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Crítica de La casa torcida: Agatha Christie con ansiolíticos

Las novelas de Agatha Christie era lo más parecido a un videojuego que se podía encontrar a mediados del pasado siglo, y se pasaban hojas como hoy se pasan pantallas. Y el caso es que el cine no ha sabido encontrarle el punto exacto a la letra de sus novelas: uno se bebe la intriga en los originales literarios, mientras que ha de masticar (incluso suele hacerse «bola») sus adaptaciones cinematográficas. Y esta, «La casa torcida», una de las obras preferidas de Christie, no es especialmente afortunada, a pesar de que la puesta en escena, la ambientación y los personajes permitían una carambola perfecta a tres bandas.

Del asesinato de Arístides Leonides, patriarca de una familia enteramente sospechosa, se encarga el detective palomino que interpreta Max Irons, una gaseosa abierta ayer, y la narración (el «quién ha sido» habitual) también permite que la atmósfera se escape por los diversos «pffff» de un globo pinchado, a pesar de que tapa algún agujerillo la presencia siempre escamante de Glenn Close y de la abundancia de contoneos de Christina Hendricks. Todavía procura cierto interés, o intríngulis, si no se conoce la obra original, pero es inimaginable sacarle algo de carne a ese hueso si ya se sabe quién es el asesino en esta historia sin mayordomo.

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Es inimaginable sacarle algo de carne a ese hueso si ya se sabe quién es el asesino

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de El buen maestro: El hombre con clase indomable

Es uno de los lugares a los que el cine suele mirar desde una esquina: el interior de una clase, de un colegio del extrarradio, de sus alumnos generalmente en la marginalidad y la adolescencia, y de unos educadores entre la vocación y la penitencia. El director de esta película, Olivier Ayache-Vidal, prefiere licuar su mirada (retrato a la acuarela) y ofrecer un dibujo de ambientes y de personajes no tan duro ni tan extremo como el de otros títulos (el baremo sería la magnífica «La clase», de Laurent Cantet) y deja una historia con más corazón que tripa, y desde luego entretenida, equilibrada en el drama y la comedia, útil y didáctica.

El protagonista en un prestigioso profesor de Literatura que cambia el cómodo y elegante Instituto donde da clases por otro suburbial en el que se encontrará un avispero de alumnos de gueto, que ya han asumido su papel marginal en la vida y que consideran la ignorancia como un sinónimo de la rebeldía. El relato se mueve por los cauces previstos, y a pesar de ello consigue conmover y mantener, aunque cálido, su frescor gracias al grupo de jóvenes actores (personajes moldeados para no resultar cargantes, indigestos) y a la cara de berza pero sumamente comprensible y digna de Denis Podalydès, el profesor. Los viajeros y el viaje de unos hacia otros es reconocible, previsible, pero merece la pena hacerlo.

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El relato se mueve por los cauces previstos, y a pesar de ello consigue conmover y mantener, aunque cálido, su frescor gracias al grupo de jóvenes actores

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de Cariño, yo soy tú: Ponerse en la piel del otro

Comedia del subgénero «intercambio de cuerpos» y de la categoría «tontuna simpática». Un siglo y pico de cine han hecho posible que, sin apenas explicaciones, el público acepte y entienda en un par de escenas algo tan absurdo como que los dos protagonistas hayan intercambiado sus cuerpos. El lío es morrocotudo, porque ambos son amantes y ahora tendrán que vivir una doble vida al cuadrado. Stéphane De Groodt es además el jefe del prometido de Louise Bourgoin, con lo que los enredos y equívocos se multiplican. La mayor pena es que la mejor de los cuatro, Aure Atika, no tenga mayor papel.

Un posible interés es descubrir qué toque le da el cine francés a un recurso tan explotado, por lo general sin grandes logros. Bruno Chiche no inventa demasiado, pero se agradece que vaya al grano, sin inventar explicaciones sobrenaturales. La «magia» del amor le permite reflexionar sobre lo sano que es ponerse en la piel del otro y aprender su forma de afrontar la sexualidad, el trabajo, la familia… No descubre la pólvora, pero antes de que el espectador se arrepienta ya ha pasado hora y media. Cómo quejarse.

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Bruno Chiche no inventa demasiado

Federico Marín Bellón
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Crítica de Alma Mater: Horas de hogar en zona de guerra

Tragedia en un acto que la cámara absorbe como un pañuelo de lágrimas, con una precisión de tiempo y espacio y con una tensión constante, sin altibajos, siempre arriba, en el pico de lo dramático y donde la claustrofobia, el no salir, el no entrar, resulta reconfortante, tranquilizadora. La acción es una, como el lugar y el tiempo: unas horas en el interior de una casa en el centro de una guerra (puede ser en Siria en o en cualquier otro nicho abierto de nuestro próximo Oriente), un refugio en el que una madre, sus hijos, el abuelo y una vecina con un bebé cuentan los minutos sitiados entre el bombardeo, los francotiradores y los rapiñeros. La sensación de realidad, de verosimilitud, incluso da qué pensar: ¿no estaremos dónde parece que estamos?

El director, el belga Philippe Van Leeuw, le otorga al plano y al movimiento de cámara (ese recorrer los pasillos de la casa con la tensión a cuestas) una función notarial que realmente es abrumadora, y consigue el pequeño milagro de encontrar ahí, entre el horror, la humanidad y la vida que pende de un hilo, y pequeños dramas tan enormes como la gran tragedia que los envuelve. Las interpretaciones son algo más que excelentes, y en el rostro de Hiam Abbass (la madre) están los pilares de una historia, de una realidad, que pocas veces se ha visto tan de cerca, y que convierte nuestra mirada en un caballo de troya sin nada, ni aire, dentro.

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Las interpretaciones son algo más que excelentes, y en el rostro de Hiam Abbass (la madre) están los pilares de una historia, de una realidad que pocas veces se ha visto tan de cerca

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de Heartstone, corazones de piedra: Universal relato adolescente

Premiadísima película islandesa, que narra algo tan universal como la iniciación al amor y la pérdida de la inocencia. Dos adolescentes bastante majos exploran sus sentimientos en un pueblo costero con una densidad de población turolense. La fotografía es formidable, y el buen gusto, generalizado. La trama se resume en una frase que le dice Thor –para llamarse así es incluso suave– a Kristian: «Deja de ser tan raro y todo irá bien». En realidad, el segundo solo sufre lo que Woody Allen definió sin demasiada delicadeza como «pánico homosexual». Los problemas de la pareja de amigos se agravan porque en ese municipio, donde no habita la prisa, todos los padres parecen ausentes o violentos. Los dos chavales tienen además almas sensibles, lo que casi siempre equivale a sufrimiento.

El resultado es una película hermosa y parsimoniosa, comprensible en cualquier latitud, sobre esa época de la vida en la que se tiene todo el tiempo del mundo pero no su perspectiva. Es una guerra contra el universo en la que cabe incluso la posibilidad de querer morir antes de haber vivido.

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Una película hermosa y parsimoniosa

Federico Marín Bellón
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Crítica de En la sombra: Nervio narrativo y dilema moral

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En diez minutos pasan más cosas que en varias películas juntas

Federico Marín Bellón

Se tiene o no se tiene, y a Fatih Akin le sobra pulso narrativo. Sabe contar una historia y atrapar al espectador pese a no darle la menor satisfacción. En esta película todos los personajes sufren, nunca pasa nada agradable. Ni siquiera la boda del arranque proporciona felicidad. Pero no teman, que tampoco es el típico dramón lacrimógeno en el que solo suceden desgracias.

El cineasta aprieta, pero su intención es contar un caso real de violencia neonazi, recorrer un largo camino, de la cárcel al infierno, para el que no necesita el sensacionalismo de escenas escabrosas. La puesta en escena es impecable, eficaz, siempre a la velocidad necesaria, con un buen uso de la banda sonora y de los silencios. En diez minutos pasan más cosas que en varias películas juntas.

Diane Kruger no tiene tanto protagonismo en esta página como en la cinta, en el que quizá sea su mejor papel. En Cannes lo tuvieron claro. La actriz brilla como un piano perfectamente afinado, capaz de clavar cualquier nota, las blancas y las negras. Con Akin de intérprete, da un recital al lado de un reparto elegido con astucia. El abogado «bueno» es bueno, pero el malo es muchísimo mejor, como decía Mae West de sí misma. La calidad del villano, nos lo enseñó Hitchcock, es esencial, aunque la cinta bordea el maniqueísmo y llega a un desenlace discutible. El dilema moral que plantea sí puede causar incomodidad, como si el arte no estuviera obligado a eso
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Crítica de Todo el dinero del mundo: La oreja de John Paul Getty III

Aunque no pasará a la historia como la mejor película de Ridley Scott (lo cual no es significativo, pues ha hecho media docena larga de obras maestras), sí lo hará, tal vez, como la más ilustrativa de su enorme talento, pues ha convertido lo invisible en intrascendente: habiéndola rodado con Kevin Spacey en el papel, crucial, del multimillonario Paul Getty, lo «borró» y lo «reconstruyó» con prisas y con Christopher Plummer, y es tan perfecto el cosido que no se podría entender lo sustancial de este drama sin el relleno completo del gran actor canadiense, candidato al Oscar por su acuarela terrible y sin una gota de agua del cómo, el porqué y el para qué se apuntala un imperio en la jungla del dinero y el poder. Y hay tanta crítica como «admiración» en el modo en que Ridley Scott le alisa el lienzo al notable actor para que lo componga.

La historia es, en sí misma, historia, y la imagen de la oreja cortada por sus raptores al joven John Paul Getty III es una de las imágenes del siglo XX. Scott le abre una puerta a la ficción para convertirla en una película de intriga, acción y sentimientos que rechinan, con personajes tan retocados como el ex agente de la CIA que interpreta Wahlberg o el secuestrador compasivo de Romain Duris, y hay que suponer que también está muy afilada la cuchillería entre el clan Getty (es decir, solo el viejo, despiadado y avaro magnate) y la nuera del poderoso y madre del secuestrado, una Michelle Williams que consigue con fuerza y con los sentimientos más comprensibles de la función colocarse como punto principal de esa línea borrosa que separa el poder del mal.

En una película de titulares (Kevin Spacey, John Paul Getty…) lo importante está en la letra pequeña, en los pormenores, en lo que susurra, en lo que no teníamos por qué saber. Otro tipo de lágrimas que se pierden en la lluvia.

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Una película de titulares con una importante letra pequeña

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de La enfermedad del domingo: Deuda de sangre

Ni entre Freud, Billy Wilder, Rodríguez Zapatero y Bergman trazarían una línea argumental tan arqueada y prometedora como ésta que es la esencia de la película de Ramón Salazar: una mujer joven fuerza una cita con su madre, que la abandonó treinta años atrás siendo una niña, y le pide (o le exige) pasar juntas y solas diez días en una casa alejada en el campo. Y la película hay que entenderla –o ir entendiéndola– ahí, en la presencia, en la ausencia, en el duelo de silencios y de diálogos, en las miradas y propósitos que van a construir ideas, actos y sentimientos que no tienen nada de habituales, pues casi toda la edificación se hace con materiales equidistantes entre el amor y el odio. Alrededor de la mitad del mundo ni somos ni hemos sido hijas ni madres, y sólo podemos imaginar ese territorio en el que las relaciones entre dos seres humanos adquieren una complejidad que no se da, al parecer, con igual intensidad y enmarañamiento en ningún otro lugar conocido. Es, pues, una historia, una película, cargada de cantidad de especias y hay que acostumbrarse al sabor que cada una va otorgándole a lo que vemos, y sentimos.

Salazar no habría podido transmitir todo el maridaje emocional sin contar con la interpretación de dos actrices mayúsculas, Bárbara Lennie, que invierte en su personaje una dosis enorme de sentimientos «nuevos» para el espectador y que le obligan a buscarles sitio en la estantería de su cabeza (lo cual le proporciona al argumento intriga, curiosidad, sospecha, tensión…), y Susi Sánchez, también a la expectativa de esa «novedad» de sentimientos, compone su personaje con una sorprendente carga de naturalidad, de sencillez y resignación al pase lo que pase. Una especie de juego de espejos purificador entre la no-hija y la no-madre; un duelo, un revoltijo de catarsis. Y el reto del director consiste en convertir una película quieta, estancada en dos tiempos y un solo lugar, en una «road movie» inmóvil a toda velocidad.

Y hay tal intensidad en lo femenino, en lo maternal, en lo especular entre madre e hija, tan concentrado el foco en ellas, que dos actores gigantescos como Miguel Ángel Solá o Richard Bohringer, no pueden más que mirar absortos esa maraña de pasión y compasión que hay entre ellas. Y sirva la insistencia en resaltar la increíble y magnífica interpretación de Bárbara Lennie y Susi Sánchez para compensar aquí la imposibilidad de encontrar unas frases a la altura de ellas.

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Convierte una película quieta en una «road movie» inmóvil a toda velocidad

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de Yo, Tonya: Million Dollar Baby

Llegaba precedida de críticas exultantes de su país de origen pero al tratarse de algo parecido a un biopic de una figura del deporte, dos cosas que no me interesan, no, lo siguiente, la esperaba con desconfianza desde el minuto cero. Error, hubiera sido tonto perderse una de las mejores cosas que nos ha mandado Hollywood esta temporada. En realidad, encaja mejor dentro de algo que en la tele americana hace furor, el «true crime», o thriller basado en hechos reales, que aquí podríamos llamar, ya que tenemos tan bonita palabra, crónica de sucesos (Leon Siminiani ha hecho una estupenda aportación en torno al suceso de la niña Asunta). Este suceso fue menos dantesco, alguien del entorno de una patinadora sobre hielo olímpico lesionó la rodilla de una rival en un campeonato, para quitársela de en medio. No parece gran cosa, ¿no? Pero el caso es que Tonya Harding tuvo que abandonar un prometedor futuro olímpico y el suyo fue, a la altura de 1994, un escándalo mediático sólo superado por el de O. J. Simpson, que ha generado no una sino dos joyas en formato miniserie.

No recuerdo el caso de Tonya pero compruebo que, a pesar de mis prejuicios, los deportes sobre hielo dan para muy buen cine: repesquen por ahí «Red Army», en torno al hockey. De todos modos, el atractivo de esta biografía de Tonya no depende de ver sus elegantes evoluciones sobre la pista helada. La película alterna la dramaturgia convencional con intervenciones de los personajes mirando a cámara y dando su versión particular de los hechos. Eso genera como es lógico más de una contradicción pero, más que buscar el efecto Rashomon, el director Craig Gillespie busca una narración dinámica, un relato con un nervio explosivo y, durante la primera hora de metraje, consigue situarse al nivel del mejor Scorsese-narrado, el de «Uno de los nuestros», o la polifónica «Casino».

Con el mérito añadido, como ya hemos dicho, de que los hechos son mucho menos vistosos: lo que vemos es un retrato surgido de la América profunda, la que quiere salir del hoyo y triunfar (y desde luego, lograron una forma de fama); lo que vemos es una crónica familiar con una madre que deja en pañales a Cruella de Vil, pero a quien desolla es a su propia hija; lo que vemos es un grupo de presuntos villanos que es un escuadrón metelapata que no lo mejoran ni los hermanos Coen… Y vemos, y no se sabe bien a quién elegir, a dos mayúsculas actrices, la cruella Allison Janney y la patinadora Margot Robbie, que consigue en todo momento que su princesa basura blanca no pierda una luminosidad esencial que reverbera durante toda la película. No se las pierdan.

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Alterna la dramaturgia convencional con intervenciones de los personajes mirando a cámara

ANTONIO
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Crítica de Lady Bird: Ella era una estrella

Otra de las películas que más ha gustado a la crítica americana este año y otra historia de madre e hija, como todos los estrenos de esta semana (¿se imaginan que la cartelera fuera así, temática…?). En parte, la razón por la que gusta tanto es porque la firma Greta Gerwig, genuina musa del nuevo cine indie. Su pareja artística y personal, Noah Baumbach, la dirigió en «Frances Ha» y «Mistress America», co-escritas por ella: si quieren entender su fama, y enamorarse un poco de ella, véanla en esas dos o mejor aún en «Damiselas en apuros». Pero el estilo de Greta, el que sea el tipo de actriz que podría vivir de «influencer» de moderneces varias (es como una Annie Hall hecha carne), tiene poco que ver con el mérito de haber escrito y dirigido con tan modesta maestría esta opera prima en solitario sobre una mujer que, al contrario que ella, no parece hecha para marcar tendencia.

Al contrario, esta chica insatisfecha sólo quiere salir de Sacramento, porque es un sitio muy paleto, y vivir en la metropolitana NuevaYork, y lleva su complejo al extremo de hacerse llamar Lady Bird, casi como si fuera Lady Day (Billie Holiday), a tal punto se siente incómoda en su propia piel. Ello no tiene que ver con el hecho de que estudie en un colegio de monjas católicas, un entorno que cuando aparece en el cine americano se presenta de forma más pintoresca o excesiva que aquí (recuerden, pero no se les ocurra volver a ver, «Superstar», versión histérica de este mismo tipo de estudiante católica). Parece ser que Gerwig está contando parte de su propia vida y eso explica su mirada ponderada; la película parece llevar inscrita en su textura la forma en que la distancia que da el tiempo nos permite ver mejor las cosas que en su momento nos amargaron la existencia.

Y eso es todo, realmente, no hay grandes eventos y no hay grandes traumas en juego, aunque no se les ocurra decirle eso a esta lady Pájaro, que lo sufre todo con la intensidad de una adolescencia convulsa. Su madre (grande Laurie Metcalf) no es tan agresiva con ella como imagina: aunque parece que sólo se encuentran en el ring –discutiendo–, la película le ofrece un maravilloso climax dramático en el momento de la despedida. Y su hija Christine, no se lo digan a nadie pero este es su nombre real, es un retrato tan realista que Saoirse Ronan debería ganarse todos los premios del año. Y para acabar con Greta Gerwig, ¿es lícito ver un punto de vista de mujer en el hecho de que la felicidad o la meta de su protagonista no dependa de encontrar pareja?

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Parece que Gerwig está contando parte de su propia vida

ANTONIO
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Crítica de Cuando dejes de quererme: Intriga en tres tiempos

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Le sobran muchos clichés de polis y de los vascos y las vascas

Oti Rodríguez Marchante

Película que se asoma a varios géneros (incluso, que casi lo es, el género hispano argentino), pero que se ve bien reflejado solo en uno: el de la intriga gracias a un ramillete de preguntas que propone el argumento: ¿qué pasó?, ¿quién fue?, ¿por qué lo hizo?… Es un melodrama familiar con los ropajes de un «thriller» y ligeros toques de maquillaje de película romántica. La estructura narrativa es compleja, de tiempo revuelto: arranca con un «flashback» que se olvida hasta prácticamente al final, cuando la historia vuelve a su presente (alguien muere en Buenos Aires, en una cama de hospital, y una joven mira el sobre cerrado que le deja); el relato retrocede hasta que esa misma joven viaja a España, al País Vasco, al pueblo vizcaíno de Durango, donde se revelaran asuntos que pertenecen a otro pasado, otra familia, lo cual exige y facilita un nuevo «flashback» años sesenta, pasiones, traiciones, apuntes de una ETA naciente…

Cuando dejes de quererme

El director, Igor Legarreta, dosifica las intrigas para envolver al espectador en el suspense de unos hechos pasados y de unos amores raros, y en la investigación que se funde con cierto tono de comedia (gran actor Eduardo Blanco) y con una historia casi romántica entre el agente de seguros Miki Esparbé y la sorprendente Flor Torrente. Y también aprovecha Legarreta la atmósfera y el «skyline» de la zona, con el imponente monte Amboto para darle carácter a una historia tristona de unas gentes muy poco alegres. Le sobran muchos clichés de polis y de los vascos y las vascas, pero dónde no
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Crítica de Deber cumplido: El tercer tiempo de la guerra

Tres soldados regresan de la guerra con los cuerpos y las mentes descosidos. Nada que no pasara hace siglos o que no contara hace más de setenta años William Wyler en «Los mejores años de nuestra vida», referencia esencial del cine posbélico que no esconde Jason Hall. El guionista de «El francotirador» adapta esta vez la novela de David Finkel y la ilustra con actores poco conocidos o sacados de contexto, como la cómica Amy Schumer. Su manejo del reparto es eficaz y aporta verosimilitud.

En la puesta en escena, el cineasta no hace alardes. Visto con buenos ojos: se busca los problemas justos, mientras una leve trama de intriga hace llevaderos los traumas de los protagonistas, por lo general abandonados a su suerte y recibidos con la conocida mezcla de indiferencia y menosprecio, aunque sin llegar a fabricar ningún Rambo. Quizá resulte excesivo que en una muestra tan pequeña se acumulen tantos traumas, interiores y exteriores, pero cada uno elige a los protagonistas que quiere y cuenta la historia que le sale del alma. Como innecesaria coartada, la historia está basada en hechos reales y el «tercer tiempo» es a veces el peor en cualquier contienda.

Deber cumplido

La película nos recuerda también –y quizá haga falta– lo mala que es la guerra, sin discursos ni exceso de consignas. Es un buen recordatorio de la paradójica evolución de la humanidad, torpe para resolver algunos problemas básicos pero con una capacidad asombrosa cuando se trata de perfeccionar «el arte de la guerra». Además de matar cada vez mejor, como especie hemos aprendido a dejar unas secuelas tan sofisticadas que no hay sistema sanitario (y menos el de algunos países) capaz de proporcionar alivio.

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El cineasta no hace alardes

Federico Marín Bellón
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Crítica de The Party: Perfectos desconocidos

The Party

Esta es la quinta reseña en pocos meses de una película que si fuera un chiste empezaría, Van cinco amigos o familiares y se juntan para una velada que enseguida se convierte en una tormenta perfecta… Todo empieza en plan amable masterchef cocinando en alegre compañía pero el temporal arrecia pronto con una lluvia de acusaciones, revelaciones, adulterios, cambios de pareja y salidas del armario… Un formato que se antoja antiguo y, desde luego, teatral, este de concentrar conflictos larvados durante años en una unidad de tiempo y espacio perfectamente escénica.

Iba a decir que a lo que más se parecería esto ahora sería a un «reality» pero ya me he desahogado bastante y «The Party» no se lo merece. Es el título más asequible de Sally Potter, que empezó haciendo cine feminista de alta teoría, consiguió adaptar a la Woolf en un «Orlando» a mayor gloria de la androginia de Tilda Swinton y luego… se distinguió sobre todo por su oido para seleccionar la música de sus películas. Aquí su buen oido se amplía para escribir unos diálogos cortantes y brillantes que modulan la cascada de shocks. No vale la pena caer en el spoiler, sólo aventurar que tenemos, seguro, permiso de Potter para reirnos más de una vez de tanta desdicha junta hasta el maravilloso climax final, un gag perfecto: Oscar Wilde lo hacía mejor pero en esta era de «post-humor» aún sorprende la eficacia de la inteligencia para deconstruir un cierto grupo social. Y todavía no hemos empezado a hablar del reparto: en este aquelarre lo mejor son los invitados…

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Tenemos permiso para reirnos más de una vez de tanta desdicha junta hasta el maravilloso climax final

ANTONIO
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Crítica de Black Panther: Un Marvel afroamericano

Black Panther

Película magnífica para respirarla como se respiraban, con una toalla en la cabeza, aquellas ollas de niño que humeaban eucaliptos, aunque aquí en vez de eucaliptos es eufemismos. Superhéroes, afroamericanos al completo, un Shangri La en África como el de Capra, pero en cómic Marvel, realeza, monarquía y tradición, potencia femenina, las drogas naturales, el gran avance tecnológico que no está donde creíamos, sino en el vibranium de la subafricana Wakanda, gran abundancia metafórica solo contrarrestada por el hecho de que aparezca la gran contrametáfora de Andy Serkis a cara descubierta, cosa que no suele hacer.

En fin, una aventura llena de vistosas imágenes, secuencias impactantes de un mundo como imaginado por Tarzán y el Doctor No, y con unos personajes más allá de lo exótico, como el rey T’Challa, su corte de poderosas mujeres (y actrices, Lupita Nyong’o, Angela Bassett, Danai Gurira, Letitia Wright) y ese brujo de la tribu que interpreta, con su ojillo disperso y su convicción habitual, Forest Whitaker. Pero lo mejor, sin duda, son sus villanos, el casi malo Winston Duke y el primo rencoroso Michael B. Jordan. Y que puede darse el caso de que a alguien no le interese el mundo de los superhéroes, ni negros ni blancos, y no le parezca suficiente la profundidad política, ideológica y social de este paseo de Marvel por Wakanda.

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Un Shangri La en África como el de Capra, pero en cómic Marvel

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de La forma del agua: Compasión limpia y sexo turbio

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La apasionada historia de amor está tejida con los mejores hilos del cuento romántico y fantástico

Oti Rodríguez Marchante

De esta película se sale absolutamente empapado, por su forma de gran alberca y por su contenido acuático. Pero, ¿cómo se entra?, desde luego no por las escalerillas de algún borde, sino en plancha, o en «bomba», por su arranque de fábula (voz en off), por su reconocible música de Alexander Desplat, por su estética de un futurismo de anteayer, por ese universo retro y fantástico propio de Guillermo del Toro tan propicio a que otros, como Jeunet, reclamen como «propio», y por esos personajes entre la ingenuidad de «Amélie», la delicadeza de Cocteau y la humedad de alcantarilla. La apasionada historia de amor entre una chica solitaria y muda con un ser anfibio de laboratorio está tejida con los mejores hilos del cuento romántico y fantástico, y con unos nudos de astucia que los atan tanto al cine de serie B de hace más de medio siglo (la atmósfera, el doctor enajenado, el villano extremo y caricaturizado…) como al trasfondo social y «correcto» de nuestro presente (de clase, de sexo alternativo, de respeto «al otro», de multicultura, multiespecie y politeísmo, de comprensión y perversión…).

La forma del agua

En la superficie de la película está la compasión y la relación de amor (y sexo encubierto) entre dos seres atascados en su prisión de monotonía y experimento, pero por debajo, en lo sumergido, en lo abisal, el cuento se adorna con dos personajes positivos excepcionales, su viejo vecino que interpreta Richard Jenkins y su compañera de limpieza, Octavia Spencer, que aporta –sin venir al cuento– los mejores diálogos de la función y una lucidez, gracia y malicia sobre la guerra de sexos que cruza precisamente las líneas rojas que son el fondo ideológico de la historia de Del Toro: compasión, sentimiento, sexo y milagro con «lo otro».

Y se sale absolutamente empapado de «La forma del agua» porque como cuento es adorable, confuso, ni infantil ni adulto. Pero, como realidad es rara y difícil de digerir
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«15:17 Tren a París»: El penúltimo tren de Clint Eastwood

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Tampoco es posible obviar que el reino de Clint ya no es de este mundo

Federico Marín Bellón

Es imposible ver esta película sin recordar (¿añorar?) la carrera y la edad de Clint Eastwood, al igual que algunos no pueden apreciar su obra, gigantesca, velados por sus aficiones bélicas o armamentísticas. La injusticia y la falta de perspectiva impiden a muchos entender que no hay actor más grande detrás de una cámara… con lo que abulta delante. A sus 87 años, el viejo cineasta tiene energía para narrar un acto espontáneo de heroísmo. Su tren a París, quién sabe si el último, contiene escenas a la altura de su talla. Eso es tanto…

Tampoco es posible obviar que el reino de Clint ya no es de este mundo. Aquí filosofa sobre la vida y la muerte. Se pregunta demasiado alto nuestra misión en la Tierra y nos responde que siempre podemos mejorar las cosas, actuar cuando es preciso sin cruzarnos de brazos. Él mismo acierta cuando tiene que narrar con concisión -en una versión terrenal, o menos aérea, del vuelo «United 93» de Paul Greengrass- y divaga cuando no hay un guionista para alegrarle el día. Ahí se le notan demasiado las ganas de dejar un mensaje, cuando su auténtico legado es una filmografía impresionante.

The 15:17 to Paris

En la escritura vuelve a confiar en la guionista de «Sully», Dorothy Blyskal, quien titubea con la estructura, aunque quizá sea una decisión de montaje. El caso es que alguien decidió alterar la narración lineal y «hacer un Iñárritu». Al mexicano le suele salir bien su falta de confianza en el orden natural, pero en el cine de Eastwood, tan cristalino, el invento tiene tanto sentido como colar un alienígena. La cosa es leve, pero lastra el ritmo al principio, por no hablar de su afición woodyallenesca a hacer turismo en Europa. Luego está la dirección fantástica de unos actores que ni siquiera lo son y la magistral manera de colocar la cámara donde menos molesta. Disfruten de lo bueno de Clint, porque no puede quedarnos mucho.

[«15:17 Tren a París»: Un Eastwood de tapadillo
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The Florida Project: Al final del arcoíris

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La grandeza de esta película proviene de haber encontrado un escenario perfecto para constituirse en una metáfora natural

Antonio Weinrichter

Si el mejor cine indie de EE.UU. se define por establecer un «fuera de campo» de la gran industria, la grandeza de esta película proviene de haber encontrado un escenario perfecto para constituirse en una metáfora natural de otro fuera de campo: los moteles que rodean la zona en donde Disney edificó su llamado proyecto de Florida, su campo de sueños, su parque temático de fantasía. Hoy esos moteles baratos (el que ambienta la acción se llama Magic Castle…) no albergan familias felices de camino a Disneylandia sino a un puñado de desheredados del sueño americano; residentes fijos de motel a los que cambian periódicamente de habitación para que no adquieran derechos de residencia como un okupa cualquiera.

Lo dicho, metáfora perfecta y panorama desolador: algunos de esos edificios de chillones colores pastel (la estética Miami más la estética Disney; imaginen) están en ruinas, como una versión pop de esas urbanizaciones abandonadas de nuestra pasada burbuja inmobiliaria. El mérito de Sean Baker (que triunfó con su anterior joya en miniatura, «Tangerine», rodada con… un teléfono móvil) reside en no caer en la pornomiseria, como diría el amigo (e inventor del término) Luis Ospina, ni en el morbo.

The Florida Project

Baker, loado sea «San» Luc Godard, no es Larry Clark ni siquiera Harmony Korine. Los pobres habitantes de este motel son la sal de la tierra, al menos esa pandilla que nos presenta de mocosas asilvestradas de seis años cuyas travesuras pueden ser letales. Pero Baker sabe verlas desde la misma inocencia que ellas conservan intacta y ha tenido la suerte de descubrir en Brooklynn Prince, la protagonista, una mirada al nivel de Ana Torrent o de la Laia Artigas de «Verano 1993».

Generoso, Baker mira con igual falta de moralismo a los adultos –son todas mujeres sin marido– que malcuidan a sus infantes, si bien se reserva un personaje de ángel de la guarda irresistible para el tantas veces inquietante Willem Dafoe. Y nos reserva a nosotros espectadores un final tan emocionante como la canción de «santa» Judy Garland que hablaba de ese arcoíris inalcanzable para estas niñas
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Crítica de El hilo invisible: El buen gusto y el mal sabor

El hilo invisible

Ese hilo fantasma, invisible, al que hace referencia el título se refiere sin duda al que utiliza ese notable director, Paul Thomas Anderson, para coser la relación entre los tres personajes de este relato, un hombre dedicado a su obsesión por la elegancia femenina, su hermana dedicada a limpiarle el camino de impurezas y una mujer que llega al camino para alicatárselo de mundo, demonio y carne. Aparentemente, Anderson propone una panorámica visualmente espectacular sobre la moda de mediados del siglo pasado y sobre los rituales para adornarse por fuera, pero lo esencial, lo mejor de la película, es el modo en que este director tan sumamente malicioso engalana por dentro a sus personajes, y muy profundamente al protagonista, Reynolds Woodcock, de quien conocemos hasta el menor detalle de su personalidad tras el apoteósico retrato que la cámara de Anderson nos brinda como si fuera un pincel: cómo se viste, cómo se peina, cómo mira a «sus» mujeres, cómo persigue lo que quiere y cómo alterna con maestría la distancia larga y corta…, y todo ello volcado sobre la interpretación de Daniel Day Lewis, un actor sublime que vive incrustado en sus personajes como un caracol en su concha y le otorga a este diseñador obsesivo una complejidad y un alma laberíntica que no es nada fácil detectar, entender, con una cabeza en reposo, sin oleajes, y tanto produce irritación, como admiración, como incluso amargor y pena. Pero estamos en una película de Paul Thomas Anderson, ese tipo malicioso que hizo «Magnolia», «Boogie Nights», «Pozos de ambición» o «The Master», y hay que esperar, por lo tanto, que su historia nos provea de al menos una gota de colirio sulfuroso que pique a rabiar y utiliza para ello a los dos personajes femeninos (la hermana, Lesley Manville, tiene un peliculón ella sola), y especialmente el que interpreta Vicky Krieps, la amante, el adorado tormento, ese punto de perversidad, de veneno, que necesita el cine de Thomas Anderson, el ardor entre el frío… Lo justo para voltear todo lo que creíamos haber visto. Mentira: «El hilo invisible» nos cuenta otra cosa, más profunda, más oscura, más temible.

Valoración de ABCPlay

Voltea todo lo que creíamos haber visto

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de Déjate llevar: Primavera en otoño

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Esta comedieta se sostiene casi exclusivamente sobre el placer de ver a Toni Servillo

Antonio Weinrichter

La comedia italiana que añoramos cada vez que pillamos algún título por azar en algún canal de la «red profunda» dependía sobre todo de sus actores, como la española. Una casta aquella, la de Sordi, Tognazzi, los dos Vittorios y hasta Totó, que ni el poético Moretti ni el cargante Benigni pueden aspirar a renovar. Sí podría hacerlo Toni Servillo, veterano astro de la escena que descubrimos con «La gran belleza» o «Il divo», pero que es capaz de redimir levedades del tipo de «Viva la libertad» o esta otra comedieta que se sostiene casi exclusivamente sobre el placer de verle.

Déjate llevar

Servillo es un psicoanalista que detecta en sus pacientes esa «ausencia estructurante» que les amarga la vida pero no la percibe tanto en la suya propia.

Lo que se cuenta aquí es el proceso por el que recupera el placer de vivir, aun a costa de perder su dignidad de profesional asentado que vive puerta con puerta con una «ex» más cariñosa que muchas legítimas; vamos, que no le va mal del todo. Y decía casi porque hay que mencionar a una estupenda Carla Signoris, la «ex» discreta y elegante hasta en los reproches que lanza al egoísta Servillo. Y, desde luego, a Verónica Echegui que es lo contrario, un torbellino de vitalidad que le remueve los músculos y las telarañas mentales al freudiano. Es un papel tópico de española (como el artículo ese del «Times») pero Echegui, que ya demostró su vis cómica en aquella película del karma (de título demasiado largo para citarlo aquí, que cuenta cada espacio), consigue el pequeño milagro de que no se hunda en el tópico o el desmadre. Lo mismo no puede decirse del argumento de la función
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Crítica de El Cuaderno de Sara: Aventura dentro de la coctelera africana

El cuaderno de Sara

De entrada, esta es una película a la que hay que dedicar una batería de elogios, pues se hace muy evidente los innumerables problemas que su producción y su rodaje le han tenido que ocasionar al equipo técnico y artístico. Los productores, el director y sus actores se merecen, sin duda, un aplauso por empaquetar con profesionalidad e interés una historia filmada en zonas de África, urbanas y selváticas, abiertas como un coco, en las que el guion es un accesorio al que no es fácil verle la utilidad: lo visible, lo real, lo cotidiano, es insuperable. No obstante, hay un guion (y hecho por un reputado guionista, Jorge Guerricaechevarría), una previsión de relato que nos sitúa en una historia de aventuras selváticas, de intrigas familiares y de relaciones extremas: una mujer busca a su hermana desaparecida en la selva y entre las diversas guerrillas que se disputan territorio y la explotación de ese mineral llamado coltán, muy apreciado en microelectrónica… Belén Rueda es una especie de capitán Willard, un extraño que se adentra en ese mundo de locura (el «Corazón de las tinieblas» de Conrad o el «Apocalypse…» de Coppola) tras las huellas del coronel Kurtz, aquí el médico que interpreta Marián Álvarez con menos ínfula y magia que Brando, y ese viaje es la esencia de la película, lo que encuentra, lo que ve, lo que soporta, las mil tragedias que estaban allí antes de que llegara ella y que continuarán después, y acierta Norberto López Amado, el director, al no entretener el viaje (la aventura, la intriga) para reportajear y editorializar sobre ello. Deja que sea su protagonista, una magnífica Belén Rueda, quien asuma los desgastes de la tragedia, que notemos en su progresivo deterioro todo el horror, sin necesidad de subrayados. Y si la película no entrara en algún explicado familiar y evitara alguna persecución y escena de «tiros» y flautas, aún ganaría en verosimilitud.

Valoración de ABCPlay

Una película a la que hay que dedicar una batería de elogios

Oti Rodríguez Marchante
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