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Crítica de «Bienvenidas a Brasil»: Despedida de soltera

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El nivel de humor grosero se reserva para un par de lamentables escenas de fiesta que parecen sendos anuncios de Río de Janeiro como capital del turismo sexual

Antonio Weinrichter

Cuatro amigas se reúnen después de unos cuantos años para asistir a la boda de una. ¿Estamos ante otra apropiación femenina de ese género (pónganle el prefijo sub-) de comedia masculina cuyo título empieza por «Resacón en…»? Pero eso ya lo hizo «Plan de chicas», en donde además eran negras y salía Tiffany Haddish. Aquí no sale Tiffany y el nivel de humor grosero se reserva para un par de lamentables escenas de fiesta que parecen, «party», «party», sendos anuncios de Río de Janeiro como capital del turismo sexual. Ni les cuento el episodio que viven después en una favela: los tópicos sobre Brasil siguen pesando como una losa sobre toda la película, y tal parece que alguien del equipo decidió rodar allí para hacerse un plan de vacaciones o algo.

Nuestras amigas huyen de Río para salvar sus vidas y recorren en coche las enormes distancias del país «brasileiro»: cada persona o paisaje que pudieran encontrar tendría más interés que ellas. Solo un director carente de talento sería incapaz de sacarle partido a semejante «road movie». Mientras tanto, el padre del novio supera los tópicos del suegro y se convierte en un monstruoso dictadorzuelo: como el actor es bueno -es lo mejor del reparto-, la película se queda demasiado tiempo con él y su comando de torturadores, olvidando que debería hacernos sentir algo de empatía con las chicas en fuga. Y así todo. Y encima un cónsul, personaje memo sin igual, se permite citar «La aventura es la aventura», ejemplo de película comercial francesa que al menos conseguía eso de la empatía y la risa… aunque iba de machirulos. Lo de que sean mujeres, y acosada al menos una de ellas, le basta a esta; no sé si a nosotros
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Crítica de «Llenos de vida»: La comedia humana

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Bacri y Jaoui brillan a la hora de convertir esa fiesta triste en un modelo de relato descentrado y visual, que evoca el cine de renoir

Antonio Weinrichter

Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri son viejos conocidos del cinéfilo atento desde que los descubrimos, de la mano del gran Resnais, en «On connait la chanson». Pareja en la vida real que esa misma vida separó, siguen siendo cómplices en la pantalla como guionistas, actores y realizadora ella, las más de las veces.

Su obra ocupa un espacio híbrido en el mapa del cine francés: no encaja en el riguroso modelo del cinema de autor pero tampoco en el de esas comedias o dramas «comerciales» que por algún motivo llegan con tanta frecuencia últimamente a nuestras salas. Entiéndase, Jaoui y Bacri hacen películas excelsamente accesibles pero el rigor con el que están escritas (el suyo no es un cine del cuerpo pero sí, desde luego, de la palabra reina) las eleva sobre esa medianía complaciente que tiene tanto miedo de que el espectador se aburra.

Y lo mejor es que alcanzan la excelencia sin pretensiones, como en aquella época en que no existía esa dicotomía entre cine de arte y cine de un gran público… que ya no va a las salas. El tema de «Llenos de vida» (incomprensible título español) es uno y trino, lo que quiere decir que no hay un gran mensaje encriptado, solo un episodio de la gran comedia humana.

Una fiesta en una «maison de campagne» reúne a famosos de diversas generaciones y diverso grado de (an)alfabetismo tecnológico: la camarera en perpetuo estado de alerta «selfie», los «influencers», la estrella decadente de un programa de tele en la era de las redes sociales… La edad es un tema asociado: la arrogancia de los jóvenes, maduritos otoñales con parejas primaverales, y el pavoroso paso del tiempo.

En esa gran mansión, como en toda obra que observa la comedia humana en una noche de verano, hay enredos, enamoramientos y rupturas… Bacri repite su patentado e irresistible modo de ogro; Jaoui es aquí una idealista que quiere llevar una refugiada afgana a su programa de cotilleos… Pero, sobre todo, Bacri y Jaoui brillan a la hora de convertir esa fiesta triste en un modelo de relato descentrado, visual y dramáticamente, que evoca el gran cine de Altman o, un poco más lejos, de Renoir. Para mí, no cabe mejor elogio
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Crítica de «Misión imposible: Fallout»: Un cóctel agitado, batido e imbatible

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No sólo es la mejor película, sino también la que ofrece ya un frutero lleno de emociones maduras y relaciones más complejas y dignas

Oti Rodríguez Marchante

A las películas de Ethan Hunt y su equipo de agentes especiales se sabe a lo que se entra y cómo se sale: se entra a pasar el rato y a ver cómo el cine apura hasta la última gota de sus posibilidades de espectáculo mayúsculo, y se sale completamente despeinado. Esta es la sexta película de la serie y no sólo es la mejor, sino también la que ofrece ya un frutero lleno de emociones maduras y relaciones más complejas y dignas de no pasar inadvertidas entre el ruido, la furia y la espectacularidad… El personaje que interpreta Tom Cruise y la relación única e inimitable con el que encarna Michelle Monaghan (su amor, su esposa, su talón de Aquiles y su renuncia absoluta) adquiere tonalidades mayúsculas, que aún se rizan más con la consolidación de Rebecca Ferguson en el paisaje de las escenas de acción del grupo y en el elemento romántico de Ethan Hunt. La mezcla de fragilidad y fortaleza que ambos personajes femeninos le proporcionan a la personalidad de Hunt, lo equilibran fabulosamente entre la lírica y la épica.

Luego está la aventura, la misión imposible, el ritmo y la tensión insoportables, todo ello a cargo otra vez del director Christopher McQuarrie, con el que Tom Hanks también mantiene un peculiar entendimiento sobre la física y la química del héroe (ambos lo tratan igualmente en Jack Reacher, personaje por el que Cruise tiene debilidad). Pero Ethan Hunt es insuperable, como Bond o Bourne, y aquí se le ve «crecido», «mayor», en todos los sentidos. Aunque repetidos película tras película, los momentos rociados con adrenalina aparecen aquí como nunca vistos, y las persecuciones y números de riesgo son absolutamente magistrales: motos, coches, helicópteros…, y una constante, persistente y machacante cuenta a atrás que le exprime hasta la última gota de adrenalina a la trama.

Como es natural, en esa trama se enredan diversos hilos narrativos y nudos de espionaje, aunque todo es un gran macguffin para disfrutar la esencia de la función: llegar hasta donde no se puede llegar, y jugarse la vida en ello, tanto el personaje como el actor, que ambos comparten un algo de «suicida»: Cruise es Hunt hasta casi sus últimas consecuencias, incluidas roturas y accidentes de rodaje. En fin, que lo que ofrece esta última “Misión imposible” es ni un gramo menos de todo
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Crítica de «Vacaciones con mamá»: Agradable escapada

Los jóvenes no saben quién es Miou-Miou –ni muchos viejos– pero la protagonista de «Los rompepelotas» (1974) sigue en activo y tiene casi diez años más de los que representa en pantalla. En «Vacaciones con mamá» cumple 60 y, más para olvidar penas que para celebrarlo, se va de vacaciones con su dos hijas a la exótica isla de Reunión.

El punto de partida de esta nueva versión de una comedia danesa no parece gran cosa y la puesta en escena tampoco es especialmente llamativa. Los personajes tienen además cierta querencia al tópico, en un reparto en el que, con permiso de Miou-Miou, no hay estrellas de relumbrón. Por todo lo dicho, llama aún más la atención que la cinta funcione, con sus altibajos, y que la historia, sin perder su ligereza o precisamente por no caer nunca en la pretenciosidad, gane interés a medida que pasan los minutos. La duración es de 95 minutos, otra virtud nada desdeñable.

Eloïse Lang, directora e integrante del amplio equipo de guionistas, desliza una visión femenina del amor y la vida, más combativa de lo que aparenta. Su humor es casi siempre elegante y, sobre todo, sabe amagar con los estereotipos para darles la vuelta a tiempo de sorprender. Es su segundo largometraje, pero se lo toma con la naturalidad de quien ha rodado decenas. Ni siquiera cuando sus personajes más sabios imparten alguna lección caen en la suficiencia. En los últimos tiempos da la sensación de que nos llega mucho cine francés, como si los filtros se hubieran relajado. En este caso hay poco que objetar.

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El punto de partida de esta nueva versión de una comedia danesa no parece gran cosa y la puesta en escena tampoco es especialmente llamativa, por lo que llama la atención que la cinta funcione

Federico Marín Bellón
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Crítica de La revolución silenciosa: No sin mi amigo

El director alemán Lars Kraume dirige y escribe «La revolución silencios»a a partir de los hechos reales descritos en la novela autobiográfica del recientemente fallecido Dietrich Garstka, «The silent classroom», publicada en 2006.

La revolución silenciosa

Ambientada en la ciudad de Stalinstadt (actualmente Eisenhüttenstadt), en Brandenburgo, la película recrea magistralmente un episodio vivido en la Alemania del Este en la época de las revueltas húngaras contra el poder soviético en 1956. Un grupo de jóvenes a punto de graduarse decide guardar dos minutos de silencio en clase en protesta por la represión soviética en Budapest. El resultado es una investigación por parte de las autoridades académicas para destapar a los supuestos cabecillas de semejante acto contrarrevolucionario. La solidaridad entre los compañeros será interpretada como un gesto subversivo antisocialista, y ello tendrá consecuencias desastrosas para los chicos y sus familias.

La película tiene como base un guion de hierro que hila las diversas tramas con un magnífico pulso narrativo, un intenso sentido del suspense y una profunda hondura dramática. A la compleja reflexión política sobre la profunda irracionalidad del totalitarismo, se añaden conflictos morales interesantes relacionados con la culpabilidad, el compañerismo, las relaciones paternofiliales, el sentimiento religioso, el miedo a la verdad o las lealtades excluyentes. A pesar de lo dramático de las situaciones y del sufrimiento de los personajes, la película ofrece una salida esperanzada, no solo por la resolución de la historia, sino por la fe positiva que profesa en el ser humano y en su capacidad de nobleza.

La puesta en escena es muy eficaz, enmarcada en una brillante dirección de arte, y sostenida por un reparto coral excelente, en el que destacan el joven Jonas Dassler en el papel de Erik, Leonard Scheicher en el de Theo, o Lena Klenke en su homónimo papel. Estamos ante una de las mejores películas de la temporada, un excelente ejemplo de cine de revisión histórica del socialismo real, y un buen ejemplo de cine educativo. Para no perdérsela
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Crítica de Siberia: Desatino con diamantes

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«Cualquier famosete relleno de botox mueve más la cara y si este actor se cree que tenemos paciencia para otro héroe lacónico ultracongelado…»

Antonio Weinrichter

Que una estrella de Hollywood produzca y protagonice una película tan fallida como esta, da que pensar. Quizá habría que empezar por cuestionar el valor estelar de Keanu Reeves, que no tiene un currículo escaso precisamente, pero tampoco grandes éxitos recientes, «John Wick» aparte. Aquí ha pensado que podía sujetar con su cara, el resto del físico lo usa poco, una doble trama de amor y mafiosos rusos que le lleva de San Petersburgo a Siberia, sin cambiar de abrigo ni de expresión ni un solo momento. Lo primero puede quedar estoico, cosa que se aviene bien con la peripecia de un tratante de diamantes en tratos con un gangster ruso de manual, un drag queen de mafioso si me siguen la idea, de tan tópico y exagerado que es; pero Pasha Lychnikoff es el único de todo el reparto que parece divertirse interpretándolo, incluso a la hora de forzar una escena de humillación sexual que es la única que saca al espectador de su sopor.

Pero ni siquiera en esa escena logra Keanu expresar algo, ni cuando vive un apasionado romance con una hostelera siberiana ni cuando regaña con ella, ni cuando se la juega con los gangsters. Cualquier famosete relleno de botox mueve más la cara y si este actor se cree que tenemos paciencia para otro héroe lacónico ultracongelado… pues lo dejaremos en manos de sus incondicionales. Yo prefiero al ruso malo, aunque solo salga un par de escenas
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Crítica de Persecución al límite: A tope en la «autobahn»

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«Toda la energía se les va, como es habitual, en las secuencias de acción; las escenas de transición cuentan tanto como las que había en el cine erótico entre cada dos “consentimientos”»

Antonio Weinrichter

Otra de coches rápidos y furiosos y atracos imperfectos con mucha persecución posterior. Hace un siglo los futuristas celebraron alguna analogía esencial entre las máquinas automovilística y cinematográfica. Hoy el posible valor vanguardista del ruido y la velocidad hay que trabajárselo un poco más; ver esto es como estar atrapado en un gran atasco entre coches de horteras machacando con la música a tope. La única novedad, para que no digan que no nos fijamos, es que las carreras se suceden en el excelente sistema de autopistas alemán, pero no han tenido el detalle de poner algún tema de Kraftwerk…

Collide

Una segunda observación, pero esto no es nuevo: toda la energía se les va, como es habitual, en las secuencias de acción; las escenas de transición cuentan tanto como las que había en el cine erótico entre cada dos «consentimientos». Hay aquí un romance contado en plan video-clip que puede servir para lamentar la influencia de dicho formato en la narrativa. Y luego hay un gran encuentro entre los dos actores buenos de la función, Hopkins y Kingsley, ambos sobreactuando en piloto automático, en donde aparecen sentados y hablando, esas cosas que se hacen en las películas sin coches, aunque luego tienen que levantarse y salir a ganarse la paga haciendo de malotes con pistola. Todo más bien lamentable y, no sé si lo he dicho, muy ruidoso
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Crítica de «Mamma Mia: Una y otra vez». Lily James le roba el personaje a Meryl Streep

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«Las canciones de Abba se van empastelando con los acontecimientos y sentimientos»

Oti Rodríguez Marchante

Vendría a ser como la Cara B de la película que hizo hace diez años Phyllida Lloyd sobre el musical y el espíritu del grupo Abba; o sea, segunda Cara pero igual de refrescante, veraniega y romántica que la anterior. Otro director, Ol Parker, otras canciones del mismo sello y con el valor (o riesgo) de no someterse al imperio y magisterio de Meryl Streep, que ya no es la protagonista, aunque su personaje sí lo sea, con la simpática y atractiva presencia de Lily James, un revoltijo de hoyuelos y optimismo que le añade más encanto, sentimentalismo y hasta picardía al relato, que no cambia en lo esencial. Algo del alma de Meryl Streep le queda, pero toda la carne del personaje se la arrebata Lily James sin que se oiga ni una queja en la sala.

Se vive la historia presente de esa hija, Sophie, de tres padres posibles y una madre, Donna, que ya no está y a la cual veneran todos, y se entrelaza con la historia pasada de aquella joven que tuvo tres bellos y saludables romances casi al tiempo (el cine permite guiños que la vida real más bien ensucia), que se cuentan aquí con detalle y coreografía. La estructura es simple, pero vistosa: lo que ocurrió entonces y lo que ocurre ahora, con Lily James y Amanda Seyfried, y con los tres pimpollos de entonces que son los tres simpáticos «carcamales» de ahora, Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgard, que demuestran sin pudor su escaso sentido del ritmo (podría considerarse que verlos bailar es un «gag» más de la película) y que, a pesar de que controlan el paso (el del tiempo, mayormente) ya están más para villano de Bond que para Bond.

Mamma Mia! Una y otra vez

La misma isla griega, los mismos personajes, pero con la gracia añadida de filmar y mezclar los dos tiempos de aventura, y con un explosivo detalle que es lo mejor de la película, o lo más sorprendente y jocoso al menos: Las canciones de Abba se van empastelando con los acontecimientos y sentimientos, y aquí se tiene la buena idea (forzadísima, pero buena) de integrar la canción «Fernando» a la trama. Es un momento casi de carcajada. Aunque no sale más que un momento, la presencia de Cher en plan abuela rockera es como si se hubiera volcado la garrafa de aguardiente sobre las hojas del guion, y quien sea capaz de soportar eso y disfrutar con ello, verá también con agrado que se pongan ya con la tercera entrega
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Crítica de Happy End: Nuevo tratado de misantropía Haneke

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Le proporciona al «optimismo» de Haneke la posibilidad de afianzarse en su misantropía

Oti Rodríguez Marchante

La palabra «happy» en el título de una película de Michael Haneke es como ponerle medio aguacate a un cocido lebaniego o un Stop a un circuito de Fórmula 1. Ni el cine de Haneke ni, por supuesto, esta película pueden contemplar en este adjetivo otra cosa que la ironía. Hay un hilo que la ata a «Amour», pues Jean Louis Trintignant es un vetusto anciano que mira a la muerte con ojos golosos, desprecia a su familia (punto en el que coincidirá con usted) y le proporciona al «optimismo» de Haneke la posibilidad de afianzarse en su misantropía y en su crítica agria a esa sociedad acomodada, amoral, cruel y autodestructiva que siempre está en la camilla de autopsias del doctor Haneke.

La familia, los Laurent, son los protagonistas, desde el patriarca suicida, a su hija (impotable como solo puede ser Isabelle Huppert) y nietos, una de las cuales comparte con su abuelo la misma desesperación por darse matarile, muestran sus vísceras y su descomposición de acuerdo al habitual e inexistente programa de autoayuda del cine de este director.

Happy End

Sitúa los dramas y corrosiones de la familia en Calais, por el conveniente hecho de que así puede tratar, de fondo, el asunto de la inmigración. Y cuela entre la frialdad, el sarcasmo y la acritud, un aparente interés por el demoníaco influir de las redes sociales. «Happy End» es, pues, purita dialéctica Haneke, plena de lucidez y amargor, con un Trintignant que aún deslumbra y con ese veneno que sí deja rastro en el (mal) cuerpo de la víctima (el que mira, el que reflexiona)… Es un poco lo de siempre, pero quizá con la uña menos sucia que en otras ocasiones
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Crítica de «Nos vemos allá arriba»: Barroca y espléndida mascarada

Nos vemos allá arriba

La célebre novela de Pierre Lemaitre guarda en su interior tragedia, drama y comedia, y de su adaptación al cine se encarga el tragicómico director y actor Albert Dupontel, que entiende y representa a la perfección ese conglomerado bélico, aventurero, social y romántico con todos sus tonos humorísticos, desde el negro hasta el blanco y burlesco. Ambientada en el estertor de la Gran Guerra, con un arranque bélico que impresiona de sátira y tragedia el resto de la historia, se asienta después en los efectos de la guerra en dos de sus más rasos combatientes y supervivientes, uno de ellos con horribles secuelas en el rostro, lo cual propicia la aparición de la otra gran protagonista de la historia: la máscara. Con muy buen sentido visual, musical y estético, las peripecias de esta pareja se enlazan en lo picaresco y lo sentimental, y el asombro de la barroca puesta en escena, el fasto de los decorados y el diseño (en las máscaras es especialmente artístico y emocional), y la diversa temperatura de las interpretaciones del propio Dupontel y del enmascarado Nahuel Pérez Biscayart, adquieren una importancia capital en el desarrollo y sentido del argumento, de herida paterno filial y de final arrasado de poesía.

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Con muy buen sentido visual, musical y estético

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de «Oh! Mammy Blue»: A la vejez, rockera

Oh! Mammy Blue

Carmen Maura llena por sí sola un escenario y un estadio, si hace falta. Tampoco es la primera vez que canta en una película, como se vio en «Suspiros de España», pero tampoco no hace milagros. Le pasó con un papel disparatado en «Tetro», de Coppola, y aquí hace lo que puede al lado de actores con tanto oficio como María Pujalte, Ramón Barea, María José Alfonso y Antonio Molero.

La actriz interpreta esta vez ritmos más modernos, en el papel de una vieja e inverosímil estrella del punk. El gran obstáculo para ella y para el espectador es el guión, acompañado por una puesta en escena primitiva y una música que no cumple su papel catalizador. Solo cabe esperar que esta coproducción con Venezuela y Alemania no cause un conflicto diplomático.

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Una puesta en escena primitiva y una música que no cumple su papel catalizador

Federico Marín Bellón
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Crítica de «78/52. La escena que cambió el cine»: Higiene fatal

Alegra ver cómo van llegando películas que periodizan la rica historia del cine con los medios del cine: esta se centra en la célebre escena de la ducha de Psicosis. Y ese es su mérito, la enfoca de manera metódica y obsesiva, sin distraerse en contarnos lo genial que era Hitchcock, como hacía ese otro documental «Hitchcock/Truffaut»: aquí los tertulianos son menos famosos pero, por una vez, hablan del qué y el cómo, de los elementos que hacen que la ducha sin final feliz de Janet Leigh sea un hito del séptimo arte. Algún invitado es un friqui (el actor Elijah Wood) y otros, sospechosos directores de terror que casi celebran (solo) que Hitchcock les abriera las puertas de un cine gore más visceral… sin entender su gran lección: la ducha es un acto de prestidigitación en el que creemos haber visto mucho más de lo que en realidad hay.

Pero hablan también artífices del montaje, como Walter Murch, y otros que dan toda una lección magistral de análisis formal, algo que parecía cosa de profesores que sólo podemos hacer algo así en el reducto de un aula. Y, lo mejor, todo esto sin perder un sentimiento general de pasmo y maravilla ante dicha escena que evoca aquella otra tertulia (esta sí, gravemente peligrosa) de fans fatales de «El resplandor» que era –búsquenla– «Room 237», la mejor ilustración del análisis delirante que postulaban surrealistas como Dalí.

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Algún invitado es un friqui (el actor Elijah Wood) y otros, sospechosos directores de terror que casi celebran (solo) que Hitchcock les abriera las puertas de un cine gore más visceral

ANTONIO
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Crítica de «A la deriva»: La joven y el mar

Si le gustan las tramas de resistencia y supervivencia, todo un subgénero del cine que no tiene mejores cosas que contar, esta película es para Vd.: encontrará un esfuerzo físico descomunal, alguna ejemplaridad moral relacionada con el sacrificio y la pérdida, y una exhibición de efectos visuales que demuestran que la humanidad siempre debe sentir humildad ante la naturaleza.

A LA DERIVA

Ciñéndose como un guante a esta descripción apresurada del cine de supervivientes, el director Baltasar Kormakur (cuyo anterior filme hacía lo mismo en las cumbres, ya lo decía el título, del «Everest») aporta de original apenas un pequeño giro narrativo que no vamos a desvelar aquí; y contrarresta este mérito con una pesada estructura bipolar que alterna el pasado en flashback con el duro presente de una larga deriva en alta mar.

Pero la pieza (nunca mejor dicho) de resistencia es la actriz Shailene Woodley, que se entrega a fondo a ese personaje que sobrevive a un tsunami en el Pacífico y lucha por llevar a buen puerto un yate peor equipado que un «b&b» en el Mediterráneo: de forma insólita, su gran trabajo crea en la cochambrosa cubierta del barco una pequeña cima de un cine físico del cuerpo y del rostro, con una emotiva coda final.

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Una pieza de resistencia de la actriz Shailene

ANTONIO
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Crítica de «En la playa de Chesil»: La seda del amor y su exabrupto

En la playa de Chesil

La lastimosa novela de Ian McEwan, que trata, como buena parte de su obra, de los diversos modos que tiene el amor para convertirse en exabrupto, en cuchillada, la trasplanta con pericia y elegancia a la pantalla Dominic Cooke, y con guion y producción del propio McEwan, con lo que hay que dar por buena la novedad de su epílogo casi medio siglo después del día, la tarde, en la que ocurre esa historia de recién casados en un hotel junto a la playa de Chesil (el epílogo, cargado de maquillaje en lugar de tiempo, es pura agua residual).

Se trenza esa tarde-noche de bodas en la que todo parece crujir, dislocarse, ronronear, hacer crack, con algunos de los momentos claves de su feliz y enamoradísima travesía hasta llegar allí: los momentos de fascinación, de intensidad, de música, de emociones compartidas…, caen sobre el lecho nupcial como bolitas de naftalina, y el buen gusto del director en el trato sutil y emocional de esos dos tiempos (el antes y el ya) le producen al espectador una corrosiva intriga y una inquietante sospecha de que el amor ya ha elegido su exabrupto. Aunque la sutileza y el buen gusto de Dominic Cook son notables, se le colorea en fucsia algún hilo de la «trama», como la impericia sexual, las inseguridades, el trato algo tosco de la complejidad que surge ante ellos y el modo apresurado de resolver lo que había sido pausado. Pero, Saoirse Ronan está maravillosa (y sube más aún en las escenas familiares) y Billy Howle a la altura de ese faro de emociones que tiene enfrente.

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Saoirse Ronan está maravillosa y Billy Howle a la altura de ese faro de emociones que tiene enfrente

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de «Sicario: El día del soldado» Al otro lado de la frontera

La violencia de la primera entrega de «Sicario» se hizo perdonar porque el director era el estimado y fino estilista Denis Villeneuve, esta secuela no tiene ese tipo de coartada. Stefano Sollima es hijo de Sergio (director de peplums y spaguettis tan famosos como «El halcón y la presa») y traspasó fronteras con su su serie «Gomorra». Será por eso que le han llamado para continuar esta franquicia de la guerra sucia contra la droga a ambos lados de la frontera mexicano-estadounidense. El caso es que, aunque no se priva de lanzar alguna indirecta sobre la política exterior USA, algo que parece de rigor en la era Trump, a partir de cierto momento la lógica que aplica al desarrollo de ese eterno combate se parece un poco a la lógica mortal del… spaguetti western.

Sicario: El día del soldado

Quiere decirse que todo bascula en torno a un equipo A alto en testosterona y sobradamente preparado en el arte de manejar armamento, esquivar explosiones y dejar una estela de destrucción tras de sí. Los Eastwood/Bronson/Van Cleefs de Sollima son un par de armarios (los cientos de sicarios que van mordiendo el polvo apenas tienen un nombre que recordar), un equipo B, con be de Brolin y de Benicio. El rostro del primero parece un axioma del cine de superhéroes. El segundo es un axioma de una masculinidad potente pero vulnerable: en sus mejores momentos parece Lee Marvin y luego lanza esa mirada triste que nos rompe el alma, como cuando Sollima se permite un respiro y, mientras se posan las nubes de polvo y metralla, postula una relación cuasi filial de una niña que es la hija de un capo de la droga con el vengador Benicio. Algo que parece fuera de lugar en una guerra como esta pero es casi lo más intenso de la función.

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Todo bascula en torno a un equipo A alto en testosterona

ANTONIO
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Crítica de «Formentera Lady»: El banjo de Sacristán

La primera película de Pau Durà tiene el alma de lo que hace medio siglo se llamaba un western crepuscular, un territorio en el que unos personajes se resistían a aceptar ese «los tiempos están cambiando», con música y letra de Dylan, y que el protagonista de esta historia, Samuel, descubre con la presencia de un niño, su nieto, que le produce una urticaria inesperada, desconocida: la responsabilidad.

Formentera Lady

José Sacristán construye (con su ya sobresaliente máster en Fernando Fernán Gómez) la personalidad de Samuel, esa valla de espinos que rodea su mundo y esa fidelidad a sí mismo, a su banjo, al vive como quieras enquistado en una isla, Formentera, desconectada (para él) del continente. Pero le asalta el contenido, ese amasijo de drama y comedia que le supone cuidar, responsabilizarse del hijo de su hija, y cuya proximidad convierte (con algunos previstos argumentales y tópicos de guion) ese elogio a la naturalidad de vivir en una cuestión moral, en un pescozón al egoísmo y las quimeras. Tanto la isla de Formentera como Sacristán, ambos luminosos, saben cómo seducir a la cámara más allá de la historia.

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Tanto la isla de Formentera como Sacristán saben cómo seducir a la cámara más allá de la historia

Oti Rodríguez Marchante
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El mundo es suyo: Tópicos deslavazados

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El problema es de estructura, más que de chistes, de los que también podríamos hablar

Federico Marín Bellón

Tiene mérito lo que han conseguido los sevillanos Alfonso Sánchez y Alberto López, «los compadres», dos estrellas nacidas en YouTube, y en Sevilla, que se ríen de todo (incluida la memoria histórica) sin ofender a nadie. Veremos. El suyo es un humor viral, más que vírico, capaz de dar a luz personajes duraderos: el Rafi y el Fali, Cabesa y Culebra.

Con «El mundo es nuestro» sobrevivieron al salto a la pantalla grande, en la que recinciden con esta secuela ante la que es difícil permanecer neutral. Algunos morirán de risa y otros mirarán atónitos a los primeros, sin capacidad para el auxilio.

Ahí no caben los análisis, pero en su faceta cinematográfica no solo han perdido frescura, sino que les pasa como a tantos cómicos, a los que el cine les tira de la sisa. El largo metraje tiene su propio ritmo y en esa vorágine Sánchez y López parecen desfondados. El problema es de estructura, más que de chistes, de los que también podríamos hablar. Los más afortunados casi siempre caen en el personaje mejor trenzado, el de la reportera que interpreta Mari Paz Sayago. Por algún motivo, en las principales páginas de cine no se le atribuye el guión a nadie, aunque no hay la menor duda sobre la autoría, en lo bueno y en lo malo, en la buena salud que goza el humor pegado a la costilla de los tópicos y en la enfermedad del cine forzado, sin un esqueleto sano
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El orden divino: Western suizo y feminista

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Es uno de esos filmes que encanta a todo el mundo y que nos revela una insospechada revolución: la de las mujeres suizas que lucharon por su derecho al sufragio ¡en los años setenta!

Oti Rodríguez Marchante

De Suiza, donde todo es puro, el amor, la paz, la democracia y el reloj de cuco, nadie espera ni grandes revoluciones ni grandes películas, y de repente nos llegan ambas a la vez con «El orden divino», de Petra Biondina Volpe, uno de esos filmes que encanta a todo el mundo y que nos revela una insospechada revolución: la de las mujeres suizas que lucharon por su derecho al sufragio ¡en los años setenta!, tres décadas después de que fuera reconocido por las Naciones Unidas.

La historia se concentra en un pequeño pueblo y en una sencilla ama de casa y su ambiente familiar y vecinal, y bracea con gracia entre la suavidad del drama y la perversidad de la comedia, con una ambientación de época (setentera) y unos personajes atiborrados de terminales nerviosas que producen un efecto magnético y cautivador en la audiencia con la sencillez de su mensaje y su feminismo oxigenado. La guionista y directora Biondina Volpe, la directora de fotografía Judith Kaufmann y la principal protagonista Marie Leuenberger son la espina dorsal del encanto que produce «El orden divino». Leuenberger clava el cambio radical de su personaje de modo incluso físico, y pasa de parecerse, al principio, a Saoirse Ronan, a clonarse en físico y espíritu a Meryl Streep…, en fin, un prodigio
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Las guardianas: Pintura rural durante la Gran Guerra

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La cámara de Beauvois convierte la rutina laboral en una contraportada bélica, aunque con la entrada en ese espacio de las noticias a veces trágicas de la guerra

Oti Rodríguez Marchante

Si algo tiene el cine del director francés Xavier Beauvois es que no te atropella: acumula en sus historias enormes cantidades de sentimiento y espiritualidad (recuerden «De dioses y hombres») pero las dosifica con discreta sobriedad y una escritura cinematográfica, una precisión y hermosura visual que, lejos de atropellar, produce relajo entre la tensión argumental. Aquí narra con todo lo mejor de su cine el día a día en una granja durante la I Guerra Mundial, en la que una mujer, junto a su hija y a una joven empleada, trata de mantener la actividad del lugar a duras penas, pues sus hijos, su yerno (y todos los hombres del lugar) están luchando en el frente.

Las guardianas

La cámara de Beauvois convierte la rutina laboral en una contraportada bélica, aunque con la entrada en ese espacio de las noticias a veces trágicas de la guerra. Esta composición naturalista se acentúa de modo dramático con el trenzado sentimental de los personajes que vuelven de la batalla, e incluso se puntea el guion con detalles de “culebrón” romántico que convierten la historia en material peligroso, con cruces de pasiones y sentimientos exacerbados. Nathalie Baye, su hija (en la pantalla y en la vida) Laura Smet y la virginal Iris Bry le dan sentido interior a la belleza exterior de la película
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Hereditary: Raíces profundas (de mandrágora)

El mejor cine de terror hace tiempo abandonó el viejo esquema genérico de una normalidad amenazada por un monstruo que vence para restablecerse. Hoy se centra en el eterno retorno de lo reprimido en parte por ser una excelente excusa para hacer secuelas (bicho malo nunca muere, etc.) pero también porque el género ha comprendido la inutilidad de la vieja fórmula dentro/fuera. El mal no se puede expulsar porque tiene raíces profundas –de mandrágora, la planta infernal con forma humanoide– y se da en las mejores familias: según la genial formulación de Robin Wood, hemos ido de la niña enfadada de «Cita en San Luis» a la zombi que devora a sus padres en «La noche de los muertos vivientes», pasando por ese drama filial que era «Psicosis».

Hereditary

De esa inversión se alimenta de forma brillante «Hereditary» que llega precedida de una reputación que casi, casi se demuestra justificada. Una familia americana perfectamente (atención al término) normal, enfrenta el duelo del fallecimiento de la abuela, una matriarca tan formidable como el poder que parece seguir ejerciendo sobre su nieta. Pronto esa normalidad pasa del duelo al aquelarre… pero eso tendrán que ir a verlo. La clave está en centrarlo todo en la madre, una Toni Collette sensacional en la reunión de huérfanos anónimos, en la cena que acaba en bronca o cuando su mirada cambia en plena posesión infernal. A su lado los demás actores apenas parecen estar, ejem, poseídos. Y otro detalle genial: la madre hace dioramas y la dirección (de arte, pero también la fotografía) juega visualmente a que esta casa parezca una casa de muñecas encantada. Lo que no tiene nada de encantador.

Valoración de ABCPlay

La dirección, de arte y fotografía, juega a que la casa parece una de muñecas encantada… lo que no tiene nada de encantador

Antonio Weinrichter
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