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Crítica de «El castillo de cristal»: La familia mancha

Melodrama familiar en dos tiempos y basado en las memorias de Jeannete Walls, escritora que narró con gran éxito su trayectoria vital junto a un padre alcohólico y excéntrico, una madre chalada y sus tres hermanos que tuvieron que ingeniárselas para sobrevivir en un ambiente descuidado, nómada y radical. La película recoge ya al personaje central, Jeannette, en edad adulta y socialmente adaptada (se va a casar con el antípodas paterno, alguien con dinero y posición social), pero su presente se entrelaza en imágenes con su demencial pasado.

El castillo de cristal

El director, Destin Cretton («Las vidas de Grace»), atiborra la narración de «flashbacks», de anécdotas de lo vivido por esa familia en la que la figura del padre se dibuja como una influencia maligna, pero también como alguien de poderosa imaginación y profundo sentido de la «libertad», y sobresale sobre todo lo demás el trabajo de Woody Harrelson, tan eficaz en hacerse odiar como en resultar descorazonador y entrañable.

El título alude a los sueños incumplidos, y traza una línea equidistante entre lo alternativo (educación, relaciones, vida…) y lo estable, y deja una impresión reconciliadora entre el pasado perverso y el presente comprensivo. Brie Larson (Oscar por «La habitación») entiende y transmite a la perfección el conmovedor trayecto de su personaje y su compleja y emotiva relación con los sueños y pesadillas paternas. Podría haber sido una película de agresiva dureza, pero decide dirigirse más al corazón que a la tripa.

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Podría haber sido una película de agresiva dureza, pero decide dirigirse más al corazón que a la tripa.

Oti Rodríguez Marchante

Dirección: Destin Cretton.

Intérpretes: Brie Larson, Naomi Watts, Woody Harrelson
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Crítica de «Sólo se vive una vez»: Busca tu refugio

Un involuntario testigo de un crimen debe buscar refugio escondiéndose en el último lugar donde puedan pensar en buscarle, que resulta ser una residencia para judíos ortodoxos. ¿Les suena? Sí, igual que «Unico testigo» o, mejor aún, «Bola de fuego». Repetir esta ocurrencia narrativa con tan ilustres precedentes no sería problema si no fuera porque lo que sigue es una especie de desastre. Tras algunos gags decentes que surgen de la inadecuación del refugiado a la comunidad que le acoge, y salvando el cabreo que les pueda producir a los judíos que los presenten como tontos, la película revienta pronto todos los códigos de verosimilitud.

Solo se vive una vez

El protagonista, que en la secuencia inicial se revela como un buscavidas más o menos casposo, se destapa luego como un formidable luchador que pondría en aprietos a Van Damme o a Jackie Chan, porque el tono de la película va de baja sátira.

Santiago Segura, que continúa su periplo argentino como malote de poca broma, ha hecho esto mejor en su saga de «Torrente». Hugo Silva, de mafioso rumano con acento de nazi de película mala, por lo menos da el pego en lo físico. Y a Depardieu le piden que copie una escena de De Niro haciendo de Capone. El espectador se acabará viendo reducido a buscar su refugio haciendo chistes malos como estos so pena de cogerse un rebote. ¿Dónde dice que todo vale en el cine de entretenimiento?

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¿Dónde dice que todo vale en el cine de entretenimiento?

Antonio Weinrichter

Dirección: Federico Cueva.

Intérpretes: Gérard Depardieu, Santiago Segura, Hugo Silva y Peter Lanzani
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Crítica de «Le redoutable (Mal genio)»: El irritante Godard, irritado

Es más conocida la personalidad y la capacidad de provocación de Jean-Luc Godard que sus películas en general, y el director Michel Hazanavicius, también sobrado de personalidad y de voluntad provocadora, recoge al personaje para hacer un mixto de biografía y caricatura.

Mal genio

La adoración (como el rechazo) a Godard por parte de sus muchos admiradores lo convierten en una especie de divinidad, con lo que «Le redoutable» es considerada una película maldita en esos círculos cinematográficos. Como no estamos dentro de un círculo, hay que admitir que Hazanavicius hace una película muy divertida e irrespetuosa con el santón, puntuando todas las contradicciones artísticas, ideológicas y sentimentales del director suizo, y ofrece sus dos caras: la más frágil física (gafas rotas) e intelectualmente y la más antipática, sectaria y de gran plasta (qué gran escena en la que Bertolucci le llama tonto).

Se basa Hazanavicius en la biografía de la actriz Anne Wiazemsky, su pareja durante «Un año ajetreado», y se ciñe a su época maoísta cuando rodó «La Chinoise» y se puso a convivir con ella. Los elementos que hacen burbujeante la película son una buena recreación de lugares y épocas, una buena reinterpretación del uso y mezcla de elementos visuales y materiales que propician un «paisaje godardiano» (cartelería, aroma documental, signos y formas), un ácido sentido del humor y una interpretación sorprendente de Luis Garrel, que le pone una perfecta vestimenta «gilí» al intocable Godard.

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Hazanavicius recoge al personaje de Godard para hacer un mixto de biografía y caricatura

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de «Una mujer fantástica»: Superheroína sin escudo

Una mujer fantástica

Los minutos más interesantes -que nadie se despiste por el título y piense que es la versión chilena de «Wonder woman»- son destripados sin piedad en cualquier sinopsis oficial. Desde aquí no contribuiremos a arruinar la bendita ingenuidad del espectador, sobre todo porque después de esos primeros metros es más difícil seguir el paso a Daniela Vega, quien acapara un protagonismo absoluto con su voz, su cuerpo y su personalidad.

Cuando al guión se le acaba la gasolina, sin embargo, el despliegue no alcanza. Ella sigue de una pieza, soportándolo todo, pero no es probable que el público iguale su entereza, aunque tampoco falta quien describe la media hora final como «almodovariana». Sebastián Leio, conocido sobre todo por «Gloria» (2013), está de moda con esta sabia mezcla de drama e intriga, al menos en su arranque. Su obra acapara premios, incluido un Oso berlinés por el libreto, y aspira a luchar también por el Oscar en representación de Chile.

Puede que lo mejor de «Una mujer fantástica», además de la idea motora, sea la contención reivindicativa. Lelio expone lo difícil que es vivir en determinadas circuntancias, con un cuerpo en transición, expuesto a la intolerancia. La causa ha ayudado a la cinta, que redobla el favor al no abusar de ella, ni siquiera cuando le habría venido bien para no desfallecer. La recompensa es doble, Vega es ya una estrella en su país y al director le ha servido para estrenarse en Hollywood. Como Almodóvar, ahí se parece más a Pedro, será muy querido por sus actrices. No debería olvidar el cariño del público.

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Lo mejor de «Una mujer fantástica», además de la idea motora, es la contención reivindicativa

Federico Marín Bellón

Dirección: Sebastián Lelio.

Intérpretes: Daniela Vega y Francisco Reyes
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Crítica de «Canción de Nueva York»: La pesada sombra de Woody Allen

Una película que empieza con la inefable voz en off de Jeff Bridges añorando un Nueva York que se fue… ¿Qué puede salir mal? Bridges aparece luego como personaje; no es uno de sus mejores papeles y parece existir sobre todo para encarnar un giro narrativo más bien efectista. Sale también Kate Beckinsale, que vuelve a sorprendernos: está mejor seduciendo seres vivos que matando zombies; y otros actores de un reparto como poco, sólido.

Canción de Nueva York

Uno disfruta, y perdona, los (d)efectos secundarios de una obra un poco relamida: los diálogos de tipo «literati» neoyorquino, la pesada sombra del neoyorquinismo de Woody Allen que de manera inevitable y quizá injusta planea sobre una película así, recurrir sin ganárselo del todo a hitos musicales de Simon & Garfunkel y Bob Dylan («Ah -dice Bridges, casi en modo El Nota- tienes “Visions of Johanna”»). El gran problema es el protagonista: un jovencito poco hecho, al que no ayuda la interpretación de un tarugo de madera llamado Callum Turner, pero sobre el que gira todo el punto de vista de la narración hasta un extremo de narcisismo masculino que lo hace intragable.

Una película que narra un proceso de maduración no puede arriesgarse a perder la simpatía por su personaje central, por muy bien arropado que esté.

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Uno disfruta, y perdona, los (d)efectos secundarios de una obra un poco relamida

Antonio Weinrichter

Dirección: Marc Webb.

Intérpretes: Callum Turner, Kate Beckinsale, Pierce Brosnan, Jeff Bridges
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Crítica de «La suerte de los Logan»: Atraco pluscuamperfecto

Demos gracias a Hollywood por permitir que un director como Steven Soderbergh siga haciendo de las suyas, es decir, alternar obras más experimentales con otras descaradamente comerciales pero que exhiben una inteligencia y un placer por hacer cine sólo comparable al de Brian De Palma, Quentin Tarantino…

La suerte de los Logan

Esta delicia que nos entrega ahora no tiene gran cosa de original, de hecho es como una versión «low cost» de su saga de atracos perfectos en Las Vegas, planeada en este caso por una banda que, aparte de tener fama de gafes, parecen al principio estar cerca de ser el escuadrón metelapata. No son superhombres, desde luego, pero Soderbergh no se rebaja a hacer de ellos, o de la trama, algo demasiado caricaturesco; su mérito consiste en moverse en la delgada franja entre lo inverosímil que tienen siempre estos atracos cuyo éxito depende que un camello pase por el ojo de una aguja (o alguna imagen más afortunada) y la tentación de disfrazar la falta de credibilidad con explosiones y tiroteos.

Parece mérito menor no caer en trampas casi inevitables en un género tan desgastado. Pero el mérito surge del profesionalismo casi clásico -por poco efectista- con el que el cineasta se plantea su trabajo de poner en escena (y fotografiar, y montar) su teatrillo.

Ayuda mucho que haya sabido escoger un reparto que se funde con sus personajes sin distraernos (cosa imposible cuando trabajas con Clooney, Pitt y la Roberts, por motivos obvios), y valga esto para elogiar al protagonista Channing Tatum. Aparte de él, es curioso que los más discutibles del reparto son los más estrellas: entendemos que Daniel Craig no haga comedia (aunque yo me divertí con él, se pasa tanto que parece estar en otra película) y Hilary Swank parece sumar méritos para hacer de Clint Eastwood, también en otra película que esta.

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Demos gracias a Hollywood por permitir que un director como Steven Soderbergh siga haciendo de las suyas

Antonio Weinrichter

«La suerte de los Logan»

Dirección: Steven Soderbergh.

Intérpretes: Channing Tatum, Adam Driver, Daniel Craig, Katie Holmes
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Crítica del «Blade Runner» de Ridley Scott, publicada por ABC en 1983

El cine, como «imagen de la realidad» que es en su esencia, ha jugado, desde Meliés, a mostrarnos más de una vez el futuro. Futuro imperfecto, como aviso de nuestras imperfecciones actuales, o futuro esperanzador, como afirmación de esa esperanza.

Blade Runner: el montaje del director

El futuro que nos muestra Ridley Scott, con la ayuda inapreciable de la fotografía –claroscuros inteligentemente situados, iluminaciones con aire fantasmagórico– y de los efectos especiales, es un futuro posible, degradado por la masificación y la promiscuidad. La historia de Deckart tiene, como fondo de su persecución de los «replicantes», un problema metafísico: el de la auténtica esencia del hombre. El problema que se enuncia a base de tres preguntas absolutas: ¿Quién soy, de dónde vengo, adónde voy? No hay suficiente profundización ni, por lo tanto, una respuesta concreta al intento de Batty, y de los otros tres «pellejudos», para encontrar a Tyrell, a su «padre», a su «dios», y obtener de él una prórroga de vida.

«Blade Runner» es
una película irregular, con momentos inspiradísimos, plásticamente logrados, con una realización a veces fascinante y una atmósfera lúgubre y brillante a la vez. Una obra llena de sugerencias, donde hay, además, un buen reparto liderado por Harrison Ford
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«El jardín de Jeannette» (**): Cuadro impresionista y sutil

Stéphane Brizé relee a Maupassant, un autor mucho menos conocido pero tan adaptado como Stephen King, a veces por directores tan sobresalientes como John Ford y Luis Buñuel. De hecho, «El jardín de Jeanette» no es la primera versión de «Una vida». Brizé pinta un cuadro impresionista, protagonizado con estilo y un gasto mínimo en gestos por Judith Chemla.

Ella es Jeannette, una joven que tiene la desgracia de casarse con un hombre miserable e infiel, una flor que se marchita, castigada por los temporales de la vida. Todo transcurre en Normandía, a comienzos del siglo XIX, cuando las cosas transcurrían más despacio, la gente escribía cartas y el mal de amores no tenía cura. En esto no hemos cambiado tanto.

El jardín de Jeannette

La propia cinta parece de otra época, con una sensibilidad que, me temo, no llegará al público con la suficiente intensidad, sobre todo porque los espectadores nos hemos vuelto vagos e impacientes. Quienes conservan ese olfato de sumiller han sabido apreciar los sutiles olores y matices de este drama terrible, narrado con una contención excesiva. Incluso el acto amoroso es retratado como una simple descarga, sin preliminares ni pasión, como una función más del organismo. El director, que el año pasado estrenó «La ley del mercado», ha recibido el aplauso casi unánime de la crítica, pero no ha terminado de triunfar en los festivales, que parecían propicios. Falta el veredicto del mercado, que debería conocer bien.

Valoración de ABCPlay

Un cuadro impresionista, protagonizado con estilo

Federico Marín Bellón
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Toc toc (***): Enredo maniático

Toc toc

Esta adaptación de una obra teatral de éxito que el cronista había tenido ocasión de sufrir en escena mejora al original por el mero hecho de tener un reparto carismático que hará las delicias de quien se acerque a verla sin poner muy alto el listón de las exigencias. El argumento sigue las pautas mecánicas de un juguete cómico con alguna sorpresa final: seis pacientes aquejados de un trastorno obsesivo compulsivo (TOC, ya saben de donde viene el título) se encuentran en la sala de espera de un terapeuta que no acaba nunca de llegar, lo que les obliga a iniciar una forma de conversación y salirse de su burbuja de sufrimiento cotidiano.

Sus trastornos son objeto de chanza durante una buena parte de la trama; una insistente musiquita nos incita a verle la gracia a sus manías respectivas. Menos mal que el trabajo de los actores contribuye a humanizar a estos locos de atar, alejándolos de la pura caricatura, para luego tentar el patetismo en un ensayo de autoterapia que sirve de climax emocional. Desde el punto de vista cinematográfico, el reto de un escenario único y una fábula en tiempo real se soluciona «aireando» la pieza al presentar a los personajes (aquí Rossy de Palma está que se sale) y recurriendo luego a un montaje ágil que pretende ofrecernos en primer plano cada uno de los tics de estos tocs. Alexandra Jiménez está más allá del elogio: su loca puede carecer de densidad como personaje pero la actriz es una máquina de precisión milimétrica, admirable, muy divertida. A su lado, hasta Oscar Martínez parece trabajar a medio gas con el chiste único que le permite su síndrome.

Valoración de ABCPlay

Alexandra Jiménez está soberbia

ANTONIO
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Morir (**): Amargor a palo seco

Morir

Si hubiera que traducir a Fernando Franco por sus dos largometrajes, «La herida» y este que hoy se estrena, «Morir», su traducción en bebida sería un «bitter», y si hubiera que ponerle un cartel, sería «¡Cuidado, amarga!». Y ese amargor, que le ha dado cierto prestigio entre la crítica, es total, pues no vuelca ni un grano de azúcar en su cine.

«Morir» es una historia tan común como insoportable: trata de una pareja en la que él se está muriendo de cáncer y ella (nuestro punto de vista) refleja todo el proceso de esos terribles momentos que, por otra parte, no hay espectador que no haya vivido en primera, segunda o tercera persona.

¿En qué consiste la novedad de esta película?…, pues en que ni siquiera proporciona el enganche de un personaje atractivo en su derrumbe físico, emocional y que traspase «algo» que merezca la pena ver o escuchar (caso de Darín en «Truman» o de Sacristán en «El muerto y ser feliz»).

La sordidez del trayecto a palo seco, la aceptación, el martirio, el sacrificio, el rechazo, el miedo, las dudas…, y sin otro consuelo cinematográfico que asistir al buen trabajo de la actriz Marian Álvarez, en cuyo rostro están todos los pasos de ese viaje, y a una cuidada imagen cargada de temperatura y simbología. Vale, la veo, pero, ¿para qué?

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Una historia tan común como insoportable

Oti Rodríguez Marchante
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Blade Runner 2049 (****): Más que una secuela, menos que el original

Blade Runner 2049

Habría que evitar algo inevitable: comparar esta película de Denis Villeneuve con la original que ha permitido su clonación, la obra maestra de Ridley Scott que fundamentó los mayores cambios estéticos, arquitectónicos, éticos y climáticos del cine, la película que siempre está, y probablemente estará, por delante de la actualidad, y que aún hoy, treinta y cinco años después, aún deja atrás en el tiempo artístico a su secuela, que es una muy buena clonación, que comparte guion (Hampton Fancher), relato, clima, personajes y hasta incluso propone su particular reflexión sobre el alma humana y su replicante.

A aquel Blade Runner llamado Rick Deckard (Harrison Ford) lo sustituye otro «retirador» de replicantes llamado K (Ryan Gosling), y funciona y tiene interés y profundidad toda la trama de búsqueda y encuentro entre ellos dos, que le procura a este «2049», aliñada con el dilema de la identidad (¿qué soy?), lo hipnótico y romántico del ensueño (el holograma como deseo y como memoria, y uno vuelve a ver ahí a Sean Young y añora la música de Vangelis) y el conflicto «revolucionario» con una sutil disputa por la humanidad entre los, digamos, nacidos y los construidos… Y hay momentos sublimes de lirismo entre K y su compañera evanescente, Joi (Ana de Armas), y el mejor de todo el film, tanto de visualidad como de concepto, con la doctora Ana Stelline (Carla Juri), la creadora, el milagro, que sería el equivalente a las lágrimas en la lluvia de Rutger Hauer y que le otorga el aroma a génesis bíblica a una historia post apocalíptica y que borra milagrosamente el cordado genético y el cordón umbilical.

No encuentra Villeneuve una alternativa potente a la Tyrell Corporation, a esa (re)pulsión que había entre creador y criatura. No hay belleza ni grandeza en la crueldad, y el personaje villano de Jared Leto flota en la trama sin llegar a hacer pie. Es una magnífica película, pero de este año y, a lo sumo, del próximo.

Valoración de ABCPlay

Es una magnífica película, pero de este año

Oti Rodríguez Marchante
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«Blade Runner», de Ridley Scott (la crítica de ABC en 1983)

Blade Runner: el montaje del director

El cine, como «imagen de la realidad» que es en su esencia, ha jugado, desde Melles, a mostrarnos más de una vez el futuro. Futuro imperfecto, como aviso de nuestras imperfecciones actuales, o futuro esperanzador, como afirmación de esa esperanza.

El futuro que nos muestra Ridley Scott, con la ayuda inapreciable de la fotografía –claroscuros inteligentemente situados, iluminaciones con aire fantasmagórico– y de los efectos especiales, es un futuro posible, degradado por la masificación y la promiscuidad.

La historia de Deckart tiene, como fondo de su persecución de los «replicantes», un problema metafísico: el de la auténtica esencia del hombre. El problema que se enuncia a base de tres preguntas absolutas: ¿Quién soy, de dónde vengo, adónde voy? No hay suficiente profundización ni, por lo tanto, una respuesta concreta al intento de Batty, y de los otros tres «pellejudos», para encontrar a Tyrell, a su «padre», a su «dios», y obtener de él una prórroga de vida.

«Blade Runner» es una película irregular, con momentos inspiradísimos, plásticamente logrados, con una realización a veces fascinante y una atmósfera lúgubre y brillante a la vez. Una obra llena de sugerencias, donde hay, además, un buen reparto liderado por Harrison Ford
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