han ganado el Goya a la mejor dirección. Aún así, la representación femenina en el mundo cinematográfico no es el que le gustaría. «Cuándo yo estrené ‘Hola, ¿estás sola?’ hace 20 años, entramos en el cine más de 30 mujeres y pensamos que ya estaba solucionado, pero ha pasado el tiempo y no llegamos a ser más del 10%, entonces, ¿qué hacemos?», reflexionaba Bollaín sentaba en una butaca del Teatro Canal. Por ello, se muestra a favor del reciente cambio en los puntos para otorgar las ayudas del cine, que otorgan más a aquellas producciones dirigidas por mujeres: «cuando hay déficit de algo solo se han cambiado así las cosas». Esto no solo ocurre en el cine, Bollaín asegura que «allí donde hay poder, dinero y toma de decisiones hay pocas mujeres. Es una cuestión de confianza y a las mujeres les cuesta más que se apueste por ellas. Si no potencias que estén ahí, no ocurrirá, así que ayudemos a que pase&raquo
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Los independentistas intentan boicotear el documental de Serrat

A veces se les exige compromiso político. Otras, cuando se pronuncian, acusan las consecuencias. Algo así le ha sucedido al cantante Joan Manuel Serrat tras hablar abiertamente de lo nocivo que era el referéndum independentista.

«La convocatoria del referéndum no es transparente», llegó a afirmar el artista catalán, alertando además de la «gran fractura social» que se ha creado en Cataluña.

Ahora, desde las redes sociales, los partidarios de la secesión han iniciado una campaña para boicotear el documental del cantante que el programa «Sense ficció» de TV3 emite esta noche (21.55 horas), perjudicando así sus audiencias.

Entre descalificaciones como «traidor», usuarios en twitter piden que se apaguen las televisiones para no ver Serrat, el noi de Poble Sec. Incluso hay quienes incitan el movimiento contra el cantante, pidiendo que se apoye en su lugar al también artista Lluís Lalch, «siempre fiel al pueblo y la lengua catalana a pesar de todo». «Serrat empezó a cantar en castellano cuando perseguían (la lengua) catalana y no le contrataban», continuaron.

No obstante. Serrat ha recibido el apoyado de otros usuarios que aseguraban que los independentistas que pretenden boicotear la emisión del documental «se habían vuelto locos».

Certament el sobiranime ha embogit. Gent que creia seriosa i intel.ligent demanant boicot al programa de TV3 en que surt Serrat— Pere Pascual PIC (@perepascualpic)

15 de enero de
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Un concursante de Got Talent se levanta de su silla de ruedas para dejar boquiabierto al jurado

La historia de Hamza ha sido una de las más conmovedoras de la primera entrega de esta edición de «Got Talent». El pequeño de 12 años tuvo un problema al nacer y por eso a día de hoy está en silla de rueda. Para operarse tuvo que venir a España y aún está a la espera de esa operación. Sin embargo, esto no ha frenado a Hamza. Debido a tener que utilizar tanto los brazos ha desarrollado una fuerza con la que realiza diferentes acrobacias y breakdance tras tres años de práctica.

Vino de Marruecos para operarse las piernas… ¡y ahora es una estrella! 🌟 ¡Hamza nos ha dejado boquiabiertos! ¿Y a ti? 😯 #GotTalent1 pic.twitter.com/m5HEZJsX7L— FremantleMedia España (@FremantleESP)

17 de enero de 2018«Es una salvajada lo que has hecho. Menuda sorpresa. Felicidades», decía Eva Hache. Como era de esperar, Hamza recibió el voto positivo de los cuatro miembros del jurado: Risto, Eva Hache, Jorge Javier Vázquez y Edurne. Incluso, congenió tanto con el publicista que mantuvieron una conversación sobre el tipo de breakdance que había hecho. «Tú has mezclado el Top rock’ y el ‘Footwork’», comentaba. Hamza ha demostrado que con ilusión todo se consigue y es un gran ejemplo a seguir. Tendremos que esperar a la semana que viene para ver un poco más del pequeño Hamza.

El programa regresa con sus señas de identidad habituales, aunque añade un elemento más: el «pase de oro conjunto», por el que los miembros del jurado podrán escoger a un concursante de manera unánime para que acceda directamente a semifinales. «Puede sonar muy bonito, pero es un regalo envenenado», advierte su presentador Santi Millán
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Carlos Sobera: «La gente se mueve por el amor; si no, no sería entendible que las discotecas se llenasen»

Tras su éxito con «First Dates», Carlos Sobera (Baracaldo, 1960) regresa a la primera línea de Mediaset para ponerse al frente de «Volverte a ver», el emotainment que Telecinco estrena esta noche (23.30), que aunará emoción y entretenimiento y que seguirá la hoja de ruta de formatos tan exitosos en el pasado como «Hay una cosa que te quiero decir», emitido también en la cadena de Mediaset, o «Hay una carta para ti», que se pudo ver en Antena 3 entre 2002 y 2004.

El programa ofrecerá «evocadores recuerdos, reencuentros, declaraciones de amor, segundas oportunidades, arrepentimientos y sorpresas a cargo de personajes famosos», señala Telecinco. «El amor es el motor de todo. Así lo confirman ‘First Dates’ o portales de citas online como Meetic. Por ‘First Dates’ han pasado casi 6.000 personas y casi todas buscando a su compañero de viaje», explica Sobera. «La gente se mueve por el amor, de otra manera no sería entendible que las discotecas se llenasen», agrega.

Para el conductor, «era necesario» recuperar este tipo de programas. «Después de comedias tan grandes como las de Billy Wilder o Woody Allen, ¿habría que dejar de hacer ese tipo de películas?», se pregunta, al tiempo que enfatiza que lo mejor de «Volverte a ver» es «que es un género en sí mismo». «Aunque el formato sea igual (que el de otros programas anteriores), siempre hay historias y protagonistas nuevos. Si has conocido una vez el amor y un día te separas, ¿por qué no vas a volver a casarte? “¡Life goes on!”, (“¡La vida sigue!”), como dijo Robert de Niro en “Los Intocables”», expresa.

«Volverte a ver» tendrá «un tono muy íntimo, muy cercano y muy diferente» al de otros espacios, como cuenta un Sobera que se declara novicio en este tipo de formatos. «Nunca había hecho un programa así, pero como me gusta tanto hablar con la gente, todo fluirá con bastante naturalidad», subraya. El programa contará con «buscadores», los emisores del mensaje, y «buscados», sus receptores, a los que les llegará el mismo a través de los «emisarios» especiales del programa.

«La gente no quiere personajes»
Sobera habla con sencillez de su éxito al frente de la treintena de shows de los que ha estado. «La gente no quiere personajes presentando, sino tipos auténticos. Yo me intereso por las personas, soy empático, comprensivo, transparente… y busco la sorpresa», aclara. «Me sorprendo igual que los espectadores cuando veo las cosas que veo. Tú conoces la historia, pero no sabes cómo va a reaccionar una persona ante una determinada situación».

El presentador no esconde ciertas manías que le han perseguido a lo largo de su carrera. Por ejemplo, como le sucedía en «¿Quién quiere ser millonario?», el programa que le encumbró, no le gusta ver a los participantes de sus espacios «antes de que entren en plató». ¿El motivo? «Que así todo es más limpio y más honesto», explica.

Junto a él, en el programa, que contará con «entre siete y ocho» historias cada noche, estarán cinco rostros reconocibles para los espectadores y que serán los «emisarios» que encontrarán a los «buscados». Se trata de Gloria Camila (hija de Rocío Jurado y Ortega Cano), el ex concursante de Operación Triunfo 2005 Guillermo Martín, Sofía Cristo («Sálvame»), Abraham García («Gandía Shore» y «Supervivientes») y Manu Lombardo («Mujeres y hombres y viceversa»), a los que acompañarán, en ocasiones, otros personajes famosos. En esta entrega inaugural, por ejemplo, se podrá ver a la actriz y modelo Paula Echevarría darle una sorpresa muy especial a una adolescente enferma que la admira. «Paula se emocionó muchísimo. Lloró y se implicó a tope», afirma Sobera.

A pesar de su horario de emisión de hoy, se espera que Telecinco ubique «Volverte a ver» en su prime-time. Esta noche, se retrasa por la emisión del derbi madrileño de la Copa del Rey de fútbol entre Leganés y Real Madrid que emite la cadena de Mediaset, de cuya audiencia también podría captar adeptos el espacio. «No sé si la gente que verá el partido se quedará a ver “Volverte a ver”, pero tener de telonero a un partido de fútbol siempre está bien», asevera el presentador, que reconoce que su familia no le ve apenas en televisión. «¡Y a veces es casi mejor!», cuenta entre risas.

Su carácter tan extrovertido y dicharachero esconde un lado desconocido. «Soy muy pudoroso. Nunca me atrevería a ir a un concurso de preguntas». Acaba de firmar un contrato de larga duración con Mediaset, donde regresó en 2016 tras haberse marchado doce años antes. «Estoy encantado de haber vuelto a mi casa. Aquí estuve cinco años y (la firma) es la culminación de un proceso de confianza y querencia mutua», confiesa Sobera, que seguirá presentando «First Dates» y al que todavía le quedan unos cuantos retos por cumplir en la televisión. «Algún día me gustaría poder volver a hacer ficción, presentar un late night y también un magazine por la mañana. Soy muy curioso y necesito hacer cosas diversas», sentencia
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Amaia, protegida por la academia de Operación Triunfo en la selección de sus canciones

Operación triunfo

Amaia es la finalista de Operación Triunfo que ha ofrecido un menor rango de estilos musicales en sus actuaciones en las galas. Aitana, Alfred y Miriam, los otros tres ya clasificados, han tenido que defender registros de un espectro más amplio, con mayores salidas arriesgadas de su zona de confort.

Amaia es la candidata favorita para ganar OT 2017. Todos los miembros del jurado le concedieron un 10 como puntuación a su paso por el concurso. Sus rivales hablan sin tapujos de que saldrá vencedora. Algunas de sus actuaciones en las galas tienen millones de visualizaciones en internet; incluso los vídeos de sus improvisaciones al piano o la guitarra, saltando de la música barroca al reguetón. Sin embargo, esa versatilidad no ha tenido el mismo reflejo en las galas.

Los temas cantados por los concursantes los lunes, preparados durante una semana, son impuestos por la academia, a excepción de los nominados, que pueden elegir su propia canción, y de la gala 0, cuando los concursantes la trajeron preparada de casa. Hasta las dos últimas galas, los profesores no habían sacado a Amaia del arco musical del rock y el pop, en sus diferentes variantes y matices, a excepción de una balada romántica tocada al piano a cuatro manos con Alfred.

Estilos musicales de las canciones de Amaia de OT 2017

LUIS CANO
Justo antes de llegar a esas dos últimas galas, las número diez y once, donde subió al escenario a cantar jazz y soul, Amaia había puesto en pie al jurado con su interpretación deslumbrante de «Shake it out», de Florence and The Machines. El punto de inflexión, según el propio tribunal, que la destapó definitivamente como el diamante en bruto que es, y que, a su vez, coincidió con la decisión de la academia de darle la oportunidad en las sucesivas actuaciones de brillar con nuevos palos al margen del del pop rock donde estaba protegida.

Esa oportunidad, no obstante, no ha servido a la concursante navarra para acercarse en la variedad de registros que el resto de finalistas se han visto obligados a defender gala tras gala para seguir en el programa, con el consiguiente riesgo de fallar.

De los otros tres finalistas, Aitana es la concursante que, después de Amaia, con mayor frecuencia ha permanecido dentro de su zona de confort. Su rango ha cubierto básicamente desde el pop al electropop, con sus diferentes variantes. Etiquetada ya como potencial ídolo de pop adolescente, las canciones impuestas por la academia no han hecho sino fijar esta imagen. No ha sido hasta las últimas actuaciones cuando los profesores le han dado alas para demostrar sus habilidades también con el soul o una balada romántica.

Estilos musicales de las canciones de Aitana de OT 2017

LUIS CANO
En el lado opuesto de Amaia y Aitana está Miriam, la finalista a quien la academia ha puesto, con la elección de las canciones, en mayores complicaciones para alcanzar la final. La gallega ha subido al escenario para cantar rock, pop, electropop, R&B y baladas. El jurado concedió a Miriam el pase a la final con la segunda puntuación más alta como un premio a su versatilidad, siempre dentro de los estilos musicales cultivados desde el popular programa.

Miriam, no obstante, ha sufrido un desgaste. Es la única finalista que ninguna semana ha sido elegida como la favorita, una distinción que Amaia ha ganado en tres ocasiones, y Aitana y Alfred en dos respectivamente. Y, a su vez, es la finalista, junto a Alfred, que más veces no ha sido salvada por el jurado. Hasta en cuatro ocasiones fueron los compañeros o los profesores quienes decidieron que permaneciera en la academia y evitaron que se enfrentara a la nominación.

Estilos musicales de las canciones de Miriam de OT 2017

LUIS CANO

Alfred es el otro finalista que mayor número de registros musicales ha estado obligado a defender en el escenario. Una variedad castigada por el jurado, que lo encuentra desubicado en sus momentos rockero o poperos. Aún así, la academia no ha constreñido al catalán a sus estilos mejor dominados —entró a OT 2017 a cantando jazz—, sino que ha puesto a prueba al compositor y multiinstrumentista con un amplio arco de estilos.

Estilos musicales de las canciones de Alfred de OT 2017

LUIS CANO
A los tres concursantes seleccionados por el jurado —Amaia, Miriam y Alfred— y el elegido por la academia —Aitana—, se unirá un quinto finalista, el más votado por el público entre Agoney y Ana Guerra
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Fracasa el boicot independentista al documental sobre Serrat en TV3

En los últimos días, se había iniciado una campaña en las redes sociales por parte de los sectores independentistas para censurar el documental «Serrat, el noi del Poble Sec», espacio especial sobre la vida del cantautor español Joan Manuel Serrat que emitió la cadena pública catalana TV3 en su formato «Sense Ficció» el pasado martes.

Esta iniciativa vio la luz después de que Serrat dijese que la convocatoria del referéndum por la independencia de Cataluña «no es transparente» y que ha provocado «una gran fractura social» en el territorio y entre sus ciudadanos.

En las redes, entonces, se inició un alegato contra el «traidor» Serrat, que tuvo como objetivo que el documental fuese un fracaso de audiencia. Aunque no parece que la jugada les haya salido bien, pues el documental sobre el cantautor estuvo entre lo más visto del día en la cadena, lideró la franja horaria en televisión en Cataluña y superó en un 11,5% los registros que normalmente tiene «Sense Ficció».

Joan Manuel Serrat

Líder de audiencia
De hecho, fue el segundo espacio que más gente congregó frente a la televisión durante todo el día en la cadena tras el informativo vespertino «Telenoticies Vespre», que tuvo un 15,4% de ‘share’. El programa se centró en las primeras etapas de la vida de Serrat, en especial su infancia y adolescencia.

Cerca de medio millón de personas (446.000) vieron en directo el documental, que TV3 emitió a las 21.50 y tuvo una hora de duración, logrando un ‘share’ del 15,4%, el mismo que logró «Telenoticies Vespre». Superó con creces a «First Dates», el programa que presenta Carlos Sobera y que fue lo segundo más visto en la Comunidad a esa hora.

Así las cosas, no parece que las pretensiones independentistas surtieran efecto. Al contrario, su iniciativa tuvo un efecto rebote y llevó al especial sobre Serrat a convertirse en uno de los programas más vistos de todo el día en la cadena pública catalana
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«Sálvame» insulta y humilla en directo a Alfred, concursante de Operación Triunfo

Hace algunas semanas, se conocía la noticia de que Alfred, concursante y finalista de Operación Triunfo, había participado en «La Voz», el formato de Telecinco. Lo hizo en octubre de 2016, durante las audiciones a ciegas, y lo más llamativo fue que ninguno de los «coaches» del concurso se giró para incluirle en su equipo.

El participanteno encandiló, así las cosas, ni a Alejandro Sanz, ni a Malú, ni a Manu Carrasco, ni a Melendi. Pero solamente un año después se ha convertido en uno de los cantantes de moda en España gracias a su papel en OT 2017. Su voz, talento y personalidad han conquistado de lleno a toda España. De hecho, el «triunfito» es uno de los grandes favoritos a alzarse con la victoria final en el formato.

Sin embargo, «Sálvame», el espacio producido por La Fábrica de la Tele y que Telecinco emite a diario, ha puesto su foco en el hecho de que el participante fue rechazado por el formato de Mediaset, en lugar de hablar de su éxito en Operación Triunfo. Lo hizo en los últimos instantes de su programa de ayer, donde sus colaboradores utilizaron varios descalificativos para referirse a Alfred.

Operación triunfo

«Él no es Alfred de España»
A lo largo de toda la tarde, el programa fue advirtiendo de que, en algún momento hablaría del «triunfito». Poco a poco, comenzó a ofrecer imágenes acompañadas de frases como «Otro que lo intentó en Telecinco»; «Lo importante es participar» o «Pero él no es Alfred de España» y de las valoraciones que el jurado de «La Voz» hizo del catalán.

Aunque no fue hasta el final de «Sálvame» cuando los telespectadores vieron el vídeo completo de la actuación del concursante, al que dio paso Carlota Corredera. «Hay un concursante, Alfred, que está triunfando y teniendo muchísimos fans. Igual que la persona con la que está, Amaia… ¡y mira por dónde, los dos aparecieron en Telecinco! A Alfred, curiosamente no le quiso ningún “coach” de “La Voz”», dijo la presentadora.

Tras la polémica promoción que hizo «Sálvame» de Alfred, le llegó el turno a uno de sus colaboradores de referencia, el excéntrico Kiko Hernández, que se despachó a gusto. «Cantaba peor que Chayo Mohedano», aseveró, al tiempo que dijo desconocer su nivel actual. «Ahora no sé (cómo canta), porque no le sigo», dijo.

Además, apoyó la decisión que en su momento tomaron los «coaches» de «La Voz», que llevó a su extremo. «Yo tampoco me daría la vuelta ni para decirle: “Buenas tardes”», sentenció.

Las redes cargan contra «Sálvame»
Hay que recordar que Telecinco tuvo los derechos de «Operación Triunfo» desde 2005 a 2011, entre su cuarta y su octava edición, aquella presentada por Pilar Rubio y que, tras fracasar entre la audiencia, apenas duró un mes. Ahora, Televisión Española ha recuperado el espacio, después de haberlo emitido también en sus tres primeras entregas (2001-2004).

Las reacciones del público a los comentarios vertidos en «Sálvame» no se hicieron esperar. «Por suerte, no entró en la basura que envuelve Telecinco», dijo una «tuitera». «¿Son tontos o persiguen coches aparcados?», se preguntó otro. «¡Cómo me alegro de que (Alfred) no pasara las audiciones de “La Voz” y de que ahora esté triunfando en “Operación Triunfo”! ¿Cómo pica, eh, Telecinco?», escribió un tercero. «¡Sois ridículos!», espetó un cuarto

«Se ríen de él, un chaval de veinte años, mientras está encerrado (en la Academia) y no puede decir nada ni defenderse. Lamentable», publicó por su parte la cuenta «OT Noticias», dedicada a la difusión de contenidos del programa y que cuenta con más de 8.500 seguidores.

Hay una cadena de televisión (Telecinco) y un programa de televisión Sálvame que se ríen porque Alfred no pasó las audiciones a ciegas de La Voz mientras él un chaval de 20 años está encerrado y no puede decir nada ni defenderse. Lamentable. #OTDirecto18E pic.twitter.com/dWt4uh67b4— OT Noticias (@OTnoticias)

18 de enero de 2018En Sálvame riéndose de Alfred diciendo que ni entró en La Voz.

Por suerte no entró en la basura que envuelve Telecinco, y lo hemos descubierto en RTVE y está demostrando que él merece un programa que de verdad se cuide el talento y la música.

Con Alfred NO! #OTDirecto17E— Miss Darkfred. (@MissDarknessGH)

17 de enero de
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Drogas, apariciones y conspiraciones gubernamentales: Así era Philip K. Dick

Puede que no haya leído ni un solo renglón de Philip K. Dick. Sin embargo, le aseguro que conoce (al menos parte) de su obra gracias a las adaptaciones cinematográficas (tanto las consentidas como las involuntarias). La relación entre el cine y sus textos comenzó, formalmente, en 1982 con el estreno de «Blade Runner». «Llevo escribiendo y vendiendo obras de ciencia ficción desde hace 30 años, y este es por tanto un tema de cierta importancia para mí. Con toda franqueza debo decir que nuestro campo se ha ido lenta y gradualmente deteriorando durante los últimos años. No hemos hecho nada, individual o colectivamente, que pueda igualar a ‘Blade Runner’. Esto no es escapismo; es súper realismo, por lo crudo, detallado, auténtico y convincente que es, tras el fragmento que vi ahora encuentro que mi realidad palidece en comparación. A lo que me refiero es a que todos vosotros podéis haber creado, de forma colectiva, una nueva forma de expresión gráfica y artística, nunca vista hasta ahora. Y creo que ‘Blade Runner’ va a revolucionar nuestro concepto de lo que es la ciencia ficción, y aún más, de lo que puede ser». Así describía el escritor a la película que adaptaba su novela «¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?», una película dirigida por una persona que aseguraba no haber sido capaz de leer el texto original.

La película de Ridley Scott le dio más de un quebradero de cabeza. No solo porque al director le importase más bien poco la novela en la que se basaba («¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?»), también porque habían intentado en repetidas ocasiones hacer desaparecer el libro. El guion se había ido alejando progresivamente de la novela. Así que la productora le hizo una oferta: escribir una novelización de la película, más orientada al público adolescente que gastaba dinero en cualquier producto que tuviera que ver con «Star Wars», y prohibir la publicación de la obra original, que se había escrito 15 años antes. A cambio, ganaría lo mismo que había ganado en sus casi treinta años previos de carrera, unos 400.000 dólares (332.400 euros).

Menos mal que no fue así ya que «¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?» se valora hoy en día como uno de los principales libros de uno de los principales escritores de la segunda mitad del siglo XX. Y eso que en las do primeras décadas de su carrera estaba considerado muy por debajo de escritores como Isaac Asimov o Robert Heinlein; incluso por detrás de Fritz Leiber o Theodore Sturgeon. Son muchos los que aseguran que ese cambio se debe al ritmo continuo al que se producen las versiones para el cine de sus textos, incentivadas a partir del culto en torno a «Blade Runner».

La película de Ridley Scott es solo uno de una larga lista de títulos reconocidos, una tira más larga aún si enumerados a las copias no declaradas. Eso sí, rara vez se mantenían fieles a la original. «Desafío Total» (1990) fue una transformación superficial a la par que entretenida del relato breve «Usted lo recordará perfectamente» –y contaba con Arnold Schwarzenegger como protagonista–. Esta adaptación cinematográfica tuvo mejor fortuna que el remake que Len Wiseman haría en 2012 con Colin Farrell como cara visible. «Asesinos cibernéticos» (1995) tuvo como base otro relato corto: «La segunda variedad». «Minority Report» (2002), basada en una novela con el mismo título, corrió algo más de fortuna en cuanto a cartelera gracias a que Spielberg prefirió convertirla en una oportunidad para que el entonces taquillero Tom Cruise se luciera. «Paycheck» (2003), con John Woo como director, siguió sus pasos, pero optó por otra cara conocida de Hollywood: Ben Affleck, quien tuvo que soportar que la calificaran como su peor actuación. El filme que más fiel ha sido al texto podemos decir que ha sido «Una mirada a la oscuridad» (2006), protagonizada por Keanu Reeves. Y eso que ahora Amazon asegura que ese puesto se lo debe llevar su ficción «Philip K. Dick’s Electric Dreams» o, si me apuran, «The Man in the High Castle», también de la plataforma.

[La esencia de Philip K. Dick que no se deja arrastrar por la acción o los efectos especiales]

Philip K. Dick

Para entender el universo de Philip K. Dick primero hay que conocer su historia. Peculiar desde el nacimiento. Él y su hermana melliza nacieron el 16 de diciembre de 1928, pero ella murió a los cuarenta días tras sucumbir a los cuidados de su madre. Este hecho persiguió al escritor de por vida. De hecho, aseguraría en más de una ocasión que mantenía el contacto con ella, que le había dicho que era lesbiana. Su propia madre le diría en más de una ocasión que era él quien debería haber muerto. No es de extrañar que Dick dijese tras el fallecimiento de su propia madre que había sido «una presencia maligna» en su vida, dolido porque se casara con el hermano de su padre. Con su progenitor no tendría más contacto que el esporádico. Le retiró la palabra en 1945 tras defender el uso de armas nucleares contra Japón.

Desde pequeño mostró una inteligencia por encima de la media. Una que le permitió apreciar el género con apenas doce años. Fue entonces cuando se compró su primera revista y cuando quedó enganchado, especialmente a las «delicias prohibidas de A. E. Van Vogt», según Brian Aldiss, otro de los grandes escritores del género. Esa inteligencia vino ligada a la agorafobia, patología por la que comenzó a consumir fármacos desde su adolescencia. Esa patología le obligó a cursar el último año de instituto en casa e hizo que apenas soportara dos meses en la universidad. Fue entonces cuando comenzó a trabajar en una tienda de discos antes de empezar la larga lista de pequeños trabajos como escritor con los que haría lo imposible para ganarse la vida. El cambio hacia la escritura lo dio gracias a Anthony Boucher, un escritor de ciencia ficción y novela policiaca que dirigía, entonces, la revista «The Magazine of Fantasy and Science Fiction».

Su nivel de producción era envidiable. Llegó a publicar sesenta relatos en apenas dos años (1952-1954). Sin embargo, la retribución económica no le permitía pagar las facturas. Ni siquiera cuando comenzó a escribir novelas podía hacer frente a los gastos del hogar que compartía con su segunda mujer. Sí, segunda. Philip K. Dick llegó a casarse hasta en cinco ocasiones. A cada cual, con un final más retorcido. Pero fue con ella cuando comenzó a consumir anfetaminas, recetadas por su suegro para calmar su ansiedad causada por la necesidad de cumplir los plazos. Escribía con prisas, y pocas veces corregía como debería. «Mis relatos… cuando los releo, me horrorizan. Son realmente malos. Y no solo malos, sino increíblemente convencionales», dijo el propio escritor tal y como recoge «Philip K. Dick: In His Own Words».

Aquel enloquecido sistema de trabajo, a base de sustancias químicas entre las que también estaban el LSD y el speed, hizo de sus novelas y relatos algo desordenado, retorcido y difíciles de entender. Pero no fue la única consecuencia. También le produjo una esquizofrenia paranoide que se manifestó en sus últimos años de vida. El primero de los ataques (que terminarían con su vida ocho años después) llegó en forma de un episodio místico, según el propio Dick. Ocurrió un 22 de febrero cuando, tras ir al dentista para que le quitaran una muela del juicio, le llevaron a casa pentotal sódico contra el dolor. Fue una chica con un colgante con el símbolo de pez de los cristianos primitivos. Fue al ver el accesorio cuando el escritor asegura que experimentó una anamnesis. Según Platón, era la capacidad de recuperar los recuerdos olvidados tras entrar en un nuevo cuerpo. Dick sintió que su entorno desaparecía para encontrarse en Roma en el siglo I; exactamente en el cuerpo de Tomás, un discípulo de Jesús. Pero esto no fue todo. El colgante tenía un mensaje para él: el Imperio romano no había terminado, solo se había encarnado de distintas formas hasta llegar a la Unión Soviética o al propio Richard Nixon
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Muere Hugh Wilson, creador de la popular «Loca Academia de Policía» y «Buscando a Eva»

Hugh Wilson, director y guionista de la primera entrega de la popular saga de comedia «Loca academia de polícia», ha fallecido a los 74 años. El escritor y cineasta, creador también de series como «El local de Frank» o «Radio Cincinnati», murió el pasado fin de semana en en su domicilio de Charlottesville, Virginia, según informan diversos medios locales.

Wilson fue guionista de sitcoms como «El show de Bob Newhart» o «Las tribulaciones del Juez Franklin» y ganó un Emmy a la mejor comedia en 1988 por «El local de Frank», una serie ambientada en un restaurante en Nueva Orleans. Un premio al que también estuvo nominado por sus trabajos en «El famoso Teddy Z» y «Radio Cincinnati», su otro gran éxito en la pequeña pantalla protagonizado por un variopinto grupo de personajes en una destartalada estación de radio de Cincinnati. Recibió en dos ocasiones el Premio Humanitas, otorgado a aquellos creadores de cine y televisión que promueven el significado y la dignidad humana.

Loca academia de policía

Pero sin duda alguna su trabajo más recordado es la primera entrega de «Loca academia de policía», la disparatada comedia estrenada en 1984 sobre unos peculiares cadetes aspirantes a agentes de Policía. Su gran éxito de público, especialmente en el circuito de vídeo doméstico, motivó hasta siete secuelas -la última estrenada en 1994- y dos series de televisión, una de animación de 1988 y otra de acción real producida en 1998, con los alocados agentes como protagonistas.

El otro gran éxito Wilson en la gran pantalla fue «El club de las primeras esposas» (1996), una comedia protagonizada por Goldie Hawn, Bette Midler, Diane Keaton y Sarah Jessica Parker. También dirigió a Shirley MacLaine y Nicolas Cage en «Tess y su guardaespaldas» (1994) y a Brendan Fraser Alicia Silverstone y Sissy Spacek en «Buscando a Eva» (1999). Su último trabajo como director fue en la película deportiva de 2004 «Mickey», protagonizada por Harry Connick Jr
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«Renunciar a Woody Allen es injusto y triste»

El actor estadounidense Alec Baldwin ha señalado, como reporta la agencia EFE, que «renunciar» a Woody Allen, como han hecho recientemente Rebecca Hall y Timothée Chalamet al donar los sueldos que cobraron por trabajar con él, es «injusto y triste».

El intérprete criticó que resurjan las acusaciones de abuso sexual contra el artista neoyorquino y señaló que ese tipo de alegaciones «deberían ser tratadas con cuidado».

Chalamet y Hall han decidido donar el salario recibido por su participación en «A Rainy Day in New York», la última película de Woody Allen y que se estrenará próximamente, para ayudar a «acabar con la injusticia, la desigualdad y, sobre todo, el silencio».

Alec Baldwin

El primero de ellos, de 22 años, anunció en su cuenta de Instagram que donará el dinero al fondo de defensa legal «Time is Up», movimiento contra el acoso sexual creado por centenares de actrices y productoras de Hollywood, al Centro LGTB de Nueva York y a RAINN (Red Nacional de Violación, Abuso e Incesto). Fichó por Woody Allen al tiempo en que destacó en «Llámame por tu nombre», que llegará próximamente a los cines españoles.

Dylan Farrow, hija de Woody Allen y Mia Farrow, ha acusado en los últimos años al realizador de haberla sometido a abusos sexuales cuando era niña. Al respecto de ello, ha opinado Baldwin. «Woody Allen fue investigado por dos estados y no se presentaron cargos. Renunciar a él y a su trabajo, sin duda, tiene un propósito. Pero me parece injusto y triste. He trabajado con él en tres ocasiones y fue uno de los privilegios de mi carrera. ¿Es posible apoyar a los supervivientes de la pedofilia y de abusos y acosos sexuales y, al mismo tiempo, creer que Woody Allen es inocente? Así lo creo», agregó.

«La intención no es ignorar o rechazar esas quejas. Pero acusar a la gente de esos crímenes debería de tratarse con cuidado. En nombre de las víctimas, también», opinó el actor.

La carta de Mira Sorvino
En la línea de Chalamet y Hall, la actriz Mira Sorvino publicó hace unos días una carta dirigida a Dylan Farrow en la que dejaba latente su arrepentimiento tras haber trabajado con Woody Allen, a pesar de que bajo sus órdenes ganó, en 1996, el Oscar a Mejor Actriz de Reparto por «Poderosa Afrodita».

«No me puedo imaginar cómo te has sentido todos estos años viendo cómo todos, incluyéndome a mí y a incontables personalidades de Hollywood, alababan una y otra vez a quien habías acusado por haberte hecho tanto daño cuando eras una niña», escribió Sorvino en la citada misiva: «Has dicho la verdad todo este tiempo y se me rompe el corazón por no haberte creído. Lo siento mucho».

Farrow agradeció públicamente las palabras de Sorvino. «Estoy abrumada y no tengo palabras suficientes para expresarte mi agradecimiento», escribió en su perfil de Twitter. Otras actrices, como Reese Witherspoon o Jessica Chastain, han mostrado su apoyo a Farrow. «Te creo, Dylan», publicó la primera en Twitter. «Todos te creemos», dijo la segunda
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Un nuevo escándalo sexual sacude Hollywood y al «otro» Schwarzenegger

Desde hace ya unos cuantos meses, la industria de Hollywood no puede respirar tranquila. Los casos de presuntos escándalos sexuales están a la orden del día y el último lo ha destapado la actriz Eliza Dushku, que ha desvelado que Joel Kramer, uno de los dobles de referencia del cine a nivel mundial y coordinador de especialistas en varias películas, abusó de ella durante el rodaje de «Mentiras arriesgadas», cuando solo tenía doce años.

La película, dirigida por James Cameron, fue estrenada en 1994 —hace 24 años— aunque no ha sido hasta ahora cuando Dushku ha denunciado los presuntos sucesos. En el filme, interpretaba a Dana, la hija del matrimonio protagonista, Harry y Helen Tasker, a quienes a su vez dieron vida Arnold Schwarzenegger y Jamie Lee Curtis. Por su parte, Kramer era el coordinador de dobles de la cinta, aunque hasta entonces había hecho de Schwarzenegger en las escenas de acción en varios largometrajes, como «Poli de guardería», «Depredador» o «Los gemelos golpean dos veces».

Eliza Dushku

Ha sido a través de un mensaje en su Facebook personal donde la actriz ha denunciado los abusos. «Cuando tenía doce años y estaba rodando “Mentiras arriesgadas”, sufrí un abuso sexual por parte de Joel Kramer, uno de los jefes de especialistas más importantes de Hollywood», comienza el alegato, en el que Dushku «agradece a las mujeres y hombres» que han denunciado casos de este estilo antes que ella, pues le han dado «el coraje y la fortaleza» para denunciar lo que a ella le sucedió.

«Lo recuerdo con toda claridad, a pesar de que han pasado 25 años. Cómo Joel Kramer me hizo sentir especial, se ganó mi confianza y la de mis padres… y cómo me convenció para ir a su habitación del hotel en el que él estaba alojado (durante el rodaje de la película) en Miami, prometiéndole a mi padre que iríamos a una fiesta en la piscina junto al resto de especialistas y que después comeríamos sushi todos juntos», relata la actriz, en alusión al instante en que accedió a las pretensiones del especialista, que entonces tenía 36 años, 24 más que ella.

«No vas a dormirte ahora, pequeña»
Sin embargo, no fue eso cuando se encontró a llegar a su habitación. «Me acuerdo totalmente de cómo, de repente, comenzó a hacer que descendiera la luz del cuarto hasta que se apagó del todo. También de cómo hizo descender la temperatura del aire acondicionado hasta casi congelarme, de la cama en la que me puso y hasta de la película que estaban echando en la televisión», señala, antes de detallar el incidente. «Se metió dentro del baño y después apareció desnudo, con solo una toalla. Me acuerdo de que yo llevaba mi ropa interior favorita, que afortunadamente me hizo sentir algo más segura», señala. «Me tumbó en la cama, me rodeó con su gigantesco cuerpo y se empezó a frotar con el mío mientras decía: “No vas a dormirte ahora, pequeña. Deja de aparentar que estás dormida”».

Como cuenta Dushku, Kramer «comenzó a frotarse con más fuerza y más rápido» contra su «pequeño cuerpo». La actriz prosigue: «Cuando él “terminó”, me comentó: “Creo que tendríamos que tener cuidado con hablar de esto”. Yo tenía doce años. Él, 36». A partir de entonces, la actriz vivió todo un calvario en el rodaje. «Su actitud hacia mí se enfrió en las siguientes semanas y todo era diferente. Poco después, hablé sobre lo que me había pasado con una amiga mía adulta (también presente en la película), que se enfrentó a él por lo que me había hecho… y justo el día en que lo hizo, me lesioné en el rodaje por un contratiempo en una escena y me fracturé varias costillas. ¡Qué casualidad!», comenta. «Ni mis padres, ni yo, ni amigos adultos en quién confié, ni mi hermano mayor, a quiénes se lo conté, sabíamos cómo actuar frente a este tema, todo un tabú».

Desde ese instante, la intérprete comenzó a pasar miedo a diario. «Realmente, y durante los siguientes meses, Joel Kramer era el responsable de mi seguridad en una película con muchos riesgos. A diario, me rodeaba de cables y arneses para rodar escenas. Mi vida estaba, literalmente en sus manos. Me colgaba del aire, desde una grúa, en lo alto de una torre de oficinas… y así con veinticinco ejemplos más, recalca, antes de apuntar la mayor de las ironías. «Se suponía que debía protegerme… ¡pero abusó de mí!».

La «sorpresa» de Schwarzenegger, Jamie Lee Curtis y Cameron
La denuncia de Dushku, conocida también por interpretar a Faith en la serie «Buffy Cazavampiros», ha sido muy aplaudida tanto por el público como por la propia industria de Hollywood. Jamie Lee Curtis y Arnold Schwarzenegger, sus padres en «Mentiras arriesgadas», han salido en su apoyo. «Me lo contó hace algunos años en privado y me sorprendí y entristecí tanto como lo estoy ahora. Lo peor de todo, es que ese hombre estaba al cargo de nuestras vidas. Hay que proteger a los actores más jóvenes y todo debemos adquirir más responsabilidad ante este abuso de niños», relata la primera en una columna en «The Huffington Post», con el que colabora.

Schwarzenegger, por su parte, ha asegurado en su Twitter personal que desconocía competamente lo sucedido entre la actriz y su doble. «Estoy en ‘shock’ y muy triste por Eliza, pero también muy orgulloso de ella. Más allá de tener un gran talento y de ser una mujer increíble, es muy valiente», aseveró el actor. «Os prometo que, de haberlo sabido, James Cameron, Schwarzenegger, Jamie Lee Curtis y yo habríamos hecho algo», señaló por su parte Tom Arnold, actor que también aparecía en el filme. «Puedes apostarte el culo a que hubiera sido así», le responde Schwarzenegger. «De haberlo sabido, no hubiéramos tenido piedad con él», opina por su parte James Cameron.

Tom, you bet your ass all of us would have done something. I’m shocked and saddened for Eliza but I am also proud of her – beyond being a great talent and an amazing woman, she is so courageous. https://t.co/EJJbkdior2— Arnold (@Schwarzenegger)

16 de enero de 2018Dos denuncias más
La denuncia de Dushku ha abierto la veda. Como publica «Deadline», otras dos mujeres también fueron víctimas de abusos por parte de Kramer. Una de ellas tres años después de «Mentiras arriesgadas», durante el rodaje de «Virus» en 1997, aunque no fue hasta dos años más tarde cuando se estrenó el filme. Su caso, sin embargo, no lo ha destapado ella, sino la escritora y actriz Laura Albert, que trabajó como doble tanto en «Mentiras arriesgadas» como en «Virus».

Presuntamente, Kramer abusó de una amiga de su hermana siguiendo un procedimiento similar al que usó con Dushku. «Un día llevé a mi hermana y a una amiga suya a un rodaje. Ellas estaban en décimo curso, tenían 16 años y Kramer les invitó al hotel. Entonces, en la piscina, se sacó el pene y les dijo: “¡No podéis con esto!”. Mi hermana salió corriendo, pero dejó atrás a su amiga, de lo que todavía se arrepiente. Kramer, que entonces tenía 39 años, abusó de ella, como la niña me contó entre lágrimas», cuenta Albert.

Aunque varios años antes, el especialista ya habría perpetrado, al menos, un primer abuso, «a finales de los setenta o principios de los noventa», como contó otra doble a «Deadline», en una noche en que Kramer y el resto del equipo que trabajaban conjuntamente en una película fueron «a tomar una copa». «Decidimos ir a otro sitio todos juntos y yo fui con Joel Kramer. Cuando me metí en su coche, en lugar de ir donde íbamos a ir, me llevó a unas colinas y apagó el motor. Se desabrochó los pantalones, se sacó el pene, me agarró de la cabeza y me lo metió en la boca», cuenta la intérprete, que prefiere permanecer en el anonimato y que asegura que nunca contó nada a nadie al sentirse «atemorizada, asustada y avergonzada».

La versión de Kramer
Kramer, por su parte, ha negado todos los cargos. Como cuenta la «CNN», el especialista considera las declaraciones de Dushku como «totalmente falsas» y asegura que la actriz «siempre fue tratada y protegida como miembro de su familia» durante el tiempo en que filmaron «Mentiras arriesgadas». «Desconozco lo que le habrá llevado a hacer esas declaraciones y espero que pueda corregir esa injusticia y devolverme mi buen nombre», afirma, en declaraciones al citado medio.

Por otro lado, la Worldwide Production Agency (WPA), compañía de referencia en materia de gestión de especialistas y dobles de riesgo, ha declarado también a la «CNN» que escogió en su momento «separarse de Kramer sobre la base de los alegatos de mala conducta sobre los que ahora se informan», relata en base al que consideran un «comportamiento inaceptable».

El tiempo dirá si las tres denuncias recientes pesan sobre el nombre de Kramer, uno de los especialistas de referencia en Hollywood y que ha trabajado en más de cien largometrajes. Más allá de hacer de doble de Schwarzenegger en siete películas, en los últimos dos años ha trabajado como coordinador de dobles en filmes como «Blade Runner 2049», «Terminator: Génesis» o en toda la saga de «Expediente Warren». Además, en ese tiempo ha hecho de doble en la séptima entrega de «Fast & Furious» o en la exitosa serie de HBO «Westworld&raquo
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Descubre la sinopsis oficial de la película de Han Solo, el canalla más querido de la galaxia

Queda nada para que llegue el segundo spin-off de la saga galáctica tras «Rogue One». El filme protagonizado por el legendario contrabandista «Han Solo: una historia de Star Wars» llegará a las salas de cine el próximo 25 de mayo. Harrison Ford le da el testigo a Alden Ehrenreich para que interprete a una versión más joven del personaje.

«Sube a bordo del Halcón Milenario y viaja a una galaxia muy, muy lejana en ‘Han Solo: Una historia de Star Wars’, una aventura completamente nuevo con el canalla más querido de la galaxia. A través de una serie de atrevidas escapadas en un oscuro y peligroso submundo criminal, Han Solo conocerá a su poderoso y futuro copiloto Chewbacca y se topará con el célebre jugador Lando Calrissian en una aventura que marcará el camino de uno de los héroes más improbables de la saga Star Wars». Así dice la primera sinopsis oficial del «spin-off».

Tras la salida de Phil Lord y Christopher Miller, ambos abandonaron el proyecto en pleno rodaje por diferencias creativas con Disney, finalmente la dirige Ron Howard. El responsable de títulos como «El código Da Vinci», «Una mente maravillosa» o «Willow» se pone al frente de la película que se situará entre la primera trilogía y las precuelas. Además de Ehrenreich como protagonista, también están en el proyecto Daniel Glover, que da vida al joven Lando Calrissian, Woody Harrelson, que será el mentor de Solo, y Emilia Clarke como Kira. Completan el reparto Thandie Newton, Warwick Davis o Paul Bettany
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«Chiquitofest»: El festival de cine cutre Cutrecon rendirá tributo a Chiquito de la Calzada

Veinte de las peores películas de la historia del cine podrán verse entre el 24 y el 28 de enero en la séptima edición del Festival Internacional de Cine Cutre Cutrecon, que incluirá un tributo al humorista recientemente fallecido Chiquito de la Calzada. El festival, cuya programación se ha presentado hoy en rueda de prensa, invita a los espectadores durante cinco días a «viajar por los confines del peor cine del espacio y a conocer a delirantes seres de otros mundos procedentes de los rincones más lejanos del universo cinematográfico conocido».

Las proyecciones, unas gratuitas y otras de pago, se reparten en seis sedes: el Palacio de la Prensa, el Cine Doré, el auditorio del Centro Cultural de la Casa del Reloj de Matadero Madrid y los Cines Conde Duque Verdi Alberto Aguilera.

El homenaje a Chiquito de la Calzada, «Chiquitofest», tendrá lugar el primer día, el miércoles 24, con la proyección de «Brácula, Condemor II»
en formato «fistrovisión», que incluye un espectáculo previo a cargo de varios cómicos y una exposición en torno a la figura del humorista malagueño.

Al día siguiente, en la misma sede, el Palacio de la Prensa, podrán verse «Star Crash, choque de galaxias», la versión italiana de «Star Wars» y «El desafío de Hércules», una «loca» revisión del mito griego en la que Hércules viene del espacio y lucha contra robots y monstruos gigantes, ambas dirigidas por Luigi Cozzi, que asistirá a la proyección. Además, el director italiano recibirá al día siguiente el premio Jess Franco por toda una carrera dedicada al cine fantástico, y se proyectará un documental sobre su figura.

El sábado 27 en el auditorio Conde Duque habrá un maratón de seis películas, como «Super Mario contra Son Goku», «Superman turco», con la presencia de su director, Kunt Tulgar, y «Geteven», cinta de acción protagonizada por un abogado que quería ser el nuevo Schwarzenegger y se produjo un filme de su propio bolsillo. El domingo estará dedicado a documentales en torno al cine cutre, con la sesión «Documentrash» y la despedida correrá a cargo de la «Etetón», otra maratón, en este caso de cuatro películas como «Alienator» o el «E.T. filipino», que prefiere rezar el rosario a llamar por teléfono a su casa
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Brigitte Bardot llama «hipócritas» a las actrices: «Calientan a los productores para tener un papel»

Brigitte Bardot considera que la mayor parte de las denuncias de acoso sexual en el cine que se han conocido en los últimos meses son «casos hipócritas» y afirma que muchas intérpretes «calientan a los productores para tener un papel».

En una entrevista con la revista «Paris Match», la que fuera actriz y mito erótico de los años 60 indicó que toda la polémica provocada por los abusos a actrices «ocupa el lugar de temas importantes sobre los que habría que debatir».

«Yo nunca he sido víctima de acoso sexual. Y me parecía encantador que me dijeran que era guapa o que tenía un buen culito. Este tipo de piropo es agradable», señaló.

Bardot, que está retirada desde hace años del cine y se dedica a la defensa de los animales, acusó a actrices de calentar a productores para tener papeles. «Después -añadió-, para que se hable de ellas, cuentan que han sido objeto de abusos».

«En realidad, más que beneficiarles eso les perjudica», indicó Bardot
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Así es la película sobre los orígenes de Voldemort creada por fans (y que ya puedes ver gratis)

Cuando hacen una promesa, hay que cumplirla. Eso han hecho Gianmaría Pezzato y su equipo. «Voldemort: Origins of the Heir (Voldemort: El origen del heredero)», la película creada por fans basada en los orígenes del innombrable, ya está disponible en YouTube y ¡gratis! Eso sí, está en inglés, pero tiene subtítulos en español.

«Voldemort: Origins of the Heir» es una fantástica forma del abordar la historia de uno de los villanos más importantes. El filme de Gianmaria Pezzato muestra en apenas 52 minutos cómo el alumno de Hogwarts y de Slytherin Tom Sorvolo Ryddle –Tom Marvolo Riddle en la versión original–se adentra en el siniestro mundo de la magia oscura. Sí, es otra historia que enfrenta el bien y el mal, pero ¡ojo! Que el final merece la pena. Será Grisha Mc Laggen, la heredera de Godric Gryffindor, uno de los fundadores de Hogwarts, quien busque a Tom Marvolo Riddle al creer que está involucrado en la muerte de la bruja Hepzibah Smith. Mc Laggen tiene un objetivo: salvar a toda costa a Riddle del lado oscuro.

Tras varios meses de trabajo y con apenas 15.000 euros de presupuesto, el resultado es cuanto menos reseñable, tanto si pensamos en el presupuesto como en el hecho de que ha sido creada por fans. El estudio hizo sus propios efectos visuales y creo el vestuario y el sets de rodaje necesario, además de encontrar a los actores (quienes también son fans de Harry Potter).

Los creadores de este proyecto, que nació en 2015, iniciaron una campaña de recaudación en Kickstarter con el objetivo de obtener el dinero necesario para poder llevar a cabo la película. Sin embargo, tras más de 33 millones de reproducciones, el tráiler fue retirado. Warner Bros había iniciado una disputa por los derechos de copyright de la cinta, lo que supondría también la cancelación de la campaña de recaudación y la consiguiente grabación.

Por suerte para los fans de la saga de Harry Potter, llegaron a un acuerdo con la productora para poder desarrollar este proyecto: «Hemos mantenido una conversación privada y confidencial con Warner Bros, después de que nos contactaran durante la campaña de búsqueda de financiación por crowdfunding. Lo único que podemos decir es que nos dejan seguir adelante con la película, siempre que sea sin ánimo de lucro». Por eso está disponible en YouTube de forma gratuita. Como os imagináis, también tenían que dejar bien claro que la historia no estaba relacionada con el estudio ni con la obra de J.K. Rowling
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«Las escenas de sexo son tremendas porque la exposición es doble: el desnudo y la del alma»

Me estás matando Susana

La película «Casablanca» hablaba de cómo sacrificar a alguien que quieres, por su bien; «Olvídate de mí», del poder de la memoria; «Los puentes de Madison», de reecontrarse con una pasión perdida. El cine ha tratado el amor de mil formas diferentes, unas más crudas, otras puras utopías. «Me estás matando, Susana», de Roberto Schneider, se baja a la tierra para encarar las dificultades de una relación tóxica, porque en la vida «no todo es blanco o negro».

La española Verónica Echegui da vida al nombre del título, pero es ella la que siente que la atan. Ella y Eligio (Gael García Bernal) «no saben cómo salir de una relación codependiente. Y aunque se quieren, además de amor hay mucho enganche, mucha toxicidad, y no saben enfrentar los problemas reales».

Más que una historia de amor, este filme es el retrato de una persecución, de una necesidad que acucia pero se escapa. Susana se termina yendo de un día para otro a EE.UU., descolocando a su marido, que entre inidelidad e infidelidad creía tenerlo todo controlado. Ante la pérdida, reacciona de forma impulsiva. La busca, y termina encontrándola. «Más que comedia romántica creo que es una tragedia cómica. No es una apología del amor romántico, aunque lo pueda parecer», explica Echegui en una entrevista a ABC.

Atraída por proyectos con «cierto misterio», la actriz española, «visceral», necesita ponerse nerviosa o tener miedo para saber qué le gusta. «Si me impone es que me atrae, porque significa que dudo, que no sé si voy a saber hacerlo», cuenta. Quizás por eso, dispuesta a los retos, la protagonista de «Yo soy Juani» no tuvo problema en hacer frente a una complicada escena de sexo, donde «la exposición más real, la del alma, de abrirte a alguien, era tremenda, por lo que la exhibición era doble». Y por eso también encajó con su compañero de reparto, el ganador del Globo de Oro por «Mozart in the Jungle», un tipo «sin filtros ni tapujos» cuya cercanía mejora el trabajo: «Va muy bien para profundizar en las cosas tener transparencia», asegura la protagonista.

Mientras desenrrolla el engranaje de esta obsesiva historia de amor, «Me estás matando, Susana» aprovecha para soltar migajas en el camino, parches que tapaban el goteo de una relación que necesitaba perderse para encontrarse. «Él es mucho más invasivo, impone, hace y deshace como le da la gana pero luego pretende que ella no lo haga, lo cual es machista hasta la médula. Ella, en cambio, no sabe poner límites, se escapa porque no quiere confrontar porque le da miedo perderle. Y aunque está hasta las narices en muchas cosas, prefiere seguir así a ponerle un fin o cambiarlo y pasar a otra cosa», reflexiona Echegui.

A pesar del tono y estética indie de la cinta, el final es de pura comedia romántica. Pese a la toxicidad, el final del metraje les da una oportunidad de ser felices juntos. «Yo si tengo un problema o me siento en una situación similar a la de ella no puedo continuar, me pongo enferma. Necesito parar, hablar, ubicar las cosas. Pero porque tengo más conciencia. Aun así he estado en esas y entiendo lo que se siente cuando alguien no puede enfrentar un problema por perder a la otra persona, creo que no es algo que nos quede lejos».

Como decía Joaquín Sabina, «amar se llama el juego en el que un par de lcoos juegan a hacerse daño&raquo
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El piropo de Lydia Valentín a Pablo Motos

El hormiguero 3.0

La campeona del mundo, campeona olímpica y tres veces campeona de Europa de halterofilia, Lydia Valentín, visita el plató de «El Hormiguero» apenas unas horas después de recibir la medalla de plata que consiguió en los Juegos Olímpicos de Pekín 2008. Lo hace casi diez años después gracias a la «justicia deportiva», o así lo calificó la atleta. Lydia Valentín finalizó en quinto lugar en los Juegos de Pekín, pero la campeona, la china Cao Lei, la entonces medallista de bronce, la rusa Nadezhda Evstyukhina, y la cuarta, la bielorrusa Iryna Kulesha, han sido descalificadas por dopaje.

«Es penoso porque hay que respetar los valores del deporte. Se tiene que ganar con horas y horas de trabajo y no con atajos. La gente se sorprende con lo que yo hago, con ganar limpiamente», dice. «Hay dos tipos de halterofilia: la

oscura, en la que todo vale, y la de verdad, la que la gente disfruta. No considero que sea deporte, es un show. Para mí no son deportistas», añade.

Para empezar Lydia Valentín y Pablo Motos han confesado que han compartido un momento íntimo antes del programa «haciendo sentadillas». «Se nota que vas al gimnasio», le dice Valentín al presentador de «El Hormiguero». «Parece que tú también vas al gimnasio», le responde entre risas Pablo a Lydia Valentín. Y es que la deportista tiene seis horas de entrenamiento diario. Pero Valentín no ha visitado a Pablo Motos por ello. La deportista leonesa ha ido para contar qué se siente al ser la primera española de su disciplina en ganar una medalla de oro en un mundial absoluto, tanto en categoría masculina como femenina.

Valentín habló sobre su preparación, los éxitos de su carrera (el último: el reciente campeonato del mundo conseguido en Estados Unidos, el pasado mes de diciembre) y las anécdotas más divertidas que ha vivido a lo largo de su trayectoria como deportista de alto nivel. «Concentrada en lo que tengo que hacer: visualizar el gesto. Es un movimiento más que he entrenado». Justo antes de levantar el peso, pega un grito. «Es un grito de energía que significa ‘ya, Lydia, a darlo todo en esa tarima. Mañana ya es tarde’», confiesa.

La rutina de Lydia Valentín es más que exhaustiva. «Estás marcada por un objetivo. Si no lo haces, hay otras que sí lo están haciendo. Son esos pequeños detalles los que te separan de un oro o una plata», cuenta. Pero, según reflexiona Pablo Motos, a lo que no le da tiempo es a encontrar el amor. «Tengo unas prioridades que están fijadas hasta Tokyo 2020. Quedan dos años y, mientras tanto, todo lo demás puede esperar», sentencia
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Así será la gala final de «OT 2017»

Operación triunfo

La final de «OT 2017» está muy cerca. Apenas quedan tres semanas para que descubramos el nombre del ganador de la edición, pero ¿cómo se decidirá? La directora de la Academia, Noemí Galera, ya le ha contado a los concursantes cómo será el gran día. Lo ha hecho durante la sesión de repaso de la gala 11. Tras analizar las actuaciones de cada uno de los concursantes, Galera ha explicado quién decidirá y cómo a los finalistas y al ganador de «Operación Triunfo».

Miriam, Amaia, Aitana, Alfred y Ana Guerra o Agoney serán los protagonistas de la gran final. «Tenemos cinco finalistas. Cantaremos los cinco las canciones que hemos elegido nuevas», cuenta Noemí Galera. Será entonces cuando hagan el primer cierre de líneas. «En ese momento, los dos que tienen menos votos, desaparecen. Son el quinto y el cuarto», añade. Tras esto, se volverán a abrir las líneas telefónicas para que el público pueda elegir al ganador.

Los tres con más votos volverán a cantar sobre el escenario de «OT 2017», por última vez en esta edición. «Esas tres personas cantan la canción de la gala 0 de nuevo», relata la directora. Con esto, intetarán hacer ver al público la evolución que los concursantes han experimentado durante su estancia en la Academia. De ellos saldrá el nombre del ganador gracias, de nuevo, a los votos de los espectadores.

«Tenéis curro esta semana, pero no os valorar la semana que viene. Aprovechad el tiempo para darle un repaso a esa canción», les aconsejaba Galera. Con esta dinámica –que recuerda a las primeras ediciones del formato– cerrará las puertas de la Academia el próximo 5 de febrero.

Mecánica de la final: #OTDirecto16E pic.twitter.com/eZjc9ctYll— Lewis – Cepoi is back. (@thunderlouisx)

16 de enero de
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