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Crítica de «Nos vemos allá arriba»: Barroca y espléndida mascarada

Nos vemos allá arriba

La célebre novela de Pierre Lemaitre guarda en su interior tragedia, drama y comedia, y de su adaptación al cine se encarga el tragicómico director y actor Albert Dupontel, que entiende y representa a la perfección ese conglomerado bélico, aventurero, social y romántico con todos sus tonos humorísticos, desde el negro hasta el blanco y burlesco. Ambientada en el estertor de la Gran Guerra, con un arranque bélico que impresiona de sátira y tragedia el resto de la historia, se asienta después en los efectos de la guerra en dos de sus más rasos combatientes y supervivientes, uno de ellos con horribles secuelas en el rostro, lo cual propicia la aparición de la otra gran protagonista de la historia: la máscara. Con muy buen sentido visual, musical y estético, las peripecias de esta pareja se enlazan en lo picaresco y lo sentimental, y el asombro de la barroca puesta en escena, el fasto de los decorados y el diseño (en las máscaras es especialmente artístico y emocional), y la diversa temperatura de las interpretaciones del propio Dupontel y del enmascarado Nahuel Pérez Biscayart, adquieren una importancia capital en el desarrollo y sentido del argumento, de herida paterno filial y de final arrasado de poesía.

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Con muy buen sentido visual, musical y estético

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de «Oh! Mammy Blue»: A la vejez, rockera

Oh! Mammy Blue

Carmen Maura llena por sí sola un escenario y un estadio, si hace falta. Tampoco es la primera vez que canta en una película, como se vio en «Suspiros de España», pero tampoco no hace milagros. Le pasó con un papel disparatado en «Tetro», de Coppola, y aquí hace lo que puede al lado de actores con tanto oficio como María Pujalte, Ramón Barea, María José Alfonso y Antonio Molero.

La actriz interpreta esta vez ritmos más modernos, en el papel de una vieja e inverosímil estrella del punk. El gran obstáculo para ella y para el espectador es el guión, acompañado por una puesta en escena primitiva y una música que no cumple su papel catalizador. Solo cabe esperar que esta coproducción con Venezuela y Alemania no cause un conflicto diplomático.

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Una puesta en escena primitiva y una música que no cumple su papel catalizador

Federico Marín Bellón
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Crítica de «78/52. La escena que cambió el cine»: Higiene fatal

Alegra ver cómo van llegando películas que periodizan la rica historia del cine con los medios del cine: esta se centra en la célebre escena de la ducha de Psicosis. Y ese es su mérito, la enfoca de manera metódica y obsesiva, sin distraerse en contarnos lo genial que era Hitchcock, como hacía ese otro documental «Hitchcock/Truffaut»: aquí los tertulianos son menos famosos pero, por una vez, hablan del qué y el cómo, de los elementos que hacen que la ducha sin final feliz de Janet Leigh sea un hito del séptimo arte. Algún invitado es un friqui (el actor Elijah Wood) y otros, sospechosos directores de terror que casi celebran (solo) que Hitchcock les abriera las puertas de un cine gore más visceral… sin entender su gran lección: la ducha es un acto de prestidigitación en el que creemos haber visto mucho más de lo que en realidad hay.

Pero hablan también artífices del montaje, como Walter Murch, y otros que dan toda una lección magistral de análisis formal, algo que parecía cosa de profesores que sólo podemos hacer algo así en el reducto de un aula. Y, lo mejor, todo esto sin perder un sentimiento general de pasmo y maravilla ante dicha escena que evoca aquella otra tertulia (esta sí, gravemente peligrosa) de fans fatales de «El resplandor» que era –búsquenla– «Room 237», la mejor ilustración del análisis delirante que postulaban surrealistas como Dalí.

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Algún invitado es un friqui (el actor Elijah Wood) y otros, sospechosos directores de terror que casi celebran (solo) que Hitchcock les abriera las puertas de un cine gore más visceral

ANTONIO
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Crítica de «A la deriva»: La joven y el mar

Si le gustan las tramas de resistencia y supervivencia, todo un subgénero del cine que no tiene mejores cosas que contar, esta película es para Vd.: encontrará un esfuerzo físico descomunal, alguna ejemplaridad moral relacionada con el sacrificio y la pérdida, y una exhibición de efectos visuales que demuestran que la humanidad siempre debe sentir humildad ante la naturaleza.

A LA DERIVA

Ciñéndose como un guante a esta descripción apresurada del cine de supervivientes, el director Baltasar Kormakur (cuyo anterior filme hacía lo mismo en las cumbres, ya lo decía el título, del «Everest») aporta de original apenas un pequeño giro narrativo que no vamos a desvelar aquí; y contrarresta este mérito con una pesada estructura bipolar que alterna el pasado en flashback con el duro presente de una larga deriva en alta mar.

Pero la pieza (nunca mejor dicho) de resistencia es la actriz Shailene Woodley, que se entrega a fondo a ese personaje que sobrevive a un tsunami en el Pacífico y lucha por llevar a buen puerto un yate peor equipado que un «b&b» en el Mediterráneo: de forma insólita, su gran trabajo crea en la cochambrosa cubierta del barco una pequeña cima de un cine físico del cuerpo y del rostro, con una emotiva coda final.

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Una pieza de resistencia de la actriz Shailene

ANTONIO
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Crítica de «En la playa de Chesil»: La seda del amor y su exabrupto

En la playa de Chesil

La lastimosa novela de Ian McEwan, que trata, como buena parte de su obra, de los diversos modos que tiene el amor para convertirse en exabrupto, en cuchillada, la trasplanta con pericia y elegancia a la pantalla Dominic Cooke, y con guion y producción del propio McEwan, con lo que hay que dar por buena la novedad de su epílogo casi medio siglo después del día, la tarde, en la que ocurre esa historia de recién casados en un hotel junto a la playa de Chesil (el epílogo, cargado de maquillaje en lugar de tiempo, es pura agua residual).

Se trenza esa tarde-noche de bodas en la que todo parece crujir, dislocarse, ronronear, hacer crack, con algunos de los momentos claves de su feliz y enamoradísima travesía hasta llegar allí: los momentos de fascinación, de intensidad, de música, de emociones compartidas…, caen sobre el lecho nupcial como bolitas de naftalina, y el buen gusto del director en el trato sutil y emocional de esos dos tiempos (el antes y el ya) le producen al espectador una corrosiva intriga y una inquietante sospecha de que el amor ya ha elegido su exabrupto. Aunque la sutileza y el buen gusto de Dominic Cook son notables, se le colorea en fucsia algún hilo de la «trama», como la impericia sexual, las inseguridades, el trato algo tosco de la complejidad que surge ante ellos y el modo apresurado de resolver lo que había sido pausado. Pero, Saoirse Ronan está maravillosa (y sube más aún en las escenas familiares) y Billy Howle a la altura de ese faro de emociones que tiene enfrente.

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Saoirse Ronan está maravillosa y Billy Howle a la altura de ese faro de emociones que tiene enfrente

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de «Sicario: El día del soldado» Al otro lado de la frontera

La violencia de la primera entrega de «Sicario» se hizo perdonar porque el director era el estimado y fino estilista Denis Villeneuve, esta secuela no tiene ese tipo de coartada. Stefano Sollima es hijo de Sergio (director de peplums y spaguettis tan famosos como «El halcón y la presa») y traspasó fronteras con su su serie «Gomorra». Será por eso que le han llamado para continuar esta franquicia de la guerra sucia contra la droga a ambos lados de la frontera mexicano-estadounidense. El caso es que, aunque no se priva de lanzar alguna indirecta sobre la política exterior USA, algo que parece de rigor en la era Trump, a partir de cierto momento la lógica que aplica al desarrollo de ese eterno combate se parece un poco a la lógica mortal del… spaguetti western.

Sicario: El día del soldado

Quiere decirse que todo bascula en torno a un equipo A alto en testosterona y sobradamente preparado en el arte de manejar armamento, esquivar explosiones y dejar una estela de destrucción tras de sí. Los Eastwood/Bronson/Van Cleefs de Sollima son un par de armarios (los cientos de sicarios que van mordiendo el polvo apenas tienen un nombre que recordar), un equipo B, con be de Brolin y de Benicio. El rostro del primero parece un axioma del cine de superhéroes. El segundo es un axioma de una masculinidad potente pero vulnerable: en sus mejores momentos parece Lee Marvin y luego lanza esa mirada triste que nos rompe el alma, como cuando Sollima se permite un respiro y, mientras se posan las nubes de polvo y metralla, postula una relación cuasi filial de una niña que es la hija de un capo de la droga con el vengador Benicio. Algo que parece fuera de lugar en una guerra como esta pero es casi lo más intenso de la función.

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Todo bascula en torno a un equipo A alto en testosterona

ANTONIO
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Crítica de «Formentera Lady»: El banjo de Sacristán

La primera película de Pau Durà tiene el alma de lo que hace medio siglo se llamaba un western crepuscular, un territorio en el que unos personajes se resistían a aceptar ese «los tiempos están cambiando», con música y letra de Dylan, y que el protagonista de esta historia, Samuel, descubre con la presencia de un niño, su nieto, que le produce una urticaria inesperada, desconocida: la responsabilidad.

Formentera Lady

José Sacristán construye (con su ya sobresaliente máster en Fernando Fernán Gómez) la personalidad de Samuel, esa valla de espinos que rodea su mundo y esa fidelidad a sí mismo, a su banjo, al vive como quieras enquistado en una isla, Formentera, desconectada (para él) del continente. Pero le asalta el contenido, ese amasijo de drama y comedia que le supone cuidar, responsabilizarse del hijo de su hija, y cuya proximidad convierte (con algunos previstos argumentales y tópicos de guion) ese elogio a la naturalidad de vivir en una cuestión moral, en un pescozón al egoísmo y las quimeras. Tanto la isla de Formentera como Sacristán, ambos luminosos, saben cómo seducir a la cámara más allá de la historia.

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Tanto la isla de Formentera como Sacristán saben cómo seducir a la cámara más allá de la historia

Oti Rodríguez Marchante
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El mundo es suyo: Tópicos deslavazados

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El problema es de estructura, más que de chistes, de los que también podríamos hablar

Federico Marín Bellón

Tiene mérito lo que han conseguido los sevillanos Alfonso Sánchez y Alberto López, «los compadres», dos estrellas nacidas en YouTube, y en Sevilla, que se ríen de todo (incluida la memoria histórica) sin ofender a nadie. Veremos. El suyo es un humor viral, más que vírico, capaz de dar a luz personajes duraderos: el Rafi y el Fali, Cabesa y Culebra.

Con «El mundo es nuestro» sobrevivieron al salto a la pantalla grande, en la que recinciden con esta secuela ante la que es difícil permanecer neutral. Algunos morirán de risa y otros mirarán atónitos a los primeros, sin capacidad para el auxilio.

Ahí no caben los análisis, pero en su faceta cinematográfica no solo han perdido frescura, sino que les pasa como a tantos cómicos, a los que el cine les tira de la sisa. El largo metraje tiene su propio ritmo y en esa vorágine Sánchez y López parecen desfondados. El problema es de estructura, más que de chistes, de los que también podríamos hablar. Los más afortunados casi siempre caen en el personaje mejor trenzado, el de la reportera que interpreta Mari Paz Sayago. Por algún motivo, en las principales páginas de cine no se le atribuye el guión a nadie, aunque no hay la menor duda sobre la autoría, en lo bueno y en lo malo, en la buena salud que goza el humor pegado a la costilla de los tópicos y en la enfermedad del cine forzado, sin un esqueleto sano
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El orden divino: Western suizo y feminista

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Es uno de esos filmes que encanta a todo el mundo y que nos revela una insospechada revolución: la de las mujeres suizas que lucharon por su derecho al sufragio ¡en los años setenta!

Oti Rodríguez Marchante

De Suiza, donde todo es puro, el amor, la paz, la democracia y el reloj de cuco, nadie espera ni grandes revoluciones ni grandes películas, y de repente nos llegan ambas a la vez con «El orden divino», de Petra Biondina Volpe, uno de esos filmes que encanta a todo el mundo y que nos revela una insospechada revolución: la de las mujeres suizas que lucharon por su derecho al sufragio ¡en los años setenta!, tres décadas después de que fuera reconocido por las Naciones Unidas.

La historia se concentra en un pequeño pueblo y en una sencilla ama de casa y su ambiente familiar y vecinal, y bracea con gracia entre la suavidad del drama y la perversidad de la comedia, con una ambientación de época (setentera) y unos personajes atiborrados de terminales nerviosas que producen un efecto magnético y cautivador en la audiencia con la sencillez de su mensaje y su feminismo oxigenado. La guionista y directora Biondina Volpe, la directora de fotografía Judith Kaufmann y la principal protagonista Marie Leuenberger son la espina dorsal del encanto que produce «El orden divino». Leuenberger clava el cambio radical de su personaje de modo incluso físico, y pasa de parecerse, al principio, a Saoirse Ronan, a clonarse en físico y espíritu a Meryl Streep…, en fin, un prodigio
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Las guardianas: Pintura rural durante la Gran Guerra

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La cámara de Beauvois convierte la rutina laboral en una contraportada bélica, aunque con la entrada en ese espacio de las noticias a veces trágicas de la guerra

Oti Rodríguez Marchante

Si algo tiene el cine del director francés Xavier Beauvois es que no te atropella: acumula en sus historias enormes cantidades de sentimiento y espiritualidad (recuerden «De dioses y hombres») pero las dosifica con discreta sobriedad y una escritura cinematográfica, una precisión y hermosura visual que, lejos de atropellar, produce relajo entre la tensión argumental. Aquí narra con todo lo mejor de su cine el día a día en una granja durante la I Guerra Mundial, en la que una mujer, junto a su hija y a una joven empleada, trata de mantener la actividad del lugar a duras penas, pues sus hijos, su yerno (y todos los hombres del lugar) están luchando en el frente.

Las guardianas

La cámara de Beauvois convierte la rutina laboral en una contraportada bélica, aunque con la entrada en ese espacio de las noticias a veces trágicas de la guerra. Esta composición naturalista se acentúa de modo dramático con el trenzado sentimental de los personajes que vuelven de la batalla, e incluso se puntea el guion con detalles de “culebrón” romántico que convierten la historia en material peligroso, con cruces de pasiones y sentimientos exacerbados. Nathalie Baye, su hija (en la pantalla y en la vida) Laura Smet y la virginal Iris Bry le dan sentido interior a la belleza exterior de la película
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Hereditary: Raíces profundas (de mandrágora)

El mejor cine de terror hace tiempo abandonó el viejo esquema genérico de una normalidad amenazada por un monstruo que vence para restablecerse. Hoy se centra en el eterno retorno de lo reprimido en parte por ser una excelente excusa para hacer secuelas (bicho malo nunca muere, etc.) pero también porque el género ha comprendido la inutilidad de la vieja fórmula dentro/fuera. El mal no se puede expulsar porque tiene raíces profundas –de mandrágora, la planta infernal con forma humanoide– y se da en las mejores familias: según la genial formulación de Robin Wood, hemos ido de la niña enfadada de «Cita en San Luis» a la zombi que devora a sus padres en «La noche de los muertos vivientes», pasando por ese drama filial que era «Psicosis».

Hereditary

De esa inversión se alimenta de forma brillante «Hereditary» que llega precedida de una reputación que casi, casi se demuestra justificada. Una familia americana perfectamente (atención al término) normal, enfrenta el duelo del fallecimiento de la abuela, una matriarca tan formidable como el poder que parece seguir ejerciendo sobre su nieta. Pronto esa normalidad pasa del duelo al aquelarre… pero eso tendrán que ir a verlo. La clave está en centrarlo todo en la madre, una Toni Collette sensacional en la reunión de huérfanos anónimos, en la cena que acaba en bronca o cuando su mirada cambia en plena posesión infernal. A su lado los demás actores apenas parecen estar, ejem, poseídos. Y otro detalle genial: la madre hace dioramas y la dirección (de arte, pero también la fotografía) juega visualmente a que esta casa parezca una casa de muñecas encantada. Lo que no tiene nada de encantador.

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La dirección, de arte y fotografía, juega a que la casa parece una de muñecas encantada… lo que no tiene nada de encantador

Antonio Weinrichter
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Nadie nos mira: Emigrante «de lujo»

Nico (Guillermo Pfening) es un actor argentino que se gana la vida cuidando niños en Nueva York mientras aguarda su gran oportunidad como actor. Por su físico, chirría en los papeles de latino, mientra que su dominio del inglés es insuficiente para parecer nativo. Con ese punto de partida, casi inamovible, Julia Solomonoff construye su película, alabada por la crítica internacional y producida por La Panda e Isabel Coixet (es muy «de su gusto»).

Nadie nos mira

«Nadie nos mira» transmite buen gusto y originalidad: el protagonista es un inmigrante tan atípico como lo es la forma de retratarlo. Tampoco se aborda la homosexualidad con ningún ánimo reivindicador. Es una circunstancia más. Hasta su color de pelo tiene más peso en la trama.

Solomonoff, que no dirigía un largometraje desde «El último verano de la Boyita» (2009) logra –con ayuda de la coguionista Christina Lazaridi– un retrato de su tiempo interesante y fácil de ver. Le falta, por poner algún pero y porque pedir es gratis, que la historia tuviera algún recoveco más. Las sorpresas son mínimas, alguna de una sutileza elogiable, y al espectador le ayudaría a disfrutar aún más.

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Transmite buen gusto y originalidad y no aborda la homosexualidad con ningún ánimo reivindicador

Federico Marín Bellón
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Tully: Ser madre no está pagado

Sería poco serio acusar a estas alturas a Charlize Theron de haber descubierto la doctrina Monroe (Marilyn, en «Bus Stop») de la carrera en la media: realismo y falta de glamour para que te tomen por una actriz seria. Sobre todo porque ya lo hizo en «Monster», que mira por donde le valió un Oscar, «Pactar con el diablo» o, en cierto modo, en «Mad Max 4». Cierto que si quiere puede darle una patada (literal) en el trasero a cualquier James Bond que se le cruce si se pone «Atómica».

Tully

Centrar el comentario en Theron no es capricho, es de lejos lo mejor de la función. Incluso aunque no vaya de estupenda acapara el foco de nuestra atención en «Tully», donde lo primero que vemos de ella es su barriga, un enorme vientre de embarazada que no acaba de perder en todo el metraje. De hecho, el tema de la película –escrita por una mujer y madre de tres hijos, Diablo Cody– no es que ser madre afee tu figura sino que si bordeas la crisis de la mediana edad, tienes ya dos hijos, uno rozando el autismo, y un tercero por venir, y un marido que es el proverbial cero a la izquierda, puedes empezar a darte pena a ti misma y ver tele basura comiendo comida basura… El principio de realidad, de aceptar con una sonrisa que la vida puede ser una decepción según la excelsa doctrina Hara (Setsuko, en «Tokyo Story»), le llega a esta madre terminal por medio de una fuga de lo real que no podemos destripar aquí. Pero es algo así como una variante pospunki, o indie por lo menos, de Mary Poppins, una niñera para todo con un turno un tanto extraño, y con la que Mackenzie Davis se muestra capaz de pelear el plano con la gran Charlize.

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Es algo así como una versión indie de Mary Poppins

Antonio Weinrichter
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Crítica de «A estación violenta»: Ni fríos ni calores

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Adapta la novela del mismo título de Manuel Jabois, con algo más que síntomas de autobiográfica

Oti Rodríguez Marchante

Es la primera película larga de Anxos Fazáns, aunque también es corta (poco más de sesenta minutos) y aunque (o pero) se haga larga. Adapta la novela del mismo título de Manuel Jabois, con algo más que síntomas de autobiográfica: el protagonista, el personaje central, es un escritor llamado Manuel, al que la cámara sigue en su azaroso, rutinario y deprimente día a día entre los colocones, las resacas, las birras y algo de escritura. Y lo sigue un poco a lo Gust Van Sant, con ese sopor con el que seguía al Kurt Cobain de «Last Days».

A estación violenta

La película arranca sobre la espalda de Nerea Barros y en una escena del ¿feliz? pasado, y continúa con algunas sorprendentes elecciones de cámara, negrura fotográfica y espesura narrativa. «A estación violenta» habla sin frío ni calor del presente angustioso de unos personajes terminales, una pareja que vuelve, el pozo en el que vive Manuel y algunos retazos de relación entre ellos que deberían producir nervio emocional en el espectador, pero con la impresión de que están como impermeabilizados y apenas dejan traspasar sentimiento o cercanía. Se puede sospechar que hay literatura dentro, pero tampoco logra transmitirla. Lo único que conecta con el más acá es la potente interpretación de Nerea Barros.

Dirección: Anxos Fazáns. Intérpretes: Xiana Arias, Xosé Barato, Nerea Barros
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Crítica de Western: Drama a lomos de la frontera

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Meinhard Neumann, el adusto protagonista, es lo mejor de la función, que no está tan lejos del cine del Oeste

Federico Marín Bellón

El cine alemán multiplica su presencia esta semana en nuestras salas con el estreno de la tercera película de Valeska Grisebach, un drama laboral atípico en el que los emigrantes son los alemanes, que trabajan en una central hidráulica en un pueblecito búlgaro.

Meinhard Neumann, el adusto protagonista, es lo mejor de la función, que no está tan lejos del cine del Oeste: hay hasta caballos y una partida de póquer, pero sobre todo un personaje solo ante los múltiples peligros, a quien nadie ni nada puede doblegar. Como casi nunca se puede conseguir todo, su estilo y su enfoque cargado de simbolismo hacen de este título un firme candidato a ganar premios en festivales y el aprecio de la crítica, pero también a esquivar a las masas en taquilla. Nada que objetar.

Este «Western» acusa un problema, sin embargo, tanto si se disfruta con subtítulos o (lo que sería aún peor) doblado. La incomunicación es uno de los ejes centrales de la historia, entre unos personajes que apenas comparten un vocabulario básico en la misma lengua y que a menudo hablan sin que el otro comprenda. El espectador es así una especie de dios omnisciente, que no sufre lo suficiente con ellos, entre otras cosas porque tampoco se dejan querer demasiado. En una película de paisaje (más bien feo) y de caracteres esquivos, tiene mérito levantar una obra tan íntegra
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Crítica de No dormirás: Taller teatral terminal

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La relativa elocuencia formal del director Gustavo Hernández acaba volviéndose en su contra

Antonio Weinrichter

Hay aquí dos propuestas distintas que conviven incómodamente entre sí. Una es una manida pieza de terror ambientada –cómo no– en una especie de casa encantada, narrada –cómo no– a base de sustos y asaltos sónicos al espectador, y que nunca consigue instalarse en el terreno, en la lógica, de la alucinación y la pesadilla por más aspavientos y pimpampums que incorpore. La relativa elocuencia formal del director Gustavo Hernández acaba volviéndose en su contra, al revelarse como papel de envolver un material trivial.

La segunda propuesta podría tener más interés, al venir justificada y arropada en ese envoltorio de género. Es la idea de que el «gran arte» escénico (o cualquier otro) sólo es accesible desde una condición extrema, en este caso el insomnio forzado y la percepción alterada. «Sin locura, no hay creatividad», es el eslogan que le espetan a la joven aspirante a protagonizar una función tan maldita como la cinta de vídeo de «The Ring»… Ella podría olerse la tostada y responder con otro eslogan: a quien los dioses (aunque sean los del teatro) quieren destruir, primero le vuelven loco. Pero no, su condena está escrita hasta un «finale con tutti» de cuarto milenio y cuartas paredes que caen como «referente gótico inevitable» la mismísima casa Usher. Pero esto no es «The Baby of Macon», ni mucho menos «Las zapatillas rojas», ¿a qué viene tanto «mcguffin» de invocación al arte?

Dirección: Gustavo Hernández. Intérpretes: Belén Rueda, Eva De Dominici, Natalia de Molina
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Crítica de La casa torcida: Agatha Christie con ansiolíticos

Las novelas de Agatha Christie era lo más parecido a un videojuego que se podía encontrar a mediados del pasado siglo, y se pasaban hojas como hoy se pasan pantallas. Y el caso es que el cine no ha sabido encontrarle el punto exacto a la letra de sus novelas: uno se bebe la intriga en los originales literarios, mientras que ha de masticar (incluso suele hacerse «bola») sus adaptaciones cinematográficas. Y esta, «La casa torcida», una de las obras preferidas de Christie, no es especialmente afortunada, a pesar de que la puesta en escena, la ambientación y los personajes permitían una carambola perfecta a tres bandas.

Del asesinato de Arístides Leonides, patriarca de una familia enteramente sospechosa, se encarga el detective palomino que interpreta Max Irons, una gaseosa abierta ayer, y la narración (el «quién ha sido» habitual) también permite que la atmósfera se escape por los diversos «pffff» de un globo pinchado, a pesar de que tapa algún agujerillo la presencia siempre escamante de Glenn Close y de la abundancia de contoneos de Christina Hendricks. Todavía procura cierto interés, o intríngulis, si no se conoce la obra original, pero es inimaginable sacarle algo de carne a ese hueso si ya se sabe quién es el asesino en esta historia sin mayordomo.

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Es inimaginable sacarle algo de carne a ese hueso si ya se sabe quién es el asesino

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de El buen maestro: El hombre con clase indomable

Es uno de los lugares a los que el cine suele mirar desde una esquina: el interior de una clase, de un colegio del extrarradio, de sus alumnos generalmente en la marginalidad y la adolescencia, y de unos educadores entre la vocación y la penitencia. El director de esta película, Olivier Ayache-Vidal, prefiere licuar su mirada (retrato a la acuarela) y ofrecer un dibujo de ambientes y de personajes no tan duro ni tan extremo como el de otros títulos (el baremo sería la magnífica «La clase», de Laurent Cantet) y deja una historia con más corazón que tripa, y desde luego entretenida, equilibrada en el drama y la comedia, útil y didáctica.

El protagonista en un prestigioso profesor de Literatura que cambia el cómodo y elegante Instituto donde da clases por otro suburbial en el que se encontrará un avispero de alumnos de gueto, que ya han asumido su papel marginal en la vida y que consideran la ignorancia como un sinónimo de la rebeldía. El relato se mueve por los cauces previstos, y a pesar de ello consigue conmover y mantener, aunque cálido, su frescor gracias al grupo de jóvenes actores (personajes moldeados para no resultar cargantes, indigestos) y a la cara de berza pero sumamente comprensible y digna de Denis Podalydès, el profesor. Los viajeros y el viaje de unos hacia otros es reconocible, previsible, pero merece la pena hacerlo.

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El relato se mueve por los cauces previstos, y a pesar de ello consigue conmover y mantener, aunque cálido, su frescor gracias al grupo de jóvenes actores

Oti Rodríguez Marchante
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Crítica de Cariño, yo soy tú: Ponerse en la piel del otro

Comedia del subgénero «intercambio de cuerpos» y de la categoría «tontuna simpática». Un siglo y pico de cine han hecho posible que, sin apenas explicaciones, el público acepte y entienda en un par de escenas algo tan absurdo como que los dos protagonistas hayan intercambiado sus cuerpos. El lío es morrocotudo, porque ambos son amantes y ahora tendrán que vivir una doble vida al cuadrado. Stéphane De Groodt es además el jefe del prometido de Louise Bourgoin, con lo que los enredos y equívocos se multiplican. La mayor pena es que la mejor de los cuatro, Aure Atika, no tenga mayor papel.

Un posible interés es descubrir qué toque le da el cine francés a un recurso tan explotado, por lo general sin grandes logros. Bruno Chiche no inventa demasiado, pero se agradece que vaya al grano, sin inventar explicaciones sobrenaturales. La «magia» del amor le permite reflexionar sobre lo sano que es ponerse en la piel del otro y aprender su forma de afrontar la sexualidad, el trabajo, la familia… No descubre la pólvora, pero antes de que el espectador se arrepienta ya ha pasado hora y media. Cómo quejarse.

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Bruno Chiche no inventa demasiado

Federico Marín Bellón
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Crítica de Alma Mater: Horas de hogar en zona de guerra

Tragedia en un acto que la cámara absorbe como un pañuelo de lágrimas, con una precisión de tiempo y espacio y con una tensión constante, sin altibajos, siempre arriba, en el pico de lo dramático y donde la claustrofobia, el no salir, el no entrar, resulta reconfortante, tranquilizadora. La acción es una, como el lugar y el tiempo: unas horas en el interior de una casa en el centro de una guerra (puede ser en Siria en o en cualquier otro nicho abierto de nuestro próximo Oriente), un refugio en el que una madre, sus hijos, el abuelo y una vecina con un bebé cuentan los minutos sitiados entre el bombardeo, los francotiradores y los rapiñeros. La sensación de realidad, de verosimilitud, incluso da qué pensar: ¿no estaremos dónde parece que estamos?

El director, el belga Philippe Van Leeuw, le otorga al plano y al movimiento de cámara (ese recorrer los pasillos de la casa con la tensión a cuestas) una función notarial que realmente es abrumadora, y consigue el pequeño milagro de encontrar ahí, entre el horror, la humanidad y la vida que pende de un hilo, y pequeños dramas tan enormes como la gran tragedia que los envuelve. Las interpretaciones son algo más que excelentes, y en el rostro de Hiam Abbass (la madre) están los pilares de una historia, de una realidad, que pocas veces se ha visto tan de cerca, y que convierte nuestra mirada en un caballo de troya sin nada, ni aire, dentro.

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Las interpretaciones son algo más que excelentes, y en el rostro de Hiam Abbass (la madre) están los pilares de una historia, de una realidad que pocas veces se ha visto tan de cerca

Oti Rodríguez Marchante
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