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Porno, cartas de muerte a su madre y el suicidio de un socio: el oscuro pasado de Tarantino

Nació el mismo año que Lee Harvey Oswald acribilló a tiros a John F. Keneddy, pero en lugar de desarrollar, como el presidente estadounidense, una carrera en política, cultivó escenas truculentas como su asesinato en el celuloide. Hijo de un actor de segunda y una madre cinéfila, la pasión de Quentin Tarantino por el séptimo arte parecía sellada desde que contrajo su primera deuda, tomando su nombre del de Quint Asper, el personaje de Burt Reynolds en «La ley del revólver».

Inmerso en labrarse un currículum de «tipo duro» en la escuela, prefirió dedicar su elevado coeficiente intelectual –más alto que el de Einstein– a aprenderse los diálogos de las películas, de cuyos datos era una auténtica enciclopedia. Cineasta de contradicciones, antiviolencia pero caracterizado por filmar algunos de los filmes más sangrientos, el cineasta que tenía miedo a «Bambi», escribió Álex Jiménez en ABC, ganó su primer sueldo como acomodador de un cine porno local del que ahora es dueño y donde repone, en lugar de contenido X, clásicos del cine y la animación.

Travolta y Samuel L. Jackson en «Pulp Fiction»

Ese dinero le sirvió para comprarse un reproductor de VHS e independizarse en 1981, dejando la casa de su progenitora, a la que cada día de la madre regalaba un relato sobre su muerte, escribe María Herreros en «Marilyn tenía once dedos en los pies y otras leyendas de Hollywood» (Lunwerg Editores). Consumidor compulsivo de cine, trabajó durante cinco años, por recomendación del guionista de «Pulp Fiction» o «Reservoir Dogs» Roger Avary, en Video Archive, un videoclub de Manhattan Beach al que acudía con frecuencia.

Su primera película, sin embargo, no fue junto a su apreciado libretista, sino con Scott McGuill, al que conoció en otro videoclub, el Video Outtakes. Un socio con el que coescribió, codirigió y protagonizó la desaparecida «Love Birds in Bondage» (1983), que nunca vio la luz porque la madre de McGill la destruyó, algo que supuestamente motivó el suicidio del socio de Tarantino.

«Rodar sobre film de celuloide, y no en digital, hace que cuando uno grita “¡Acción!” sea u tiempo precioso hasta que se grita “¡Corten!”»

Si la filmografía del director de Knoxville ha sido acusada de no ser más que un cúmulo de referencias, más parece serlo su propia vida, digna del guión de un mezquino cinéfilo. Mientras malvivía gracias a las reposiciones de su participación, como imitador de Elvis Presley, en un capítulo de «Las chicas de oro», Tarantino escribió «Jackie Brown» a partir de un libro de Elmore Leonard, «Cóctel explosivo», que robó, según Herreros, en un supermercado Walmart.

Aparcada su película de «Blaxploitation» después de escribir su guión, se centró en su mítica cinta de atracos, «Reservoir Dogs», que iba a filmar en 16 mm junto a sus compañeros del videoclub con apenas 30.000 dólares pero que terminó costando 1,2 millones gracias a la participación de Harvey Keitel.

Tras rechazar dirigir «Men in black», llegó la violenta «Pulp Fiction» en 1994, su cinta más icónica a la que, sin embargo, han acusado de estar repleta de diálogos copiados de otras películas. «No es un plagio, es un homenaje», llegó a decir Tarantino sobre el filme, que ganó el Oscar a mejor guión original y logró otras seis nominaciones. Aunque, para el cineasta de Tennessee, el mayor honor no fue ni la estatuilla ni relanzar la carrera de un caído en el olvido John Travolta, sino enterarse de que cuando las tropas estadounidenses invadieron Irak, se encontró un DVD del filme en casa de Saddan Hussein.

Uma thruman en «Kill Bill»
Gran seguidor del trabajo de su ídolo Sergio Leone, cuya influencia se percibe en «Kill Bill», «Death Proof» o «Malditos bastardos», Tarantino ha resucitado el wéstern también con películas como «Django desencadenado» y «Los odiosos ocho». Sin embargo, más que este género cinematográfico le obsesionan los pies femeninos, un fetiche en el que se recreó con las escenas de los de Uma Thurman en «Pulp Fiction» y «Kill Bill» o la toma de «Abierto hasta el amanecer», que dirige su amigo Robert Rodríguez, en la que bebe tequila de los de Salma Hayek
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Vanessa Redgrave, León de Oro en la Berlinale

Vanessa Redgrave

La actriz británica Vanessa Redgrave recibirá el «León de Oro» a su carrera en la 75 edición del Festival de cine de Venecia, que se celebrará del 29 de agosto al 8 de septiembre, informó hoy la organización.

«Estoy sorprendida y extraordinariamente feliz de saber que me premiarán con el León de Oro. El pasado verano estaba grabando en Venecia “The Aspern Papers” y hace muchos años también “La vacanza” (1972) en los pantanos de Véneto, donde mi personaje hablaba solo dialecto veneciano». Estas fueron las palabras de Redgrave al conocer este galardón, según la nota de la organización.

«Apuesto a que soy la única actriz no italiana que ha recitado el veneciano. Gracias infinitas querida Mostra», añadió la actriz y activista política, nacida en Londres en 1937 y ganadora de un Óscar a la mejor actriz secundaria por «Julia» (1977).

El director de la Mostra, Alberto Barbera, afirmó que Redgrave ha sido considerada «unánimemente entre las mejores interpretes femeninas del cine moderno y es una actriz sensible y capaz de infinitos matices, interprete ideal de personajes complejos y a veces controvertidos».

«Dotada de natural elegancia, innata fuerza de seducción y de un extraordinario talento ha pasado con desenvoltura del cine de autor europeo a las fastuosas producciones de Hollywood y a las producciones televisivas ofreciendo cada vez resultados excelentes», agregó.

La Mostra ya anunció hace unos meses que también David Cronenberg será premiado por su trayectoria profesional como director con el León de Oro
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Dani Rovira da el salto a Hollywood junto con La Roca

El actor español Dani Rovira, la mexicana Verónica Falcón y el británico Andy Nyman son los últimos nombres que se han sumado al reparto de «Jungle Cruise», una cinta de aventuras liderada por Dwayne «La roca» Johnson, informó hoy Variety.

Por ahora se desconoce qué personajes interpretarán en esta película dirigida por el español Jaume Collet-Serra, que se basa en una de las atracciones más conocidas de Disney World, donde el público se embarca en un recorrido guiado a través de diferentes ríos del mundo.

El filme, cuya historia se desarrolla a comienzos del siglo XX en plena selva amazónica, cuenta también en su elenco con Emily Blunt, Édgar Ramírez y Jack Whitehall. Michael Green («Logan») es el autor final del guion, al que contribuyeron también J.D. Payne y Patrick McKay.

La intención del estudio Disney es que la película sea el punto de partida de una posible nueva saga cinematográfica al estilo de «Piratas del Caribe», protagonizada por Johnny Depp.

En la cinta, Johnson encarna al capitán de un barco que decide ayudar a dos hermanos (Blunt y Whitehall) en una misión para encontrar un árbol con poderes curativos
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La caída en desgracia de Johnny Depp, abucheado en su última aparición

Johnny Depp ha vivido tiempos mejores en lo que a su carrera se refiere. Su última aparición en público fue este fin de semana en San Diego, en Comic Con, para presentar su película «Animales fantásticos y dónde encontrarlos 2: Los crímenes de Grindelwald». Además, lo hacía después de los rumores que ha habido sobre su salud. Sin embargo, la audiencia, acostumbrada a las sorpresas en este tipo de presentaciones, no recibió a Depp todo lo bien que se esperaba. Al contrario.

El abucheo contra el actor fue general y los organizadores se vieron obligados a subir el volumen de su micrófono para que los aplausos se dejaran sentir por encima de la bronca. Fue algo nuclear ver al ídolo caer. Allí estaba Depp, el adorado en otra época por la saga Piratas del Caribe, siendo abroncado por una muchedumbre de fanáticos.

Johnny Depp sorprendió a la audiencia de Hall H en el panel de «Animales fantásticos y dónde encontrarlos 2: Los crímenes de Grindelwald» el sábado por la mañana, ofreciendo una conferencia vestido como el personaje y representando parte de su discurso fascista. Era lo apropiado para un personaje que, en el universo de Harry Potter, es esencialmente un cruce mágico entre Hitler y Mussolini.

Depp, como Grindelwald, dio una conferencia asegurando que no quiere destruir a los muggles (también conocidos como humanos), porque son «diferentes» de los magos. Pero el actor no adoptó las inflexiones del habla o el acento vistos en la pantalla del tráiler de Bestias Fantásticas 2 que se proyectó el sábado durante la Comic-Con. En lugar de eso, murmuró de forma vacilante, dando cierta actualidad social a su papel y más de uno se acordó de Donald Trump.

La aparición sorpresa fue especialmente inesperada dados los problemas personales recientes de Depp. Un perfil de Rolling Stone lo presentó hace unos días como un hombre frecuentemente ebrio y atormentado por cuestiones financieras, algunas de ellas relacionadas con su divorcio de Amber Heard, quien acusó al actor de abuso. Curiosamente, Heard también estuvo en el escenario –junto a Jason Momoa– del Hall H de Warner Bross para promocionar Aquaman escasos minutos después de la presentación del actor.

No estuvo claro si los dos, Depp y Heard, que se divorciaron en el 2017 tras un turbulento matrimonio, tuvieron oportunidad de conversar en el backstage. Si lo hicieron, tuvieron apenas 20 minutos. «Johnny terminó en el escenario antes de que Amber llegara a esa zona», confirmaron fuentes cercanas a los estudios. Amber Heard y Johnny Depp estuvieron cerca, pero no se encontraron.

Lo que sí sabemos es que al termino de la presentación, el abucheo contra Depp se convirtió en aplauso. El tráiler y la interpretación de su personaje en vivo consiguieron encantar al público que había esperado ansioso la presentación del filme. Las presentaciones de las nuevas películas de Warner Bros se llevaron a cabo en el Hall H. Tras las dos ya citadas, pasaron por el panel de los estudios: «Lego Movie 2», «Godzilla: Rey de todos los monstruos», «Wonder Woman 1984» y «Shazam&raquo
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La frase improvisada de Robert Downey Jr. que cambió el universo Marvel

La primera película de «Iron Man», hace ya una década, no solo resucitó a Robert Downey Jr., reconvirtiendo al que fuera una promesa del cine ahogada en sus adicciones en un carismático superhéroe. También inició el exitoso periplo de Marvel en la gran pantalla.

Pero más allá de ser el primer paso de la compañía en el cine, «Iron Man» no se entiende sin Robert Downey Jr., resposnable en gran medida del exito de un superhéroe que reveló sin miedo su identidad al mundo, y salió reforzado de la atrevida jugada. Un momento decisivo para el Universo Cinematográfico de Marvel. Sobre todo porque no estaba en los planes del equipo de la película, sino que fue una improvisación del propio actor.

«Cuando cambias algo sin razón es porque no es importante. Pero, ¿y si haces un cambio para duplicar el espíritu y los valores de un personaje? Ese es el cambio que quisimos introducir con la escena final de “Iron Man”. Cuando va a leer la tarjeta pero en vez de eso decide decir “Soy Iron Man”», ha explicado Kevin Feige.

«Eso parece ir completamente de acuerdo con quien es realmente el personaje. Simplemente no se había hecho antes en los cómics, pero es algo muy acorde con el personaje y lo podría haber hecho. Creo que es un espíritu que nos inspiró en todas las películas. Lo que amo ahora, después de 20 películas, es que la gente sigue esperando que el UCM cambie y se adapte», ha declarado
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Carlos Bardem arremete contra Pablo Casado para defender a su hermano

El reconocido actor Carlos Bardem ha querido aprovechar que Pablo Casado ocupa los titulares de los medios de comunicación –tras su nombramiento como presidente del Partido Popular– para recordar las palabras que el político le dedicó a su hermano en el programa de Intereconomía «El gato al agua» y arremeter contra él.

«Javier Bardem ha alcanzado la excelencia en su profesión. Tiene los mayores premios de interpretación, algunos repetidos. Pablo Casado es un tipo que miente sobre su currículum, fraudulento e inflado. Pero Pablete es quien llama imbécil y subnormal a Javier: la derecha civilizada», publicó en su cuenta de Twitter.

Javier Bardem ha alcanzado la excelencia en su profesión. Tiene los mayores premios de interpretación, algunos repetidos. Pablo Casado es un tipo que miente sobre su currículum, fraudulento e inflado. Pero Pablete es quien llama imbecil y subnormal a Javier: la derecha civilizada— Carlos Bardem Oficial (@carlosbardem)

22 de julio de 2018Pero no es el único comentario que el actor ha hecho en contra de Pablo Casado ya que su timeline está plagado de publicaciones que cuestionan la integridad del político. «En su decidido afán y entusiasmo regenerador, el PP elige por aclamación a Pablo Casado, un señor que confunde Harvard con Aravaca a efectos curriculares y se saca carreras en meses con sospechosa facilidad. Todo cristalino. La vida sigue igual», escribió.

En su decidido afán y entusiasmo regenerador, el PP elige por aclamación a Pablo Casado, un señor que confunde Harvard con Aravaca a efectos curriculares y se saca carreras en meses con sospechosa facilidad. Todo cristalino. La vida sigue igual #L6Nppresidente 🤪— Carlos Bardem Oficial (@carlosbardem)

21 de julio de 2018Para quien no lo recuerde, Pablo Casado llegó a recomendar a los espectadores de «El gato al agua» que fueran «a ver a Tadeo Jones en vez de a este subnormal diciendo estas cosas». «Como es un imbécil y estoy harto de toda la familia Bardem, que venga a dar lecciones de democracia, que no los ha votado nadie, tengo que aguantarles todas las manifestaciones, no representan a nadie», añadía.

Esa era la respuesta de Casado a unas declaraciones que Bardem había hecho en la presentación de «Skyfall», en la que él interpreta al malo que se enfrenta a James Bond. «Los villanos de hoy son los que rescatan a los bancos y no a las personas. Los que hacen que los bancos no piensen en quiénes son las personas que están desahuciando. Ellos hacen mucho más daño del que yo pueda hacer en esta película», dijo
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Play Cine 2018-07-23 05:59:33

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Los carteles más emblemáticos de Macario Gómez

El destacado ilustrador catalán Macari Gómez Quibus, conocido profesionalmente como Mac, autor de icónicos carteles de películas de la época dorada de Hollywood, como «Los 10 mandamientos», «Un tranvía llamado deseo», «Psicosis», «Quo Vadis» o «Doctor Zhivago», ha fallecido a los 92 años en Olesa de Montserrat.

Considerado como uno de los mejores cartelistas tanto en el panorama cinematográfico nacional como internacional, se le atribuyen cerca de 6.000 carteles. Sus trabajos obtuvieron un amplio reconocimiento entre los espectadores y profesionales del cine, y entre sus admiradores se encontraban actores como Charlton Heston, Kirk Douglas, Stanley Kramer y Marlon Brando, o incluso célebres artistas como Salvador Dalí.

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Nacido en Reus (Tarragona) en 1926, Macario Gómez se formó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, donde ingresó impactado por la obra del pintor Mariano Fortuny, e inició su carrera profesional haciendo anuncios publicitarios para cines. Fue contratado en 1952 por el entonces famoso estudio de diseño publicitario Esquema de Barcelona, donde en 1955 comenzó a firmar sus obras con el nombre de Mac.

Su gran oportunidad le llegó de la mano de la Paramount, con la película «Los diez mandamientos», para la que creó un cartel que llamó la atención de Charlton Heston, quien quiso conocerle personalmente cuando el actor visitó Madrid en 1959. Durante los más de treinta años que el ilustrador estuvo en activo elaboró creaciones para toda clase de películas, de grandes compañías como Paramount, Warner, Metro-Goldwyn-Mayer o Cinema International Corporation.

Además de crear carteles para estas productoras, también trabajó para filmes españoles, e hizo los carteles de películas como «El Verdugo», «Noche de Verano», «Carmen la de Ronda» o «Ha llegado un ángel», entre muchas otras. Después de trabajar casi sin descanso durante las décadas de los 60 y 70, la llegada de la crisis en las salas de cine en los años 80 por la aparición de los videoclubes le llevó a reorientar su trabajo hacia las carátulas.

En el año 2006 la Filmoteca Española acogió la exposición «Firmado Mac», donde se mostraban los 75 trabajos más representativos de los carteles cinematográficos que realizó durante su carrera. Ya retirado y a punto de cumplir 90 años, aceptó excepcionalmente el encargo de hacer un cartel para «Voyeur», tras pedírselo el productor de Olesa de Montserrat Pep Amores, que en los últimos años ha luchado para que se reconozca la figura de Mac.

Pep Amores ha señalado que con el fallecimiento de Mac el cine «ha perdido a uno de los más grandes cartelistas de la historia del séptimo arte, un brillante creador de mente muy despierta que era capaz de interpretar, sintetizar y plasmar en una pintura el alma de lo que se quería representar».

A lo largo de su carrera como ilustrador de carteles de cine, Mac recibió diversas distinciones, como el premio al cartel de «Objetivo Patton», de Cinema International Corporation, y al mejor cartelista de cine seleccionado por Stanley Kramer para la película «La hora final». Igualmente, fue reconocido con el Premi Sant Jordi de Cinematografía, nombrado miembro de honor de la Academia del Cine Catalán y en 2014 recibió la Creu de Sant Jordi que otorga la Generalitat de Cataluña
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John Ford: el cine escondido en el viejo y lejano Oeste

La figura de John Ford tienen tantas aristas, tantos recovecos y dobleces, como insondable es su filmografía. Se podría decir, y es un tópico, que hay tantos John Ford como intentos de aproximarse a su figura o a su cine. James Steward decía que si coges todo lo que hayas oído decir del director de «Centauros del desierto» y lo multiplicas por cien, seguirás sin tener ni idea de cómo es. Ford apenas si dejó filtrar parte de su complejidad en las más de 150 obras que firmó. Su polisemia se revela al descubrir que su nombre verdadero era John Martin Feeney, que empezó su carrera como Jack Ford y que terminó siendo, simplemente, John.

Él es quien elevó el wéstern –un género barato que las productoras usaban para cuadrar los balances anuales– y lo llenó de matices tan profundos e infinitos como el propio desierto, el cineasta que hizo de un desconocido John Wayne al gran héroe americano, el hombre, al fin, que cada vez que terminaba una película cogía su barco y una botella de whisky y se iba a alta mar para desaparecer del mundo y encontrarse de nuevo.

Su trabajo, del que se escogen sin dificultad dos docenas de obras maestras irreprochables, ha sido calificado por un adjetivo y su antónimo. Ford es el militarista recalcitrante cuyos personajes se toman la justicia por su mano o ese que les obliga a rebelarse sin más armas que la dignidad –su rechazo a la autoridad es de los pocos elementos en claro que arrojan sus biografías–; en ocasiones acusado de machista y en otras de mirar demasiado por las mujeres; el director que llegaba a las reservas de los indios a aprovecharse de su acervo o aquel al que la tribu Navajo «bautizó» como Natani Nez, soldado alto… y todos tan reales que se escapan en obras como «Pasión de los fuertes», «Fort Apache»… y sus «contrarias», «El gran combate» y «Siete mujeres».

Su vida, como su obra, está también plagada de esas dobleces. Era Saramago quien decía que para comprender la realidad hay que hacerlo a partir de las contradicciones. El hombre que se presentó ante el sindicato de cineastas con un sencillo «me llamo John Ford y hago películas del Oeste» no ganó ninguno de sus seis Oscar por un wéstern. Y es el director con más estatuillas de toda la historia de Hollywood siendo uno de los más críticos con el funcionamiento de la Academia.

Cómo sería su complejidad que el mejor director de todos los tiempos –recuerden aquella respuesta de Orson Welles: «Mis tres directores favoritos son John Ford, John Ford y John Ford»– odiaba tanto hablar de cine que multaba con 50 centavos a quien lo hiciera durante las cenas de los rodajes. Ahí queda esa definición de François Truffaut, que decía que Ford es uno de esos poetas que no hablan de poesía
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El día que Carlos Lozano recogió un Oscar en Hollywood

Hoy en día, hablar de Carlos Lozano es hacerlo de una de las personalidades más mediáticas del mundo del corazón en España. Habitual de «Sálvame», el espacio diario de Telecinco en el que hace unos meses tenía incluso una sección propia, el presentador ha protagonizado momentos muy sonoros en los últimos años. Aunque antes de eso, fue uno de los conductores de programas más exitosos de la televisión española.

Su papel al frente de la exitosísima primera edición de «Operación Triunfo», de hecho, le hizo ganar el prestigioso TP de Oro en 2001. Un año más tarde y por el mismo programa, volvió a estar nominado al galardón, aunque poco a poco su carrera fue derivando hacia otros menesteres. Cada vez con menos peso en la televisión española, emigró a Latinoamérica hasta que en 2016, tras varios años desaparecido, resurgió como uno de los concursantes de la cuarta edición de «Gran Hermano VIP».

Carlos Lozano (I)

Acabó segundo en el programa, y su carrera se relanzó parcialmente. Comenzó a presentar en Cuatro «Granjero busca esposa» y a colaborar en espacios como «Mad in Spain», «Sálvame» o el propio «Gran Hermano» como tertuliano, pero su caché nunca ha vuelto a ser el mismo. «Operación Triunfo», de hecho, se olvidó totalmente de él cuando Gestmusic grabó el documental «OT: El reencuentro», en el que aparecieron todos los que hicieron posible aquella aplaudida primera edición del programa musical.

Su experiencia como actor
Tras más de veinte años en la pequeña pantalla, nadie duda de las tablas de Lozano como presentador o tertuliano. Aunque la que no es tan conocida es su faceta como actor, en la que también se ha prodigado. Como intérprete, ha aparecido en series españolas de finales de los noventa como «Casa para dos», «Ada madrina» o «Canguro», así como en la telenovela peruana «Avenida Perú», que protagonizó en 2013.

También ha formado parte de varias películas españolas, como «Marujas asesinas», «Pata negra»… o la condecorada «Todo sobre mi madre», el último filme español en ganar el Oscar a Mejor Película Extranjera. En el reconocido drama de Pedro Almodóvar, Lozano interpretaba a Mario. El filme triunfó en los premios de cine por excelencia y fascinó a todo el mundo. «Todo sobre mi madre» se llevó el Oscar y con la película, también lo ganó Lozano, cuyo último trabajo como actor, eso sí, se remonta a hace más de diez años.

Lleva alejado de la gran pantalla desde 2007, cuando rodó el excéntrico filme dominicano «Operación Patakón», en el que interpretó al Capitán Bermúdez. Aunque Lozano no olvida «su» galardón, como aseguró hace unos años en un encuentro digital en «El mundo». «Mi experiencia con Almodóvar fue fantástica. Conseguimos un Oscar, ir a Hollywood a recogerlo…», recordaba, antes de confesar su interés en «hacer cine». De momento, que le quiten lo ‘bailao’
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Lars Kraume: «Si no luchas por tus opiniones y sentimientos, estás muerto»

En 1956, cinco años antes de que se levantase el Muro de Berlín, el mundo todavía estaba recuperándose de los vestigios de la Segunda Guerra Mundial. Por si fuera poco, a finales de aquel año el pueblo de Hungría se reveló contra el Gobierno del país, por las políticas impuestas en el territorio por el mandato de Nikita Kruschev en la Unión Soviética. Las revueltas, encabezadas por estudiantes y con el objetivo de liberar al país del comunismo soviético, se extendieron durante tres semanas, entre el 23 de octubre y el 10 de noviembre. En ellas, murieron miles de civiles húngaros –entre 2.000 y 5.000, según datos de «BBC»– y más de 700 militares de la URSS.

La revolución silenciosa

Consecuencia de ello, un grupo de estudiantes de una escuela de la ciudad alemana de Stalinstadt, la hoy conocida como Eisenhüttenstadt, decidió solidarizarse con los revolucionarios y guardar un minuto de silencio en clase, en protesta por la represión soviética. Un hecho simbólico que recoge en sus memorias el profesor alemán Dietrich Garstka, fallecido el pasado 18 de abril y que fue uno de los jóvenes implicados en la protesta. Hace doce años, el libro cayó en manos del director de cine italoalemán Lars Kraume (Chieti, 1973). Le fascinó, aunque en aquel momento «no pensó en hacer una película sobre ello». Más de una década después, el cineasta estrena en España «La revolución silenciosa», inspirada en aquel minuto de silencio que Garstka plasmó en su obra y que Kraume define a ABC como «una película conmovedora, sobre el poder de la solidaridad y acerca del valor y necesidad de la libertad de expresión, dos valores fundamentales y que nunca pueden olvidarse».

«La Alemania de mitad de siglo era totalmente diferente al país que hoy conocemos. El Este era de una manera y el Oeste, de otra muy distinta. En ambas zonas, eso sí, la gente comenzaba a creer algo nuevo, porque todos se habían dado cuenta de que el fascismo no era la solución», cuenta el cineasta. «El capitalismo y la democracia se impusieron en el Oeste y el socialismo, al Este, en una época en la que la nota dominante era el silencio», agrega el realizador, que cuenta «La revolución silenciosa» como su séptimo largometraje. El quinto, «El caso Fritz Bauer», fue todo un éxito y se coronó en los Deutscher Filmpreis, los premios por excelencia del cine alemán.

Presentada este año en la Berlinale, «La revolución silenciosa» está protagonizada por un elenco de actores que apenas superan los veinte años, como Tom Gramenz, Lena Klenke o Leonard Scheicher, pero que aún así tienen que viajar en el tiempo para ponerse en la piel de ese valiente grupo de jóvenes estudiantes. «Trabajar con ellos ha sido una experiencia fantástica. Tengo dos hijos de edades similares, por lo que estoy acostumbrado a lidiar con chavales», sopesa Kraume, que solo le pone un pero a la inexperiencia de sus protagonistas. «Al ser tan jóvenes, apenas sabían nada sobre las diferencias que había entre el Este y el Oeste de la Alemania de la época. Por ello, tuvimos que ver varias películas que estaban prohibidas en la República Democrática Alemana (la Alemania del Este), para que se metiesen en contexto», confiesa.

Un tiempo «muy difícil»
Tanto «El caso Fritz Bauer» como «La revolución silenciosa» están ambientadas en el mismo lapso de tiempo y espacio: mediados de la década de los cincuenta en Alemania, si bien la primera se ciñe en concreto a 1957 y la segunda, a 1956. «Es una época muy difícil y que apenas ha sido tratada en el cine. Hablar de la Segunda Guerra Mundial, del régimen de Adolf Hitler o incluso de la revolución estudiantil de los setenta es mucho más espectacular. El silencio mandaba en los cincuenta y por eso no se ha contado mucho de lo que allí ocurrió, pero es muy interesante explorar todos los secretos que hay ocultos en esos años y todas las cosas de las que la gente no ha hablado nunca. En ese tiempo, la sociedad alemana se transformó, pero el horror del fascismo todavía seguía vivo en las casas y en las familias», asegura el director, que también se refiere a la relevancia que tomó entonces la libertad de expresión. «La película está rodada en un ambiente optimista. Los niños tienen comida, familias, amigos, educación, sus padres les llevan en moto al colegio… todo es muy romántico, muy bonito. Hasta el momento en que tienen que considerar si les compensa renunciar a todo por poder tener libertad de opinión, que es cunado todo cambia», fundamenta Kraume.

En ese sentido, el cineasta lo tiene claro. «Pocas cosas hay más importantes que creer en la fuerza de la solidaridad y en la libertad de expresión. Si tienes una opinión, tienes que hablar en voz alta. Si no lo haces, estás muerto. Tienes que levantarte, luchar por lo que piensas y tus sentimientos. Ese es el gran mensaje de la película», afirma tajante mientras habla acerca de lo «intoxicada» que estaba la información a mediados de siglo en el país germano. «Alemania fue el lugar más oscuro durante el siglo XX. La propaganda que allí se hacía entonces es lo equivalente a las ‘fake news’ de hoy en día», recalca. «Muchas veces, la gente lee o escucha algo y ya se cree que es cierto sin pararse a pensar en ello ni a hacerse preguntas. ¿Qué significa? ¿Hay otro punto de vista posible? ¿Qué diría el enemigo ante esto? No se puede confiar en una única fuente de información, hay que unir todas las piezas para constuir el puzzle. No hay más que ver a cualquier niño, al que su padre le dice una cosa, su profesor otra y la televisión otra distinta», concluye el cineasta que espera que, especialmente, «la gente joven» vea su película
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Muere «la voz» de Pippi Calzaslargas y Whoppi Goldberg

La dobladora María Dolores Gispert que puso voz a actrices como Whoppi Goldberg o Kathy Bates en el cine y a personajes de televisión tan inolvidables como Pippi Calzaslargas ha fallecido hoy a los 84 años, según informa el sindicato de artistas de doblaje de Madrid (ADOMA) en su cuenta de Twitter.

«Nos informan del fallecimiento de María Dolores Gispert. Queremos hacer llegar todo nuestro afecto a familiares, compañeros y amigos. DEP», señala el mensaje.

Gispert se dio a conocer como locutora en Radio Barcelona para después iniciarse en el doblaje de películas a mitad de los años cuarenta.

La catalana, que provenía de familia de artistas, participó en cintas míticas, como «Irma la dulce», «Bonnie & Clyde» o «Duelo a muerte en OK Corral», y también dobló a una de las replicantes de Blade Runner, interpretada por Joanna Cassidy.

Prestó su voz también a divas de Hollywood como Carol Lombard y Darlene Love.

También fue directora de rodaje, tarea que desempeñó simultaneando la tarea de poner voz a Whoopi Goldberg en «El color púrpura»; también dirigió los trabajos de doblaje en «La lista de Schindler».

Según publica la página web ElDoblaje.com, la artista prestó su voz a la afroamericana en 51 de sus películas y también se encargó de doblar a Kathy Bates en otras cinco ocasiones, en cintas tan recordadas como el «Titanic&raquo
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El inesperado talento de Paula Maxa, la actriz a la que mataron 358 veces

El nombre de Paula Maxa no está en la memoria colectiva como el de Brad Pitt, por ejemplo y, sin embargo, la actriz francesa (7 de diciembre 1898- 23 septiembre 1970) tiene un lugar en la historia del cine mundial.

Fue su especialidad, morir en pantalla, en muchas ocasiones de una forma brutal y despiadada, la que la convierte en parte de la historia del celuloide. Tan bien hacía de víctima que Maxa, cuyo nombre real era Marie-Thérèse Beau, fue elegida para interpretar el papel de asesinada hasta en 358 ocasiones.

La cuestión no era casual. Los directores de la época apreciaban sus gestos excesivos, los gritos (mudos, eso sí) de terror, a los que acompañaban dos expresivos ojos saltones de los que brotaban lágrimas en su excelente simulación del pánico y la histeria de ser matada.

De hecho, su registro cinematográfico es menor comparado con su verdadera carrera: el teatro. Allí, sobre las tablas, murió hasta en 30.000 ocasiones.

Tan encasillada quedó para el celuloide que la propia Maxa rechazó seguir interpretando víctimas en los últimos papeles de su vida, y optó por reinventarse en el teatro, vivita y coleando, haciendo papeles de comedia
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José Luis Cuerda regresa «Tiempo después» al Festival de San Sebastián

En julio de 2017, José Luis Cuerda decía en ABC que, «si todo iba bien», presentaría «Tiempo después» –secuela de «Amanece que no es poco»– en el Festival de San Sebastián. Pocos directores tienen la ascendencia de aseverar que uno de los quince festivales del mundo de primera categoría va a apostar sí o sí por su filme. Pero José Luis Cuerda no es solo un mito, sino que es historia del certamen desde que en 1987 se llevara la mención de honor por «El bosque animado». Ayer, en la presentación en Madrid de
la 66 edición del Festival de San Sebastián
, confirmaron que «Tiempo después» formará parte de la Sección Oficial, aunque fuera de concurso.

Quienes sí competirán por la Concha de oro a la sombra de Cuerda serán Carlos Vermut, con «Quién te cantará»; Isaki Lacuesta, con «Entre dos aguas»; Icíar Bollaín, con «Yuli» y Rodrigo Sorogoyen con «El Reino». También, y por segundo año consecutivo, una serie de Movistar estará en la sección oficial fuera de concurso. El afortunado este año es Enrique Urbizu, que presentarán la serie de televisión «Gigantes», seis capítulos hilvanados por el personaje de José Coronado, un rígido padre de familia.

En recuerdo de Blake
El acto de presentación de la 66 edición de Zinemaldia comenzó con un recuerdo emocionado a la recientemente fallecida presidenta de honor de la Academia de Cine, Yvonne Blake, y ha reunido a los grandes nombres del cine patrio que todavía quedaban en la capital en pleno mes de julio. El director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos, reconoció que ha sido «complicado» escoger las películas españolas para esta edición por «el alto nivel» de una cinematografía que es requerida en los grandes certámenes del mundo.

A los títulos españoles anunciados ayer hay que sumar las confirmaciones internacionales que ya se conocían, como «High Life», de la francesa Claire Denis; «Der unschuldige/The Innocent», de Simon Jaquemet; «Illang: The Wolf Brigade», del coreano Kim Jee-woon; «Vision», de la popular Naomi Kawase; «Rojo», del argentino Benjamín Naishtat; «Le cahier noir/The Black Book», de la chilena Valeria Sarmiento; y «Michael», del debutante Markus Schleinzer. De toda esta selección tendrá que elegir el jurado –que todavía no se conoce– quiénes saldrán triunfadores de San Sebastián.

Así son las españolas de San Sebastián

Rodrigo Sorogoyen lleva a competición su nuevo largometraje, «El reino», basado en los comportamientos de un político corrupto al que da vida Antonio de la Torre, mientras Carlos Vermut presenta su tercer largometraje, «Quién te cantará», sobre la vida de una diva de la canción que queda amnésica tras un accidente.

El vasco Isaki Lacuesta, ganador por dos veces de la Concha de Oro del Festival, en 2009 por «Los condenados» y en 2011 por «Los pasos perdidos», compite ahora con «Entre dos aguas», continuación del documental «La leyenda del tiempo», con el reencuentro, doce años después, de los hermanos gitanos Isra y Cheíto, tras pasar por la cárcel.

Icíar Bollaín presentará a concurso «Yuli», un biopic sobre la vida del primer bailarín negro en interpretar papeles de blanco, Carlos Acosta, que se interpreta a sí mismo.

Rebordinos ha reconocido que, de nuevo, ha sido un año «complicado» para la selección de películas y, además de las cuatro que irán a la competición oficial, ha anunciado la presencia de Javier Rebollo como productor de la cinta «Para la guerra», de Francisco Marise, que competirá en Nuevos Directores.

Además, Rebordinos ha informado de que también competirá en Nuevos Realizadores, sección que reúne primeras o segundas películas de directores emergentes, «Apuntes para una película de atracos», de León Simiani, segundo filme tras «Mapas».

Asimismo, competirá la cinta coral «Oreina», de Koldo Almandoz, que recrea la vida de un joven vasco negro que decide vivir en una marisma fluvial del norte, una historia «real» de potente actualidad.

También competirá en nuevos directores «Viaje al cuarto de una madre», primer largometraje de Celia Rico Clavellino, que protagoniza la pareja de actrices Lola Dueñas y Anna Castillo, junto a Pedro Casablanc, en una alegoría del síndrome del «nido vacío».

Además, el vasco Telmo Esnal presenta el musical «Dantza», un canto poético a la tradición, a la tierra, a las gentes, mitos y costumbres del País Vasco.

En Zabaltegi, donde compiten las cintas de contenido más alternativo, se presentan «Belmonte», de Federico Veiroj; «Trote», de Xacio Baño, una coproducción hispano lituana; «Teatro de guerra», de Lola Arias, sobre los veteranos de la Guerra de las Malvinas, y «592 Metroz Goiti», de Maddy Barber.

Y en Perlas de otros festivales se proyectarán «El ángel», del argentino Luis Ortega; «Un día más con vida», una cinta de animación de Raúl de la Fuente y Damian Nenow sobre las experiencias en la guerra de Angola del mítico reportero polaco Ryszard Kapuscinski, y «Petra», de Jaime Rosales, con Bárbara Lennie y Alex Brendemuhl
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Jean-Louis Trintignant, derrotado por el cáncer, se retira del cine con 87 años

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Lin-Manuel Miranda, creador del musical «Hamilton», debutará como director de cine

Lin-Manuel Miranda, creador y protagonista del exitoso musical «Hamilton», debutará como director de cine con la película «Tick, Tick… Boom!», según informa el medio especializado «Deadline». Ambientada en 1990, el filme narrará la vida de Jon, un compositor teatral que trabaja como camarero en la ciudad de Nueva York a la vez que escribe un musical que espera que le lance al estrellato.

El polifacético artista de origen puertorriqueño se sentará en la silla de director para adaptar al cine el musical autobiográfico «Tick, Tick… Boom!», de Jonathan Larson, autor que también firmó un triunfo de Broadway como «Rent». Miranda, que en 2014 participó como actor en un montaje off-Broadway de «Tick, Tick… Boom!», será también productor de este largometraje junto a Brian Grazer y Ron Howard, entre otros. Además, Steven Levenson se encargará del guion de la película.

«Tener ahora la oportunidad de hacer mi debut como director, en colaboración con la familia Larson y este increíble equipo creativo, y adaptar una obra que amo tan profundamente es un privilegio que me llena de humildad», ha dicho Miranda. «La historia de Jonathan Larson es profundamente conmovedora e inspiradora», apuntó Grazer, quien destacó el «increíble talento» y la «visión única» de Miranda y Levenson.

Como actor de cine, Miranda estrenará en diciembre «El regreso de Mary Poppins» (2018), secuela del famoso musical de Disney que, en esta ocasión, cuenta con Emily Blunt como protagonista. En 2017 fue nominado a los Premios Oscar en la categoría de «mejor canción original» por la película de animación «Moana». Este mismo 2018 ha sido nominado en los televisivos Premios Emmy en la categoría de «estrella invitada en comedia» por la serie «Larry David».

El artista latino también tiene planes de adaptar su musical «In the Heights» a la gran pantalla. Este proyecto contaba con el respaldo de The Weinstein Company, pero, tras el hundimiento de la compañía debido a las múltiples acusaciones de agresión sexual en contra del productor Harvey Weinstein, los derechos de «In the Heights» fueron adquiridos en mayo por el estudio Warner Bros, que desembolsó 50 millones de dólares
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Jean-Louis Trintignant, derrotado por el cáncer, se retira del cine y se rinde de la vida con 87 años

A sus 87 años, Jean-Louis Trintignant ha anunciado que deja la actuación, que ya no puede aguantar físicamente las luchas de un rodaje, que siente la sombra de la muerte demasiado cerca como para dar vida a un nuevo personaje. A sus 87 años, el intérprete de «Amor», «Y Dios creó a la mujer», «Rojo»… se despide de la interpretación y del mundo: «Me dejo llevar. No me voy a dar quimioterapia, aunque esté físicamente listo», confesó en referencia a que no seguirá luchando contra un cáncer de próstata que hasta ahora se había tratado en Marsella.

En realidad, Jean-Louis Trintignant dice llevar muerto desde 2003, cuando su hija Marie fue asesinada por el que era su pareja, el cantate de rock Bertrand Cantet, que le dio una paliza que le provocó un edema cerebral. En 2007, el músico salió de la cárcel tras una condena por homicidio voluntario, mientras que Jean-Louis Trintignant no recuperó las fuerzas para filmar nada hasta 2012, año en el que Michael Haneke le dirigió en la desasosegante «Amor».

En activo desde 1956, Jean-Louis Trintignant ha trabajado en más de 110 películas junto con nombres tan ilustres como Brigitte Bardot, Jeanne Moreau, Dino Risi, Costa-Gavras, Éric Rohmer… Más de 110 veces en las que su nombre aparecía en los créditos tras el «The End» y, ahora, la vida y sus casualidades, dejará como cierre de su extensa filmografía «Happy End», su último trabajo con Haneke, que el azar ha traído a España este viernes después de que se presentara en el Festival de Cannes hace año y medio.

Requerido por los grandes
Pese a su veteranía, los cineastas europeos querían seguir trabajando con Trintignant, que reveló en el periódico francés «Nice Matin» que acaba de rechazar una propuesta del director francés Bruno Dumont para iniciar un nuevo proyecto. «El cine acabó para mí», dijo. «Tuve miedo de no dar la talla físicamente. Ya no logro desplazarme solo, siempre necesito a alguien a mi lado».

Irene Jacob y Jean Louis Trintignant protagonizaron «Rojo», la tercera entrega de la «trilogía de los colores», de Krzysztof Kieślowski
Para la historia deja un puñado de obras clave de la cinematografía europea. Una carrrera en la que siempre le acompañó el favor de la crítica. Desde 1969, en Cannes, donde se llevó el premio a mejor actor por «Z», de Costa Gavras; y un año antes, en Berlín, donde hizo lo propio por su actuación en «El hombre que miente», de Alain Robbe-Grillet, hasta 2012, donde levantó el César -el Oscar de Francia- por «Amor».

«¿Por qué nos dan premios?», se pregunta en la entrevista en la que anuncia su adiós. «Los actores estamos lo suficientemente bien pagados. Sería mejor dar el Oscar a los que tienen que hacer trabajos poco divertidos», responde cargado de ironía, como cuando explica sus encontronazos con la fama. «Era muy tímido. La notoriedad nunca me interesó. Es divertido la primera vez que te conocen, luego ya cansa».

Quizá el Trintignant que comenzó a estudiar Derecho con 18 años no quería la fama, pero cuando a los 20 años descubrió que quería ser actor y director y se trasladó a París, todo cambió. Pronto, con 26 años, ya rodó junto con Brigitte Bardot «Y Dios creó a la mujer» (1956), de Roger Vadim, donde interpretaba el papel de tímido esposo de la musa francesa.

Jean-Louis Trintignant

Ya lanzado, directores como Eric Rohmer, René Clement o Philippe Coudroyer le sumergieron en la «Nouvelle Vague». Luego llegaron trabajos comerciales que le hicieron viajar por todo el mundo: «Un hombre y una mujer» (1966), de Claude Lelouch; «El conformista» (1970), de Bernardo Bertolucci, y «La escapada» (1974), de Michel Soutter. Después protagonizó «La terraza» (1980), «La noche de Varennes» (1982) y «Entre el amor y la muerte» (1981), las tres de Ettore Scola; «Mata Hari» (1964) y «Las relaciones peligrosas» (1959), ambas junto con Jeanne Moureau… Cientos de personajes a los que puso piel, voz y alma. Igual por eso, cuando en «Nice Matin» le preguntaron si le gustaría reencarnarse, Trintignant dejó una respuesta imborrable: «No, no [me reencarnaría] en un animal, más bien en un insecto, soy muy pequeño&raquo
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«Mamma Mia: Una y otra vez»: Cher y Meryl Streep se cuelan en el «after» de la fiesta de ABBA

Los protagonistas de la primera entrega de «Mamma Mia» han vuelto para bailar, de nuevo, al ritmo de las canciones de ABBA. Lo hacen diez años más viejos, al menos los actores de la cinta original -Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth, Amanda Seyfried, Julie Walters y Stellan Skarsgård-, ya que el espectador descubrirá a sus personajes en la etapa de juventud.

Y es que «Mamma Mia: Una y otra vez» es una precuela a la secuela, donde el tiempo regresa a los orígenes de Donna, con la joven Lily James en el papel de Meryl Streep volviendo a la época en la que conoce a los tres hombres que habrían de cambiar su vida. «Fue desconcertante interpretar un personaje al que había dado vida Meryl Streep. Obviamente, dudé de mi capacidad para hacerlo, pero después de ver “Mamma Mia” por enésima vez recordé que estaba creando a mi propia Donna Sheridan, no a una joven Meryl», confiesa Lily James con ABC como testigo. «Qué duda cabe que ella fue mi inspiración, porque ha moldeado una mujer valiente y brillante y, con esos parámetros, me he metido yo dentro de su papel», remata la joven actriz, un talento precoz con todo el cine por delante.

Por su parte, Amanda Seyfried vuelve a meterse en la piel del personaje de Sophie, la hija de Donna, embarazada en la ficción mientras rememora los recuerdos de su madre. «No me costó nada regresar al personaje, porque prácticamente me he interpretado a mí misma. Han pasado diez años en los que me he desarrollado como actriz, he madurado y ganado en confianza, pero quería volver a dar vida a Sophie para añadir profundidad a su personalidad», admite la actriz.

Realidad y ficción
La vida, a veces, imita a la ficción y Amanda Seyfried acababa de dar a luz a su primer hijo apenas unas semanas antes de comenzar el rodaje de «Una y otra vez». «Ha sido surreal, porque nunca esperé hacer una segunda parte de esta historia. Sinceramente, creo que este filme es aún mejor que el primero. Para mí, ha sido una experiencia extraordinaria, porque he podido identificarme más con mi personaje. Además, he vuelto a pasar tiempo con un grupo de actores que son como parte de mi familia».

Mamma Mia! Una y otra vez

Para Amanda, interpretar el embarazo de Sophie fue un delicioso imprevisto. «Al principio, tuve mis dudas, no lo niego. Consideraba innecesaria una secuela. Me mantuve escéptica durante un tiempo. Recibí la primera revisión del guion al principio de mi embarazo y me pareció que la historia era ridícula. Yo no fui la única que pensó así, también Meryl lo pensó. Luego, mi agente me llamó y me dijo que el proyecto seguía, que había hecho cambios y me mandaron otro guion. Estaba sensacionalmente escrito. Entonces, no dude en interpretarlo», confiesa, claro, en plena vorágine de promoción del filme.

Plena actualidad
La actriz explica que el éxito de «Mamma Mia» radica en las canciones de ABBA. «Tiene mucho que ver con el empoderamiento de la mujer. La relación entre madre e hija, el paisaje veraniego del Mediterráneo y, por supuesto, la música. Sin las canciones de ABBA, la película no tendría sentido. Son temas alegres, emotivos, que nos llevan a cantar y bailar. ABBA nos libera de nuestras ataduras y nos hace soñar», asegura la actriz, arrebata por el espíritu festivo del filme.

La gran novedad de esta secuela/precuela es Cher, mito indiscutible de la cultura popular, que pone la nota extravagante de la historia con su papel de madre de Donna (Meryl Streep y Lily James), que nos regala una actuación del tema «Fernando» absolutamente inolvidable. «En Estados Unidos conocíamos las canciones de ABBA, pero cuando escuché “Fernando”, antes de firmar para la película, quedé atónita por su complicación. Es un tema que invita a actuar, complejo y bien orquestado, perfecto para interpretarlo junto con Andy García, porque la relación entre los personajes y lo que dice la canción está magistralmente construido por los guionistas», explicaba la diva en la presentación del filme.

Estrella invitada
Cher decidió participar en el proyecto tras recibir una invitación personal de Ron Meyer, vicepresidente de Universal. «Fue algo intimidante enfrentarme a las canciones de ABBA y adaptarlas a mi forma de cantar, a mi voz. Me he dado cuenta de que sueno muy diferente con estas canciones a como suelo cantar yo», explicó la cantante, quien se sintió arropada por el resto de las estrellas del cásting. «No sabía cómo iban a recibirme y, la verdad, me he sentido adorada. Ver a Meryl escondida detrás de una columna para verme interpretar mi número fue un halago enorme», admite Cher.

La propia Meryl Streep le devuelve el cumplido: «Es fantástica. Fui al rodaje el día que interpretó “Fernando” y descubrí que iba a robarnos la película», cuenta la actriz con más Oscar de la historia. Por su parte, Andy García, encargado de dar vida a Fernando, define a Cher como «maravillosa». «Como se puede imaginar, actuar con ella es aterrador. De no haber sido en “Mamma Mia”, una película que invita a la alegría y la distensión, no me hubiera atrevido», reveló el intérprete. Para la veterana Christine Baranski, actriz acostumbrada a actuar en musicales de Broadway, volver a rodar una segunda parte de «Mamma mia» fue un «regalo inesperado». «La idea de participar en un rodaje con Cher no se me había pasado por la imaginación. Todas las mañanas me pellizcaba para convencerme de que no estaba viviendo un sueño», sentencia.

Diez años no son nada: un viaje en el tiempo desde Grecia

Han pasado diez años desde la llegada a los cines de la versión del musical de ABBA. Diez años en los que todo, o casi todo, ha cambiado, y aunque el espíritu original se mantiene, ni la Grecia que vemos en el filme es realmente Grecia. Los productores se llevaron el rodaje a Croacia, a la espectacular isla de Vis, para recoger toda la luz del Mediterráneo. No es el único viaje que han tenido que hacer los protagonistas: el más importante en «Mamma Mia: Una y otra vez» es el que hacen en el tiempo, hasta 1979. De esta manera, los incondicionales de la primera película descubrirán los orígenes de la valiente y animada joven Donna Sheridan (Lily James) y sus amigas Tanya (Jessica Keenan Wynn) y Rosie (Alexa Davies), conocidas como Donna y Las Dínamos. Juntas se van desde Oxford a Europa para recorrer el viejo continente hasta que descubren un paraíso terrenal en la isla griega de Kalokairi. Allí, entre canción y canción, descubren el amor y una forma de vida que es en realidad una permante fiesta. Desde este momento y hasta llegar a lo que el espectador vio en la película de 2008, la protagonista -que en su madurez interpreta Meryl Streep- se queda embarazada en lo que desemboca en la historia por todos conocida. Así se llega al último viaje del filme -sin destripar ninguno de sus puntos clave- en el que la protagonista, con el apoyo de su padrastro (Pierce Brosnan), pelea por dar sentido a su propia vida.

F. Muñoz
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Michael Haneke: «Vivimos engañados por la tecnología»

Con precisión de cirujano, la cámara de Michael Haneke secciona la automatización de la burguesía hasta amputar, con cada secuencia, la frialdad que erosiona a la sociedad actual. No hay piedad en Haneke. El ganador de la Palma de Oro de Cannes en dos ocasiones regresa con su acidez característica para declarar la guerra a las redes sociales, al cruel narcisismo del iPhone que seduce al ego, tragedia y denuncia en una enorme metáfora sobre la opresión de las clases más deprimidas. Así es Haneke, un director capaz de transformar su cine en un ejercicio contra los peores valores de la humanidad.

P – ¿Simboliza su película ese estado zombi en el que vive la burguesía?

R – Sí. Somos autómatas autistas que no nos damos cuenta de cómo el exceso de información nos está alejando de la realidad. Nos dejamos manipular por las noticias de las redes sociales sin realmente entender lo que sucede a nuestro alrededor. Cada personaje de mi película representa o revela ese estado. No me gusta explicar el contenido de mi trabajo porque tiene más sentido cuando se ve. Mi reto tras las cámaras es crear un clima que infecte a la audiencia del sentimiento que quiero provocar con la película y que eso lleve a una discusión.

P – ¿Qué le motiva a llevar a cabo esa crítica?

R – Como artista, trato de crear sobre lo que despierta mi curiosidad, lo que considero que necesita expresarse en la pantalla. Vivimos en una sociedad aletargada, completamente engañada por la tecnología.

[Crítica de Happy end]

P – ¿Su película es una provocación?

R – Sí, por supuesto. Es una provocación, está concebida para provocar. Todas las reglas están dirigidas para que el público se vaya a casa contento y feliz de que la película se ha acabado. La historia rompe sus esquemas.

Happy End

P – ¿Su cine puede catalogarse de nihilista porque en sus historias no hay esperanza…?

R – Tal vez, pero entonces el mundo es en sí nihilista porque los problemas que yo presento son reales. Podemos intentar escondernos, como hace la familia de mi película, pero están ahí. No tengo una actitud negativa, creo que como artista mi trabajo consiste en provocar. Debemos abrir los ojos a lo que está sucediendo en el mundo y dejar de vivir en nuestra torre sin mirar alrededor.

P – ¿Es crítico con el progreso?

R – Me preocupa que no sepamos adaptarnos a la tecnología. Fingimos saber cuando no sabemos nada. Tenemos contenido que no sabemos leer. La información que recibimos es puramente superficial, no nos enseña.

P – ¿Qué representa la violencia en sus películas?

R – Un lugar del que hay que huir, pero que provoca siempre un debate interno en el espectador. Cada una de mis películas es diferente a la anterior, pero, al final, te quedas con la sensación de que el mundo necesita cambiar. Quiero generar debate, provocar un cambio. Ese es el trabajo de cualquier artista. A título personal, me da terror la violencia, el dolor.

P – ¿Cómo escribe sus guiones?

R – «Happy End» nació como consecuencia de lo que vemos en las noticias cada día, es una reacción personal a una situación social que me intriga.

P – Hay un cierto formalismo en la película que recuerda a Roman Polanski o Stanley Kubrick…

R – He crecido dentro de la cultura europea y hay un gran número de directores a los que admiro, pero no me he inspirado en un director particular para hacer este proyecto
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Crítica de La revolución silenciosa: No sin mi amigo

El director alemán Lars Kraume dirige y escribe «La revolución silencios»a a partir de los hechos reales descritos en la novela autobiográfica del recientemente fallecido Dietrich Garstka, «The silent classroom», publicada en 2006.

La revolución silenciosa

Ambientada en la ciudad de Stalinstadt (actualmente Eisenhüttenstadt), en Brandenburgo, la película recrea magistralmente un episodio vivido en la Alemania del Este en la época de las revueltas húngaras contra el poder soviético en 1956. Un grupo de jóvenes a punto de graduarse decide guardar dos minutos de silencio en clase en protesta por la represión soviética en Budapest. El resultado es una investigación por parte de las autoridades académicas para destapar a los supuestos cabecillas de semejante acto contrarrevolucionario. La solidaridad entre los compañeros será interpretada como un gesto subversivo antisocialista, y ello tendrá consecuencias desastrosas para los chicos y sus familias.

La película tiene como base un guion de hierro que hila las diversas tramas con un magnífico pulso narrativo, un intenso sentido del suspense y una profunda hondura dramática. A la compleja reflexión política sobre la profunda irracionalidad del totalitarismo, se añaden conflictos morales interesantes relacionados con la culpabilidad, el compañerismo, las relaciones paternofiliales, el sentimiento religioso, el miedo a la verdad o las lealtades excluyentes. A pesar de lo dramático de las situaciones y del sufrimiento de los personajes, la película ofrece una salida esperanzada, no solo por la resolución de la historia, sino por la fe positiva que profesa en el ser humano y en su capacidad de nobleza.

La puesta en escena es muy eficaz, enmarcada en una brillante dirección de arte, y sostenida por un reparto coral excelente, en el que destacan el joven Jonas Dassler en el papel de Erik, Leonard Scheicher en el de Theo, o Lena Klenke en su homónimo papel. Estamos ante una de las mejores películas de la temporada, un excelente ejemplo de cine de revisión histórica del socialismo real, y un buen ejemplo de cine educativo. Para no perdérsela
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