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Mediaset descarta emitir el Mundial de baloncesto 2019 por la ausencia de los jugadores habituales

Tras la publicación oficial de la lista de jugadores españoles convocados a los partidos clasificatorios de la Copa del Mundo de Baloncesto FIBA 2019, donde están los principales rostros de la selección por sus compromisos con la NBA o la Euroliga, Mediaset, que compró los derechos de la competicion, ha anunciado que renuncia a emitir estos encuentros.

«El hecho de que la Selección Española no pueda contar con dichos jugadores como consecuencia de los compromisos que estos tienen con sus respectivos clubes pone en riesgo su clasificación para la fase final de la Copa del Mundo de Baloncesto FIBA 2019 y devalúa el carácter competitivo de estos partidos clasificatorios y el interés de los aficionados y telespectadores. En tales circunstancias, Mediaset España ha decidido no retransmitir dicha competición, cuyos derechos fueron adquiridos fundamentalmente por el atractivo de un combinado nacional avalado por los grandes éxitos deportivos cosechados en los últimos años», explica la cadena subrayando su «perplejidad» por la situación.

El grupo, además, se muestra sorprendida por el hecho de que la FIBA y la Euroliga no hayan podido llegar a un acuerdo para no solapar sus calendario. «Mediaset España no comprende cómo se ha llegado a esta inadmisible y de todo punto inaudita situación de la que son máximos responsables la FIBA, conocedora de los compromisos de los clubes en los que se integran los jugadores y sus competiciones ordinarias; la Euroliga, por solapar su calendario cuando FIBA ya había anunciado la fecha de sus ventanas y por su inflexibilidad ante los compromisos de las diferentes competiciones nacionales, entre ellas la española; y la Secretaría de Estado para el Deporte, por su tibieza en la aplicación de la Ley del Deporte 10/1990 de 15 de octubre, que en su artículo 47 dispone, sin paliativos, que es obligación de los deportistas asistir a las convocatorias de las selecciones deportivas nacionales para la participación en competiciones de carácter internacional o para la preparación de las mismas», concluyen
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«Informe semanal» se defiende de las críticas por usar la música de «El Exorcista» en un tema sobre Cataluña

Jenaro Castro, director y presentador de «Informe Semanal», aseguró en declaraciones a Europa Press que «no existió en absoluto mala intención» en el uso de la música «Tubular Bells» de Mike Oldfiel, popular gracias a la película «El Exorcista», para ambientar unas declaraciones del expresidente de la Generalitat de Cataluña Carles Puigdemont en un reportaje sobre la crisis catalana.

Informe Semanal

«Ese aspecto de los reportajes de ‘Informe Semanal’ corre a cargo de realización. El criterio de realización fue cubrir con música unas declaraciones radiofónicas sin imagen y con fotos. No existió en absoluto mala intención. En ese mismo reportaje y en otros once que hemos hecho sobre Cataluña desde la Diada han aparecido los postulados y políticos independentistas, incluido Puigdemont, sin ningún tipo de problema», subraya Castro, que insiste en que esta misma música se ha empleado en más de cien películas y multitud de espacios publicitarios.

En este sentido, el director del programa ha señalado que, a su juicio, «Tubular Bells» se asocia a «El exorcista», «si bien para la mayoría del público pasó inadvertido». «Es evidente que se ha agitado una campaña desde las redes sociales y otros medios con intención de desprestigiar a RTVE, que a mi juicio es la televisión pública más rigurosa, plural y libre que existe en España», ha remachado.

Discrepancias
«El Consejo de Informativos es útil en tanto en cuanto actúe con neutralidad. Lamentablemente algunos de sus miembros ahora y en otras ocasiones han emitido un juicio sobre Informe Semanal y otros programas informativos antes de escuchar a los responsables y sus trabajadores, contraviniendo el Estatuto de la Información. El CdI merece el mismo respeto que merecemos los que hacemos ‘Informe Semanal’ y el resto de informativos de TVE. Ni más ni menos», ha indicado en referencia a las críticas vertidas por este órgano.

Respecto a la longevidad del programa, emitido por primera vez en 1973, Castro considera que «el secreto es permanecer fiel a un formato de calidad, plural, riguroso y sincero». «A pesar de los ataques recibidos sistemáticamente tanto de forma externa como interna, ‘Informe Semanal’ compite en la difícil noche del sábado con consistencia y compromiso público», ha apostillado en declaraciones a la agencia, subyrando el récord del reportaje «Democracia, Ley y Orden», que congregó a un1,9 millones de espectadores y logró un 11,5% de cuota de pantalla.

Sobre cómo se dirige un programa como «Informe Semanal», Jenaro Castro ha aclarado que «con disciplina, con esfuerzo y con sufrimiento». «Se dirige gracias a un gran equipo de redacción, realización y producción. Se dirige con humildad, con resistencia y con voluntad de mejorar sábado a sábado. Y se dirige administrando talentos dispares que no siempre coinciden en la visión de la actualidad», concluye
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¿Cuántos abonados tienen Netflix y HBO?

Con un catálogo potente, bajos precios, flexibilidad en la contratación y un marketing salvaje, las nuevas plataformas de televisión por internet (Netflix, HBO, Amazon, Sky…) han logrado hacerse un hueco considerable en el audiovisual nacional: uno de cada cuatro hogares (unos 3,5 millones) disponen ya de estos servicios, según los datos publicados ayer por la Comisión Nacional de los Mercados y la Competencia (CNMC) correspondientes al primer semestre de 2017.

Tanto Movistar+ bajo demanda, como Netflix han duplicado su número de abonados en los últimos seis meses. La primera sigue siendo la plataforma líder, presente en más de dos millones de hogares (12,6%). Netflix ha superado ya la barrera del millón de usuarios con 1,163 millones de suscriptores, y está presente en un 7,3% de los hogares. HBO roza el medio millón (2,6%) y Amazon Prime Video ronda los 250.000 (1,1%), empatando con TotalChannel (1,2%) y superando a las españolas Wuaki (0,8%) y Filmin (0,1%). Además, el margen de crecimiento aún es amplio, ya que casi doce millones de hogares no disponen de estos servicios.

Este éxito ha golpeado a las plataformas digitales de las cadenas en abierto, que pierden seguidores, según la CNMC. RTVE.es fue consumida en el primer semestre de 2017 por el 33,3% de los individuos asiduos a la televisión a la carta, cifra que en los seis últimos meses de 2016 fue del 39,3%. Atresplayer ha marcado un 42,5% frente un 46,4% del semestre anterior, y Mitele (Mediaset) (29%) se ha dejado más de siete puntos.

El embate aún no ha sacudido a la televisión de pago tradicional, que gana abonados a un ritmo pausado pero sostenido desde 2013, superando ya los seis millones de clientes.

Una hora en el móvil
La fuga de espectadores tampoco debe ser preocupante para los operadores en abierto. Aunque el horario estelar ya no llegue a los cuatro millones que rozaban antaño los grandes éxitos, los españoles aún dedicamos algo más de tres horas de media diarias a consumir nuestras series y películas favoritas a través del televisor. Sobre todo los mayores de 65 años, que superan ampliamente la barrera de las cuatro horas de televisión por persona y día. El segundo dispositivo más empleado para ver contenidos audiovisuales es el teléfono móvil, con más de una hora de uso diario de media. Los jóvenes entre 16 y 34 años son los más proclives a consumir televisión a través de este aparato, al que dedican más de dos horas de media cada día. En tercer lugar se encuentra el ordenador, que usamos algo menos de una hora cada día.

En cuanto a las preferencias de consumo, la mayoría de los espectadores prefieren ver en directo los eventos deportivos (83%) y los informativos (74%). La mitad de los televidentes prefieren consumir las series (49%) y películas (47%) a la carta, cuándo y dónde deseen
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Lucía Gil arrasa con su imitación de Whitney Houston

Tu cara me suena

Reñidísima la gala de este viernes de Tu cara me suena. La abismal diferencia entre el pelotón y los tres o cuatro escapados, claros candidatos a ser los ganadores de esta temporada, va creciendo cada día. Unos pocos concursantes sorprenden semana tras semana con su afiladísimo talento musical y sus impecables interpretaciones. Fran Dieli, Diana Navarro y Lucía Gil fueron las estrellas de la octava gala del programa.

Fran Dieli lleva sorprendiendo desde el comienzo de la temporada, demostrando una enorme versatilidad y un fino olfato para la interpretación. Esta vez le había tocado en suerte una actuación que no era nada fácil: ni más ni menos que ponerse en la piel de Imperia Argentina para cantar «La Jota de los Dolores». Ni corto ni perezoso, se enfundó en su traje de zaragozana, con su pañuelo a la cabeza, y bailó jotas como si llevase toda la vida haciéndolo. Todos los miembros del jurado le pusieron un 12, excepto Llácer, que se quedó en el 11, la misma puntuación que le otorgó el público.

.@frandieli nos hace volver al pasado y se atreve con ‘Jota de la Dolores’ por Imperio Argentina https://t.co/V484CF1gnC #TCMS8— antena 3 (@antena3com)

17 de noviembre de 2017A la misma altura estuvo Lucía Gil, que había tenido la suerte de haber recibido una actuación en la que era fácil lucirse: Whitney Houston. Tras una semana de duro trabajo en los ensayos, Gil logró meterse totalmente en la piel de la cantante afroamericana. «Esta chica tiene que ganar ya una gala, ¿es que nadie lo entiende? Yo le voy a poner mi 12», anunció Llácer, que incluso se puso de pie encima de la mesa llevado por la emoción. El público, que es el factor con más peso para elegir al ganador, le dio su máxima puntuación a la malagueña, que acabo siendo la ganadora de la gala.

.@LuciaGil_Gil ha sentido ‘la llamada’ para meterse en la piel morena de Whitney Houston en #TCMS8 https://t.co/pkTGVIiLRg— antena 3 (@antena3com)

17 de noviembre de 2017Diana Navarro, aunque notablemente por debajo de sus dos compañeros, también nos hizo disfrutar con una gran imitación de Gloria Estefan. El tema elegido fue «Con los años que me quedan», y Navarro salió a escena perfectamente caracterizada como la cantante cubana. «Cantas tan bien, tan bien, que todo se para cuando cantas», la piropeó Llácer. Por su parte, Latre puso más énfasis en la parte dramática: «Estás muy bien caracterizada, pareces Gloria Estefan de verdad».

.@Diana_Navarro se mete en la piel de @GloriaEstefan para impresionarnos con ‘Con los años que me quedan’ https://t.co/Yygr0y1QIw #TCMS8— antena 3 (@antena3com)

17 de noviembre de
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James y Oliver Phelps (los gemelos Weasley): «Siempre quisimos conservar la varita»

Ya no lucen el cabello pelirrojo ni los colores de su casa de Hogwarts; no llevan varita ni vuelan en escoba y, aunque igual de sonrientes, son mucho más cautos de «muggles» que de magos. Fueron el alivio cómico de una saga cada vez más oscura, y sus bromas inacabables terminaron por escocer más cuando supimos de la muerte de uno de ellos. «Sí cambiaría el final», cuenta a ABC James Phelps, el malogrado Fred, que fallecía en pantalla. George (Oliver Phelps), que perdió un hermano y una oreja, cree en cambio que J. K. Rowling hizo un buen trabajo con el desenlace de sus personajes. «No sé cuál es la clave de su éxito pero creo que tiene que ver con que es para todo el mundo. Cualquier miembro de una familia tiene alguien con quien identificarse», asegura.

Ahora, los traviesos gemelos Weasley (James y Oliver Phelps) son también los «embajadores» de Harry Potter: The Exhibition que han venido a España para inaugurar este sábado la muestra y compartir con los «muggles» la magia de las películas, que ellos dominaban para divertirse: «Por eso hay tantas cajas protegiendo los objetos», bromean. «Es impresionante cómo funciona el cerebro. Cuando vi por primera vez en la exposición el libro de firmas del Ejército de Dumbledore, me vino el recuerdo del olor de la habitación donde rodamos esa escena», cuenta, nostálgico, James Phelps.

Pero su sempiterno sentido del humor, tan agradecido en los momentos más difíciles, no fue lo único que estos gemelos pelirrojos aportaron a la saga cinematográfica. Las orejas extensibles, los surtidos salta clases o las pociones de amor de los Sortilegios Weasley incentivaron las diabluras de los alumnos más pícaros de Hogwarts; un colegio del que salieron por todo lo alto, en sus escobas de Quidditch, con fuegos artificiales caseros y humillando a la «villana» señora Umbridge. Unidos al Ejército de Dumbledore, demostraron también su valentía, ingrediente sine qua non para formar parte de su casa, Gryffindor. Después de seis años alejados de los Weasley, y aunque uno de sus mejores recuerdos es de papel («el mapa del merodeador es muy importante para nuestros personajes y nos hace recordar esas escenas que comportimos solos con Harry, lo cual no era muy habitual», cuenta James), el único objeto que el gemelo más hablador querría llevarse a casa es su inseparable compañera de fatigas, además de su hermano: «Siempre quise conservar mi varita, porque es diferente para cada uno y le terminas cogiendo cariño. Al final, está dando la vuelta al mundo», comenta.

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Sus diez años en este universo, además de risas, les reportaron más de una lección. Crecer junto a maestros de la interpretación como Maggie Smith, Michael Gambon o el fallecido Alan Rickman les «intimidó» al principio, pero terminaron aprendiendo de cada detalle, atreviéndose hasta a pedir «consejos a los mejores»: «Ayuda tener una madre como Julie Walters (Molly Weasley en la ficción)», cuentan entre risas. «Además, yo era un chico tímido haciendo de alguien muy extrovertido, y eso me ayudó mucho en la vida», comenta James, que no se imaginaría presentando una exposición si no hubiese tenido la ayuda de su espontáneo Fred. Aun así, ambos reconocen que lo mejor del final de la saga, además de dejar de vivir en un hotel, fue «deshacerse del tinte pelirrojo».

Si alguien vuelve a intentar cambiar su color de pelo, que se ande con cuidado; ambos tienen claro el hechizo con el que contrarrestar esa idea, y hay que tener en cuenta que son expertos en pesadas bromas mágicas. Mientras que Oliver optaría por el «petrificus totalus», que deja inmóvil al contrario, James preferiría el «expelliarmus», que lo desarma
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Javier Gutiérrez: «Me cuesta creer que queden románticos en este negocio»

Javier Gutiérrez (Luanco, 1971) dice que quiere recuperar el espíritu de aquel joven que lo primero que hizo al llegar a Madrid fue ir al gallinero del teatro Español para ver «Las mocedades del Cid». Y lo dice en el mejor momento de su carrera, con un papel en «El autor» inabarcable, que el espectador llega a sentir y hasta a oler, repleto de matices; tan necio e insoportable como ingenuo e inocente. Un viaje que ha hecho de la mano de Manuel Martín Cuenca, al que se ha entregado a tal nivel que no tembló al desnudarse en cuerpo y alma. Todo sobre la mesa.

P – Da vida a una persona que antepone sus intereses personales a los del resto, que no duda en manipular y en engañar. ¿Interpretaba a un escritor o a algún político?

R – Me infunde más respeto un escritor que un político, pero mi personaje no dista de muchos ciudadanos de este país. Quitémonos la careta: vivimos en una sociedad muy hipócrita. Pocas veces somos sinceros y honestos. Vivimos aparentando y pendiente de lo que piensan de nosotros.

P – Dice Martín Cuenca que Álvaro, a quien da vida, es un necio que va de listo. ¿Vivimos rodeados de gente así?

R – Estamos rodeados de necios, sí. No sé si mi personaje va tan de listo. Creo que es honesto en lo que persigue. Sí que es maquiavélico y manipulador, pero hay honestidad en él. Hay rasgos de su personalidad que salvaría. No solo es un manipulador y un psicópata, que también, pero va más allá sin importarle quién va a leerle, si le van a editar, si va a vender libros… Es una buena lectura del mundo del arte de hoy, donde es más importante ser portada en una revista de moda que hacer una buena novela.

P – ¿Son más importantes hoy los «likes» que el trabajo real?

R – No lo sé, ese mundo me causa pudor. Soy ajeno al mundo de las redes, pero hoy te hacen entrar por la promoción, porque haces una película… No puedes vivir ajeno a esa realidad.

P – Un signo de nuestra sociedad…

R – Estamos muy idiotizados con llegar a trabajar con este director, con alcanzar un premio, con llegar a un número de espectadores… Tenemos que recuperar el romanticismo, trabajar por y para una idea y por ser un vehículo para el viaje de la película o de la obra de teatro. Me gustaría recuperar ese espíritu, que es con el que yo llegué a Madrid, aquél joven que lo primero que hizo fue ir al gallinero del teatro Español para ver «Las mocedades del Cid».

P – ¿Queda algo de él?

R – Sí, sigue quedando mucho de aquel Javier.

P – Dice que Álvaro es, pese a todo, íntegro y honesto y que no le importa más que convertirse en un escritor en mayúsculas. ¿Siguen quedando ese tipo de artistas?

R – Ya no existen. Álvaro es un romántico, un idealista. Me cuesta creer que queden románticos en este negocio. Y en la vida… Cada vez hay menos inocencia, menos ingenuidad. No sabemos si Álvaro tiene el talento para escribir una novela, pero no deja de escribir. Me identifico con él en las ganas y en la pureza de sentirse escritor. Y todo lo hace con ingenuidad.

P – ¿Javier Gutiérrez mantiene la ingenuidad?

R – Cada vez me cuesta más. Sí quiero creer que una película como esta interesa al público. Y soy ingenuo por ello…

P – ¿Se siente cercano al proceso de creación del escritor?

R – Los actores tenemos mucho que ver con los escritores. Una pulsión obsesiva, mucho trabajo de observación e imaginación… Son las grandes herramientas para los actores y los escritores.

La Pregunta

P – Hay dos escenas, dos desnudos explícitos, que llaman la atención. ¿Cree que pueden causar polémica?

R – Creo que son más importantes las secuencias del desnudo integral del alma que la del físico. Me parece que para el espectador son más interesantes los muchos volantazos de la trama, pero me parece que es chocante el desnudo porque retrata a gente normal: gente sobrada de peso, con estrías, celulitis.. Que es como es la vida, sin filtros, no como nos la venden en Hollywood, no es edulcorada. Y choca más eso. Creo que la cuestión de poner las pelotas encima de la mesa es coherente con el personaje. No sorprende viendo por dónde va la historia.

P – ¿Cómo la hicieron?

R – Fue muy a la española, serrando las patas para no ponerme de puntillas, muy de andar por casa…

El autor

P – ¿Teme que esa escena le eclipse todo su trabajo, que dentro de dos años solo se recuerde la película por esa escena?

R – No, porque si alguien que no la ha visto se entera de esa escena y alguien que la haya visto le explica el contexto, verá que tiene que ver con el viaje del personaje. Y ojalá que hablen de esta película en dos años…

P – Como actor, está acostumbrado a que le manipulen como su personaje manipula a los demás…

R – Los directores lo hacen, pero es diferente. Los actores somos un material frágil y altamente inflamable, muy expuestos al equipo; y el director puede manipular de una manera muy fácil.

P – ¿Usted ha manipulado para conseguir sus intereses?

R – Antes de llegar a ese extremo prefiero llegar a un consenso a través del díalogo. Soy más de dialogar. Entender qué es lo que quieren y cómo puedo ayudar. Si dialogáramos más no llegaríamos a los lugares tan disparatados como a los que estamos llegando en nuestro país
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El plantón de Chenoa a David Amor en el escenario de «Tu cara me suena»

Tu cara me suena

Tu cara me suena alcanza ya octava gala de la temporada en perfecto estado de forma, plenamente capaz de plantar cara La Voz, su enemigo a batir en la parrilla de la noche del viernes. Si el programa de Telecinco tiene a gala una mayor calidad en sus actuaciones, el espacio de Manel Fuentes presume de ser garantía de risas y diversión. La pugna ha sido tenaz, saliendo vencedora por lo general La Voz, aunque por pocas décimas en la cuota de share.

Los famosos que actúan en Tu cara me suena, la mayoría actores, no están necesariamente dotados de talento musical. Algunos, de hecho, son totalmente ineptos para el canto, y tanto más para la danza. La calidad, no obstante, no impide disfrutar de los shows, todos ellos divertidos y llenos de desparpajo.

Al margen de las actuaciones de los concursantes, el éxito de Tu cara me suena estriba también en las ingeniosas críticas del jurado, compuesto por Carlos Latre, Ángel Llácer, Lolita y Chenoa. Las continuas pullas y bromas entre ellos hacen el programa mucho más llevadero y rico en anécdotas.

Una de las historias extramusicales que lleva ya semanas apareciendo en Tu cara me suena es el desesperado intento de David Amor por conseguir una cita con Chenoa. El actor gallego, que no se arruga ante nada, ya le ha pedido varias veces a la cantante que accediese a ir a cenar con él. Las evasivas de la triunfita han sido sutiles pero firmes. Esta vez, Amor salió al escenario tras la actuación de la Terremoto, que imitó a Pimpinela, y anunció que tenía muchas ganas de cantar con Chenoa. Cogiéndola por la mano, recordándole su invitación a cenar juntos, lo que no pareció gustarle mucho a la artista, que se dio la vuelta para volver a su silla
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La canción de Coldplay que Pablo López lleva tatuada

La Voz

Las audiciones a ciegas y las batallas han llenado el plató de La Voz de grandes talentos. En el programa de la semana pasada, los coaches enviaron tres concursantes a los directos y ahora decidirán el destino de los otros seis. Solo pueden elegir tres miembros de su equipo. Ya no hay segundas oportunidades para los aspirantes a hacerse un hueco en la fase final, y cualquier insignificante desliz puede servir a los coaches para inclinarse por el no. La competición fue encarnizada, y las actuaciones estuvieron a la altura que merecía la situación.

Charly, uno de los concursantes que deslumbró a los tres coaches en la primera ronda, fue el encargado de inaugurar la gala. El tema que eligió para tan señalada ocasión fue «Fix you», de Coldplay, que interpretó con voz firme y portentosa. Su coach, Manu Carrasco, se mostró orgulloso del trabajo de su alumno: «Haces la canción totalmente tuya». Pablo López reveló que se trataba de una canción muy importante para él, hasta el punto de llevarla tatuada porque «es un himno verdadero que pasará a la historia por sus mensaje contundente y sencillo».

La segunda actuación de la noche corrió a cargo de Auxi y Pablo, que cantaron a dúo «Deja vu», haciendo respectivamente de Shakira y Prince Royce. Ya antes de salir al escenario, ambos estaban preocupados por no defraudar a su coach, Manu Carrasco. Nina Pastori no pareció muy entusiasmada ni con el resultado ni con la elección del tema. «Deberían haber elegido una canció en la que ella se luciera más. Se han equivocado», opinó la artista.

Marcos se plantó en el escenario con actitud resignada, pero dispuesto a dar lo mejor de sí mismo, y así lo hizo. «Soy consciente de que hoy puede ser mi último día en La Voz
», dijo poco antes de subirse a cantar. Su interpretación de «Touch it», de Ariana Grande, gustó entre los coaches, hasta el punto que Bebe le reprochó a Juanes no haberlo fichado para su equipo.

Siguieron Omar, Anabel, Alba…todos conscientes del poco tiempo que quedaba antes de saber si seguirían en la carrera por cumplir el sueño de sus vidas. Manuel Carrasco dió su veredicto final, y eligió a tres de sus pupilos para pasar a los directos: Charly, Omar y Anabel.

Segunda ronda de actuaciones impecables, esta vez de los elegidos por Pablo López. La decisión no fue fácil, pues todos los aspirantes, cada cual con su estilo, firmaron unos shows muy logrados. Con el tacto que requieren este tipo de situaciones, el músico andaluz anunció que se quedaba con dos voces femeninas y una masculina: Kamila, Laura y Gabriele.

El turno del «M
alú Team» llegó al final de la noche, no sin que antes la coach agradeciese a todos su trabajo y ponderase su talento musical. Sus predilectos, tras una decisión que le costó grandes quebraderos de cabeza, fueron Adib, Samuel y Víctor.

Así las cosas, la próxima semana comienza una nueva etapa en el talent show de Telecinco. A partir de ahora, con los concursantes reducidos a la mitad, dará comienzo la recta final y más exigente para los artistas. Los coaches, por su parte, tampoco quedarán al margen de esta nueva situación, siendo su responsabilidad sobre sus equipos aún mayor si cabe
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Movistar+ creará un canal exclusivo para las producciones Disney

El presidente de Telefónica España, Luis Miguel Gilpérez, y el responsable de The Walt Disney Company para España y Portugal, Simon Amselem, junto a Fernando Jerez, director de contenidos de entretenimiento de Movistar+, han presentado este viernes una alianza estratégica para que los espectadores podrán disfrutar del mejor cine de Disney-Pixar-Marvel-Star Wars (títulos clásicos y más actuales) en Movistar+ gracias a la creación del canal Movistar Disney. «Una cadena en la que vamos a desarrollar contenidos Disney», ha asegurado Luis Miguel Gilpérez. «Es la primera vez que una plataforma en España tiene tanto contenido Disney. Movistar será una de las únicas plataformas en el mundo que tendrá el sello Disney en uno de los canales», ha explicado el responsable de The Walt Disney Company, Simon Amselem.

El lanzamiento del nuevo canal se producirá la tarde del próximo 22 de diciembre, coincidiendo con el inicio de las vacaciones de Navidad. Lo inaugurará «Steanboat Wille» (16.00 horas), el primer corto de 1928 en el que aparece un ratoncito que con el tiempo sería Mickey Mouse. Después ofrecerán «Blancanieves y los 7 enanitos», el primer largometraje animado de Disney. Movistar Disney estará disponible en el dial 31 «de forma permanente en el paquete con todo el cine para los clientes».

Con la fuerza de «Star Wars»
Además, con motivo del estreno en cines el 15 de diciembre de «Star Wars: Los últimos Jedi», ambos gigantes se unen con el objetivo de acercar el universo «Star Wars» a los clientes de Movistar. Esto significa que Movistar+ y Disney van a ofrecer gran parte de la saga gracias al canal pop up (intermitente) Movistar Star Wars. Aunque sea de forma temporal, contendrá muchas cintas de la saga, contenido exclusivo y nuevas experiencias. Del 1 al 17 de ese mes, el canal estará disponible en el paquete familiar, tanto en español como en versión original con subtítulos.

Por otra parte, desde la propia compañía han querido dejar claro que «no hay planes para que la plataforma de streaming de Disney que van a lanzar en EE.UU. en 2019 vaya a llegar a España&raquo
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Andrea, sobre su pareja en ‘QQCCMH’: «Mi relación con Jesús es muy abierta»

Recién terminada la última temporada del programa de ‘Quién quiere casarse con mi hijo’, hablamos con la pretendienta definitiva de Jesús. El allerano -gentilicio del concejo de Aller en Asturias- que revolucionó el programa con sus músculos y su divertida madre.

Andrea ‘la pelirrosa’ ha tenido que luchar con Itziar en la batalla final, en la que ella ha sido la que definitivamente ha logrado llegar al sensible corazón del asturiano.

-¿Por qué decide presentarse a ‘QQCCMH’?

Para vivir una buena experiencia y para ver lo que es la televisión, el rodaje y todo eso…. Y vine aquí porque llevaba cuatro años sin pareja, porque soy un poco difícil para eso, y también para ver si daban en el clavo con esa persona.

Antes ya se había presentado a ‘First Dates’, ¿verdad? ¿La experiencia fue similar o totalmente diferente?

No tiene nada que ver, porque ‘First Dates’ son solo dos horas de rodaje y en mi caso no acertaron con la persona para nada. En ‘QQCCMH’ estás un mes grabando intensamente.

¿Cómo hacen en el programa para asignar al pretendiente? ¿Les dejan elegir o son ellos?

Me pusieron a Jesús directamente. En el programa te hacen una entrevista y, según los gustos que tú hayas contado, te ponen a un chico o a otro.

Cuando le presentan a Jesús, ¿qué es lo primero que le llamó la atención de él?

Que estaba fuerte, tatuado y que su madre era muy ‘fashion’.

[Puedes leer la entrevista completa aqu&iacute
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Peleas de superhéroes, un escritor maquiavélico y la luz de japón, las propuestas de ABC Play del fin de semana

Llegan los estrenos de cine del fin de semana a la cartelera de toda España. Desde ABC Play hemos seleccionado tres títulos para disfrutar durante el fin de semana.

Viernes: «Liga de la Justicia». Carreras, explosiones, peleas continuas y poco diálogo. Nada como los superhéroes para desconectar al terminar la semana. Lo nuevo de DC Comics amplía su universo para reunir a Wonder Woman, Batman, Superman, Flash, Androide y Aquaman. Juntos, cómo no, salvarán la Tierra, que se enfrenta a la amenaza de una criatura del averno. Liderados por Batman, y a la espera de que Supermán regrese al combate tras lo que ocurrió en «Batman V. Superman» (Al fin y al cabo «Liga de la Justicia» es su secuela) el equipo deberá unir fuerzas para la gran batalla final. Lo de todas las películas de superhéroes, en definitiva, lo cual es una buena noticia para los amantes del género.

DC sigue la estela inaugurada por Marvel con sus «Vengadores» y reúne a sus personajes más característicos para hacer saltar la banca de la taquilla. En «Liga de la Justicia» se echa de menos la frescura y el humor presente en Marvel, aunque hay que reconocer que el personaje de Flash bien merece el esfuerzo.

Lo más destacable es la presencia de Gal Gadot en la piel de Wonder Woman. Se intuye que la heroína de las amazonas terminará por asumir el papel protagonista y liderar al equipo en futuras secuelas. Sea por su magnetismo o porque DC quiere ser pionera en la igualdad y el feminismo, el caso es que si todo sigue igual merecerá la pena. DC tiene en ella el único filón para mantener la saga.

Sábado: «Hacia la luz». Película pausada, rebosante de belleza y estilo visual. Un ejercicio poético donde la luz hace que todo brille con una claridad pocas veces vista. Naomi Kawase (directora de «Una pastelería en Tokio») regresa con esta pequeña película en la que un fotógrafo que pierde la vista entabla amistad con una joven que narra películas para ciegos. La mejor propuesta para un sábado en el que disfrutar de una de las joyas que ha llegado este año del cine oriental.

Domingo: «El autor». Con la cercanía del lunes en la cabeza del espectador, nada mejor que la película de Manuel Martín Cuenca. El almeriense hace un retrato sórdido (pero abierto y hasta luminoso) de un escritor que no tiembla al manipular a cualquiera que se cruce en su vida para construir una novela que le haga consolidarse como un artista de postín (aunque no venda ni un ejemplar). Una muestra de ser humano mezquino, manipulador y carente de moral. Lo mejor para que la llegada el lunes a la oficina sea más suave.

Otros estrenos destacados
Escena de «Los nadie»
Dirigida, coescrita y protagonizada por Baltasar Kormákur, cineasta islandés responsable de grandes producciones de Hollywood como «Everest», llega a la gran pantalla«Medidas extremas», un largometraje en el que un padre se propone tratar de alejar a su hija del mundo de las drogas y los delitos menores. En el proceso descubre que el peligro puede ser encontrado en donde menos se espera.

En «Jupiter’s Moon» un joven inmigrante recibe un disparo cuando está cruzando ilegalmente la frontera. Aterrorizado, herido y en estado de shock, Aryan se da cuenta de que es capaz de levitar. Le envían a un campo de refugiados del que escapa con ayuda del cínico Doctor Stern que quiere aprovecharse de su extraordinario secreto.

De los creadores de la taquillera cinta francesa «Dios mío pero que te hemos hecho» llega esta semana «Con los brazos abiertos», la comedia en la que reconocido escritor, Jean-Etienne Fougerole, es un intelectual humanista casado con una rica heredera. Durante un debate en televisión hablando de su nueva novela ‘Brazos Abiertos’ en el que invita a los más necesitados a ser bienvenidos, su oponente lo desafió a aplicar lo que aboga. Fougerole acepta el reto y esa misma tarde suena su puerta y pondrán a prueba sus convicciones.

Basada en hechos reales se estrena esta semana «Una razón para vivir», la inspiradora historia de una pareja que luchó cargada de optimismo y sin límites ante la enfermedad a la que pudieron sobreponerse con valentía.

«Los nadie» nace de una experiencia personal del director Juan Sebastián Mesa, cuando él mismo sintió que la ciudad que lo vio nacer y crecer, se había transformado, tornándose violenta, rutinaria y peligrosamente confortable, lo que lo llevó a decidir encontrarse en otro lugar. Mesa emprendió el viaje y encarnó en su propia piel a los personajes de su historia, cuando él y su grupo de amigos recorrieron cinco países vendiendo fotos para sustentarse.

Cuando el joven Lucas descubre que no es realmente un humano, la noticia le horroriza. Especialmente desde que su primera transformación en monstruo sucedió delante de los niños más populares del colegio. Su búsqueda de la «Isla de los Monstruos» y de sus verdaderas raíces, lo llevará a un viaje en el que aprenderá que ser un monstruo no es monstruoso.

«Arte al agua» es un retrato íntimo de los sueños y aspiraciones de los último pescadores que faenaron en Terranova, sus adversidades y sufrimientos. Un documental convertido en una historia personal que permite conocer cómo era la vida a bordo de un barco
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¿Sabrías decir qué superhéroes son de Marvel y cuáles de DC?

Entre ayer y hoy se presenta en los cines de todo el mundo «Liga de la Justicia», la última gran apuesta de DC Comics, que, dirigida por Zack Snyder, espera que se convierta en todo un éxito de taquilla.

Pero, ¿tienes claro qué superhéroes pertenecen a DC y cuáles a Marvel, su archienemiga? Desde ABC PLAY te proponemos esta encuesta para que evalúes tus conocimientos en la materia.

¿Sabrías decil qué superhéroe es de cada Universo? Te lo preguntamos con dieciocho diferentes. Desde Batman a Thor, pasando por Spiderman, Wonder Woman, Deadpool, Superman o Iron Man. ¿Cuánto sabes sobre el tema
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Casi 1.500 personas se reúnen en Miami para ver una película española

Anoche se inauguró en Miami la séptima edición de Recent Cinema from Spain, celebrada en el teatro Olympia, donde se reunieron casi 1500 personas para ver cine español. La película seleccionada fue «Abracadabra», de Pablo Berger. Además, el público pudo conocer a los actores españoles que viajaron desde España: Carlos Santos y Javier Pereira, y al director Pablo Berger.

Entre otros asistentes, estuvieron en la gala de apertura el presentador de televisión Boris Izaguirre, quien moderó el coloquio después de la película, el cónsul de España en Miami Cándido Creis y actores de cine y televisión de reconocido prestigio en Miami.

Las muestras de cine español Recent Cinema from Spain en Miami y Recent Spanish Cinema en Los Ángeles se han convertido para muchas producciones españolas en una extraordinaria plataforma internacional. Gracias a la visibilidad que brinda a las películas en sus proyecciones y estrenos en Estados Unidos son un instrumento clave para su futura distribución.

El programa de la séptima edición incluye siete películas, dos Premieres en Estados Unidos. «La niebla y la doncella» (que se conocerá como «The Mist & The Maiden»), «Despido procedente» («Dismissal»), «Villaviciosa de al lado» («Stroke of luck»), «Que Dios nos perdone» («May God Save Us») y «Contratiempo» («The Invisible Guest») son algunas de las seleccionadas.

Este ciclo además contará con proyecciones y eventos especiales que incluirán la proyección de OZZY (Miami Premiere), una mesa redonda con los actores y directores invitados a la muestra de cine que tendrá lugar en el Centro Cultural Español de Miami y una actuación especial en la clausura con la actuación del grupo Mastretta, gracias al apoyo de la dirección de Industrias Culturales de la Secretaria de Estado de Cultura de España y de Spain Arts & Culture de la Embajada de España en Washington
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La ECAM se reinventa con «The Screen» para ayudar a los nuevos talentos del cine español

La Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM) ha presentado un proyecto que aglutinará todas las iniciativas tendentes a integrar a sus alumnos en el mercado laboral y lo hará con apoyo económico concreto y con asesoría técnica y tutorías para proyectos reales.

Según ha explicado a Efe Gonzalo Salazar-Simpon, director de la ECAM, el mayor problema al que se enfrentan los jóvenes cuando terminan sus estudios es «el abismo insondable de encontrar trabajo «de lo suyo», porque «esta profesión es muy artesanal y muy freelance y es muy difícil siquiera enviar un currículo».

Desde que hace cinco años el productor asumiera la dirección de la ECAM con la misión de lograr para la escuela madrileña un reconocimiento parecido al de la fructífera ESCAC (Escola de Cinema i Audiovisals de Catalunya), Salazar-Simpson se dedicó a pelear por la vertiente profesional de la escuela, puesto que el problema no era académico.

Así, la ECAM comenzó a desarrollar iniciativas que ayudaran a sus alumnos y que hoy han reunido en un proyecto nuevo, la marca «The Screen». La idea es mantener las que están en marcha, como Open ECAM, por la que los antiguos alumnos pueden utilizar las instalaciones y los medios de la escuela para rodar, como se hizo con «Stockholm», de Rodrigo Sorogoyen, una de las películas más premiadas de 2013.

«Esa fue la primera, pero desde entonces hemos hecho doscientas colaboraciones, algunas tan importantes como “Verónica”, “Morir” o “La herida” y otras más pequeñitas, hasta videoclips», comenta el director.

También seguirán abiertos sus espacios de coworking -una práctica que permite interrelacionarse a los trabajadores freelance entre sí y con otros profesionales-, y la “bolsa de empleo”.

Una «incubadora» de talento
Además, dentro de este proyecto unificador, la ECAM pone en marcha una nueva iniciativa que no solo piensa en los antiguos alumnos; se trata de “La incubadora”, un proyecto que ha desarrollado Gemma Vidal que abre las ayudas a los largometrajes.

“Queremos coger el relevo a los mecanismos de ayuda que ya existen en España para que los guionistas encuentren productor, de modo que vamos a ‘incubar’ durante cinco meses proyectos de largometrajes que tengan guionista, productor y director, con el único límite de que el director no haya hecho más de una o dos películas”.

En esos cinco meses, la escuela proveerá de dinero en metálico “para que se puedan dedicar a esto exclusivamente, diez mil euros por proyecto, y después les apoyaremos con mentorías, asesoramiento grupal y workshops” y se seleccionarán cinco proyectos de quince finalistas.

Según ha indicado Gemma Vidal, lo que se pretende con “La Incubadora” es que estos cinco equipos de productores, guionistas y directores emergentes puedan desarrollar sus largometrajes de la mano de expertos y asesores.

Entre ellos, los directores Alberto Rodríguez, Mar Coll y Enrique Urbizu; los productores Marisa Fernández Armenteros (Mediapro), Koldo Zuazua (Kowalski Films) y Susana Herreras (Movistar +), además de los guionistas Valentina Viso (“María (y los demás)”) y Diego San José (“Ocho Apellidos Vascos”).

“A mí en particular me interesa que esos cinco proyectos tengan perfiles distintos y se complementen, creo que será fructífero e interesante”, ha dicho Vidal.

Esta iniciativa se financiará este primer año a través de la Fundación ECAM, en cuyo patronato están la Comunidad de Madrid y las sociedades de gestión, que “harán un esfuerzo”, aunque Salazar-Simpson, que ya piensa en la proyección internacional del proyecto, no descarta buscar financiación exterior en el futuro
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Palmarés ALCINE47: «Matria», de Álvaro Gago Díaz, ganador del Primer Premio Ciudad de Alcalá

ALCINE, el Festival de Cine de Alcalá de Henares/Comunidad de Madrid, organizado por el Ayuntamiento de Alcalá de Henares y la Comunidad de Madrid, ha llegado a su fin. La edición número 47 ha contado este año con la figura de la mujer, ya sea como productora, guionista, cineasta, técnica, etc., como protagonista. Además, desde este año, ALCINE47 califica para los Oscar en la categoría de cortometraje de animación y ficción, y ha repartido más de 30.000 euros en Premios.

Los premiados de la 47ª edición de ALCINE han sido:

Otorgado por el jurado del Certamen Nacional, compuesto por Giovanni Pompili (productor), Laura Pousa (guionista) y Juanjo Giménez (director).

PRIMER PREMIO «CIUDAD DE ALCALÁ»: «Matria», de Álvaro Gago Díaz.

SEGUNDO PREMIO «CIUDAD DE ALCALÁ»: «Buenos días, España», de María Barceló, Irati Cano, Sara Pisos y Carlos Andrés Reyes.

TERCER PREMIO «CIUDAD DE ALCALÁ»: «La Inútil», de Belen Funes y «Les bones nenes» de Clara Roquet, exequo.

PREMIO COMUNIDAD DE MADRID: «Madre», de Rodrigo Sorogoyen y «5ºC» de Diego Saniz, exequo.

PREMIO ESCUELA SUPERIOR DE IMAGEN Y SONIDO (CES) AL MEJOR SONIDO: Lucas Ariel Vallejos, por «The Fourth Kingdom».

PREMIO ALMA AL MEJOR GUIÓN: Laura Ferrés por «Los Desheredados».

TROFEO ALCINE A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA: Francisca Iglesias Bouzón, por «Matria».

TROFEO ALCINE A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA: Pere Ferrés, por «Los Desheredados».

TROFEO ALCINE AL MEJOR MONTAJE: Guille García, por «Expolio 92».

TROFEO ALCINE A LA MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Paul Tyan, por «Les Bones Nenes».

TROFEO ALCINE A LA MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA: Atxur Animazio Taidea, por «Areka».

TROFEO ALCINE A LOS MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Lois Patiño, por «Fajr&raquo
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El problema dental que martiriza a una concursante de OT 2017

Parece que Nerea no está pasando su mejor momento. La nominación de la pasada gala de OT 2017, de la que la salvaron los profesores de la Academia, ha provocado que la joven aspirante se derrumbe, llegando a contar un problema que le impide llevar una vida normal.

Tal y como se ha podido ver en el canal 24 horas de OT 2017, Nerea le contó a Agoney el martirio de su dentadura: «Estaba haciendo una obra, y alternaba entre el papel de Caperucita y el de Julia. Llegaron a decirme que si no me ponía brackets me comería muchas más julias. No me iban a echar de la compañía, evidentemente, porque son como una tercera familia para mí», reconoció la concursante.

Pero no se los puso, porque entró a Operación Triunfo. «No me los puse, pensando que lo haría al acabar Caperucita, pero entonces me metí aquí y es algo que voy arrastrando. Me da mucha rabia que no me lo hicieran bien desde un principio, estaría bien ahora, no perfecta, pero mejor sí. Estaría más tranquila (…) Tampoco me puedo hacer blanqueamientos ni nada, me impide muchas cosas», le explicó a su compañero de OT 2017.

Pese al problema que le supone, no dudó entomárselo con humor: «Todos coméis los bocadillos normal, con los dientes delanteros. Yo tengo que morder de lado. Ahora ya me he acostumbrado a hacerlo así, pero es muy cómico&raquo
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Dónde ver en directo el canal 24 horas OT 2017

Aquí puedes seguir la emisión en directo del canal 24 horas de OT 17:

Una de las bazas del regreso de OT 2017 a TVE es el canal de 24 horas, que sigue la actualidad de la Academia en directo, para no perder detalle del reparto de temas, las clases más divertidas, los emocionantes ensayos y la vida en común de los triunfitos.

¿Por qué Amaia ha vuelto a ser la favorita de la última gala de OT por segunda semana consecutiva? ¿Quién puede ser el nominado esta semana? ¿Y el expulsado? Cepeda y Thalía son los nominados de la pasada gala, y solo uno de ellos se salvará para continuar en Operación Triunfo.

La semana pasada no nos cansamos de ver los ensayos de «City of Stars» de Amaia y Alfred, cuya actuación les valió el pase directo por la pasarela. Hasta la directora, Noemí Galera, se emocionó al escucharlos.

Las alianzas, las emociones y la química entre los concursantes no escapa al canal 24 horas, donde se puede ver en directo todo lo que sucede en la Academia. Hasta el presentador de OT 2017, Roberto Leal, está enganchado. ¿Te lo vas a perder?

Operación triunfo
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Netflix se tira a la piscina: anuncios en versión original con subtítulos en la televisión española

Stranger Things

Anoche, durante la emisión de «El Hormiguero» nos encontramos con una grata sorpresa. En plena entrevista con Jean Paul Gaultier, Pablo Motos daba paso a publicidad al grito de «cuando regresemos hablaremos de Madonna». Hasta ahí, todo normal. Sin embargo, entre la tanda de anuncios del espacio televisivo –que suele albergar el minuto de máxima audiencia del día– apareció uno que nos llamó la atención, concretamente de Netflix.

El anuncio es exactamente el mismo que nos ha saltado una y otra vez durante el último mes en un sinfín de páginas en Internet, como por ejemplo YouTube, que promociona la segunda temporada de «Stranger Things». ¿Qué tiene de sorprendente que aparezca en televisión? Los poco más de 30 segundos que publicitan la ficción ochentera son en inglés con subtítulos en español. Sí, en pleno prime-time. Una apuesta arriesgada por parte d e la plataforma de streaming que puede que haya pasado desaperciba para muchos de los espectadores, pero también puede significar el inicio de un antes y un después en la programación televisiva española.

La segunda entrega de «Stranger Things» es uno de sus grandes lanzamientos y eso lo dice una empresa que espera terminar 2017 con más de 1.000 horas de programación original en emisión, entre series, documentales y películas. El secreto de la ficción de los hermanos Duffer ha sido su globalización. «La serie fue vista hasta en la Antártida», asegura a ABC Todd Yellin, vicepresidente de Producto e Innovación de Netflix. Sin embargo, también puede ser un reclamo para que el espectador español abra sus miras y se planteé disfrutar de las voces originales de Millie Bobby Brown y sus compañeros de reparto. La televisión española, junto a la italiana y a la portuguesa, es una de las más «celosas» en cuanto al lenguaje. Mientras que en países como Holanda o Noruega, gran parte de su programación es en versión original (inglés) con subtítulos en el idioma nacional; en España es casi imposible disfrutar de esta posibilidad.

Netflix sabe que no todos los usuarios a los que quiere llegar disfrutan de los contenidos en versión original. Por ello, trabaja para que el doblaje de sus series no resulte tan molesto como escuchar Nathan, el protagonista de «Misfits», en español después de haber escuchado la voz de Robert Sheehan. La ficción de los hermanos Duffer está disponible en 20 idiomas y, según cuenta Todd Yellin, «han hecho todo lo posible para que reconozcas las voces de los personajes sin importar el idioma en el que la escuches&raquo
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Manuel Martín Cuenca: «La idea de trascender en el arte es maravillosa y hermosa, pero también ridícula»

Dice el cliché literario que la creación es un proceso tortuoso donde el escritor debe pelear con sus fantasmas para sacar adelante su obra. También, que la hoja en blanco supone un abismo pocas veces superable sin herirse en el camino. Manuel Martín Cuenca (Almería, 1964) retrata ambos con crudeza y honestidad. Una escena vale más que mil metáforas: un escritor (Álvaro, interpretado por Javier Gutiérrez) desnudo en una habitación totalmente blanca donde solo están él y su ordenador para pelear contra el latido constante del cursor que cada segundo, con cada destello, le recuerda que no tiene nada que escribir. Sudoroso y casi temblando decide plantar toda su hombría sobre la mesa: las historias están fuera de esa sala, no en la imaginación, y debe ir a buscarlas. Y si la realidad no le gusta, hará lo posible porque los personajes bailen al son que más le interesa.

P – En «El autor» habla del proceso de creación intelectual. ¿Se siente cercano a lo que ha relatado?

R – Después de hacer «Caníbal», de alguna manera tenía ganas de hacer otra cosa. Es decir, «Canibal» ya está hecha, pues ahora qué. Siempre me ha parecido muy peligroso quedarte en lo que tú crees o te dicen que te ha ido bien. Y así, leyendo muchas cosas, pensando, escribiendo posibles historias, sinopsis… Durante el proceso me encontré con una novela de [Javier] Cercas. Lo que me gustó mucho de la novela, y lo potenciamos aún más en el guión, fue el punto de ironía. Se habla de una creación, de una metaficción, todas esas cosas… Pero hay un punto de ironía. El protagonista probablemente es un necio, es probablemente el Bouvard y Pécuchet de Flaubert, que era la historia de dos idiotas que quieren ser sabios y el esfuerzo por eso. El tema era subvertir el edificio este de la solemnidad de lo que significa ser un autor. Y hablar de esto, que a mí me parece serio, es mi vida, pero no de manera solemne, porque creo que ya lo han hecho otras películas.

P – El necio que va de listo, que manipula a todos, hasta que se la acaba pegando…

El necio es el necio porque tú lo ves como un necio en función del resultado. Pero el proceso probablemente de obsesión y de entrega del necio es igual que el del genio. Y al final el tipo es muy atrevido, valiente, echado para adelante. Es un tipo admirable en cierto sentido a pesar de las barrabasadas que hace. Lo que me parecía más interesante es tratar este tema no con una gran historia ni con un personaje que de pronto se revelara como alguien. Eso me parece en el fondo un esquema dramático convencional. Me gusta mucho más la historia del necio.

P – Hay dos escenas en «El autor» que generarán un impacto en el espectador, ¿Se lo planteó a la hora de rodar?

R – No me lo planteé. He intentando romper la autoconcencia de lo que se supone que son las películas. ¿Qué género tiene? No lo sé. ¿Qué resultado queremos buscar? No lo sé. Así que qué va a sentir el espectador… A mí me parece que hay que ir al límite, quiero arriesgarme, quiero tener la posibilidad de equivocarme, quiero no pensarlo, y me tiro. Rodando esa escena [Javier Gutiérrez, desnudo, pone su miembro sobre la mesa] hubo un momento que el equipo decía: «Pero de verdad vamos a hacer que el tipo ponga los huevos en la mesa?» Y yo: «Claro». Había todavía como un pudor… Y fuimos Javier y yo los que empezamos a hacerlo, medir la altura de la mesa… Hubo una cosa de gamberrada, el equipo pensaba que no lo iba a acabar haciendo, que al final no me iba a atrever a rodarlo. Pero yo les decía que estaba en el guión.

P – ¿Y no temes que al final el público recuerde más esa escena que la propia película?

R – Howard Hawks decía que una buena películas son cinco grandes escenas que recuerda el público. Es una secuencia que tiene un impacto que se te queda. En Toronto hubo una gran carcajada.

P – Hay un personaje, el de la portera, que es también muy potente…

Es Madame Bovary. Hay mucho de Flaubert porque hay mucho de Flaubert en Javier Cercas. La portera es una señora de 50 años que se siente joven, que nunca ha sido amada, y se entrega a los brazos de un canalla moral que comete la canallada moral más terrible, que es hacerla creer que es amada. Es la historia de Madame Bovary. En el relato constructivo convencional del cine, Bovary siempre ha sido una jovencita de 25 años, guapísima, de la que todo el mundo se enamora. Pero la de Flaubert tenía 44 años. Era una señora como la portera. Se enamora y esa es su tragedia, se entrega y rompe su vida completamente. Y el canalla moral en este caso es Álvaro. Yo desde el principio le decía a ella «tú eres mi Madame Bovary».

P – ¿Has tenido alguna vez en un rodaje la sensación de manipular a un actor hasta el extremo tan radical de la pelicula?

R – Yo manipulo a los actores y ellos lo saben. Pero es normal, es un juego. No es una manipulación en un sentido malvado, es la base del sentido creativo, que es jugar como juega un niño, y tiene que haber sorpresas. En ese sentido, manipulación hay, por supuesto. Yo no sé cuál va a ser el resultado de lo que ruedo cada día.

P – Tras un día de rodaje, cuando ves el material en la sala de montaje, ¿coincide con la idea que tenías?

R – No, porque yo no soy ese tipo de director. Eso es una fórmula mecánica, puede valer para determinado tipo de películas mecánicas. Yo creo que eso no existe nunca, eso está en el manual de primero de montaje. No se puede hacer una buena película con mal material, no se puede salvar una película en montaje, pero sí se puede afinar, se puede hacer que todo fluya. Hay un momento en montaje en el que tienes que quitar algunas de las cosas que no han funcionado, o lo que es más doloroso para los directores: quitar cosas que funcionan en sí mismas como escena pero lastran la película completa. Cuesta, aunque película a película me cuesta menos, pero evidentemente hay que cortar y conseguir la películas más perfecta posible dentro de lo imperfecto que es una película.

P – ¿Y al verla proyectada?

R – Yo nunca veo mis películas después. Las he visto tantas veces, las he juzgado, que hay un momento que no se qué película he hecho. Y es una sensación que me gusta. Y la película me vuelve a través de los ojos de los demás, de la gente que quiero, del público… Yo no veo la película porque no tengo el efecto sorpresa, me voy a estar fijando en si a alguien le ha gustado o no… Es una angustia, así que no la veo nunca más. No he vuelto a ver nunca más «La flaqueza del bolchevique».

P – ¿Hay un cierto reproche en “El autor” a los críticos, a los teóricos, a los que dan lecciones sin haber estado nunca al otro lado?

R – Puede ser una lectura. Las cosas que dice el profesor de inglés al principio son sensatas. Pero colocadas en un sitio solemne son ridículas también. Antonio de la Torre, lo que dice, también es sensato, pero también está el tipo pontificando. Pero todo esto, en función de cómo lo coloquemos, se descontextualiza que da gusto. La película es una sátira, pulsiones exageradas de las que te ríes.

P – ¿Cómo es la mirada del autor, del creador? ¿Debe ser perfecta?

R – Es totalmente imperfecta, eso es lo maravilloso. El autor es un idiota que consigue llegar a puerto. El mérito es llegar a puerto. Hacer una película o escribir una novela. Y luego ya veremos qué es. Todo el que está haciendo una película piensa que es una película magnífica; si no, dejarías de rodarla. Y todos quizás somos unos necios, porque pensamos que tenemos grandes películas. ¿Pero dónde está la línea que separa eso de lo otro? Yo quería contar todo esto pero sin solemnidad. No una gran historia, solo la historia de un necio.

P – ¿Tuviste claro desde el principio que querías hacer una sátira?

R – Quería reírme de mí mismo y de lo que hacía, pero no de los demás. Yo soy Álvaro, no pongo los huevos en la mesa cuando escribo pero podría ponerlos. En un momento de pulsión, yo soy ese. Que los demás se la tengan consigo mismo. Yo ironizo porque como es mi vida, no me lo quiero tomar tan en serio.

P – Te arrogas a ti mismo la crítica tan dura que haces en la película

R – Claro. Es decir ‘vaya capullos que somos, que hacemos películas y escribimos libros pensando que vamos a trascender, que vamos a ir con suerte a un festival… y dentro de 30 años, ¿vamos a trascender de verdad? Esa idea de trascender, que es maravillosa y hermosa, también es ridícula.

P – ¿Qué es trascender?

R – (Piensa) Nada… Que dentro de dos años alguien se acuerde de ti o en el mejor de los casos dentro de 300. Nada más. Y al mismo tiempo una reivindicación: vivir, escribir aunque seas un necio, rodar películas aunque te quedes mal, es hermoso, y es la vida. Ese es el mensaje positivo de la película
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Marvel Vs. DC: los superhéroes pelean a muerte por la taquilla

Las películas de superhéroes caminan con paso sólido por la taquilla, estrenando casi un título por mes, reeditándose al ritmo de la tecnología y avanzando de la mano de la generación «millennial». Marvel Comics lidera la carrera gracias a sus personajes, los más populares en la actualidad: Spider-Man, Hulk, Thor, Iron Man… Héroes que atraen a millones de espectadores gracias a una interconexión de películas y héroes que ha permitido crear todo un universo con distintas ramificaciones. El rival de Marvel es DC comics, donde nacieron Batman, Superman, Wonder Woman, Flash, Aquaman… Personajes que hasta ahora se habían destacado por combatir por libre pero que DC ha decidido unir ahora en «Liga de la Justicia», que hoy se estrena. Si Marvel ha sabido vender a sus figuras y crear filmes que se retroalimentan, DC, tan poblada de nombres como Marvel, ha querido imitarles y explotar a sus héroes en la gran pantalla y en la televisión, pero con un plan estratégico menos cohesivo.

El éxito de este género, dicen los expertos, es la crisis existencial que sufre la generación actual que la consume, igual que ocurría cuando nacieron los cómics más populares, allá por los años 40 y 50. «Estamos viviendo una crisis de identidad, no hay garantía de que la humanidad pueda sobrevivir en la tierra en los próximos 100 o 200 años», ratificó Ezra Miller. «Nos enfrentamos a las amenazas que nosotros provocamos. Hemos creado el cambio climático, la guerra nuclear… Y las películas de superhéroes son un escape y un espejo en el que la gente se ve reflejada. Es fabuloso poder expresar problemas reales en películas de súper héroes. Tenemos que superar nuestras diferencias porque de otro modo perderemos este partido», reveló durante la conferencia de prensa el actor que da vida a Flash, personaje que tiene algo de Robin con respecto a Batman. «Hay mucha química entre nosotros, ¿verdad?», bromeó el actor haciendo un guiño a Ben Affleck.

Mientras tanto, a Batman se ve empujado no solo a trabajar en grupo sino a liderar. «Ha sido interesante explorar desde otro ángulo su personalidad porque se acerca a una versión más tradicional, más cercana a los comics. Ha sido el Batman más divertido porque como él tengo un humor seco, afilado. Hasta ahora, Bruce estaba siempre al borde del ataque de nervios, creo que tener a Flash a su lado le ha relajado un poco», admitió Affleck.

Todo pasa por Gal Gadot
En el filme se vislumbra el traspaso de poderes que DC intenta llevar a cabo para que Wonder Woman, que interpreta la israelí Gal Gadot, se convierta en líder de «Liga de la Justicia». «Por primera vez en muchos años tiene que trabajar en equipo, no está habituada y eso le estresa, pero entiende que para conseguir un mundo mejor es necesario la unión. En el mundo real, no peleamos con monstruos ni con aliens, nosotros somos el problema. Sería maravilloso si los humanos viviéramos con más camaradería, más solidaridad, para hacer del mundo un lugar más acogedor», admitió la intérprete. «Wonder Woman es una mujer muy activa en este mundo, un mundo de hombres», terminó la actriz.

Sello propio del director
Siguiendo la estela de Marvel, DC se extiende e introduce en sus películas a viejos personajes de las novelas gráficas. En este caso es Aquaman la gran incorporación, al que da vida Jason Momoa. «Aquaman es un personaje que vive entre las corrientes del mar sin ser aceptado por los humanos. En la cinta vamos a explorar su identidad, sus raíces, las razones de su áspera personalidad, lo que ha pasado con sus padres y, sobre todo, porque no sabe utilizar sus poderes. Es un tipo complejo que merece su propio film, para mi es una gran responsabilidad, aunque todavía no se ha ganado su tridente», dijo el actor, quien rueda ya en Australia su propia película en solitario. «Yo no estaría aquí sin la mente brillante del director Zack Snyder», aseguró el actor, agradecido al cineasta.

Liga de la Justicia

Y es que como bien dice Jason Momoa, el sello del Snyder –que ya adaptó «300», «Watchmen» y «Batman v. Superman», precuela de «Liga de la Justicia»– inunda cada plano pese a que abandonó la dirección del filme tras el suicidio de su hija. Sin capitán, la cinta quedó a la deriva hasta que el realizador Joss Whedon, que fue fichado desde Marvel –donde estuvo al frente del éxito de «Vengadores»– se unió al proyecto. Whedon explicó el secreto de por qué cada año se realizan tantos filmes de acción: «La gente no entiende cuánto se diseñan estos trabajos en preproducción. Un director solo puede cambiar un 10 o un 15 por ciento del resultado. Esta película tiene impreso el ADN de Zack que fue quien partió con nosotros en este barco, aunque luego lo terminara Joss. Hemos tenido la suerte de, cuando Zack no pudo seguir, contar con alguien capaz de respetar y mantener la visión de Zack sin mimetizar, porque lo que ha hecho Whedon es sumar su talento&raquo
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