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Cinesa abre en Madrid el primer cine «de lujo» de España

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Star Wars resucitará a Carrie Fisher

La actriz Carrie Fisher, que falleció en 2016 a los 60 años, aparecerá de manera póstuma en la película “Star Wars: Episode IX” por medio de metraje rodado para “Star Wars: Episode VII – The Force Awakens (2015)” (Star Wars:El Despertar de la Fuerza) que no llegó a ser utilizado, informó hoy en un comunicado Lucasfilm.

“Amamos desesperadamente a Carrie Fisher”, dijo J.J. Abrams, realizador de “Star Wars: The Force Awakens” y que también se hará cargo del noveno episodio, todavía sin título.

“Encontrar una conclusión verdaderamente satisfactoria para la saga Skywalker sin ella se nos escapaba. Nunca íbamos a elegir otra actriz o usar un personaje CG (por recreación digital). Con el apoyo y la bendición de su hija Billie, hemos encontrado la manera de honrar el legado de Carrie y el personaje de Leia en el ‘Episode IX’ usando metraje no visto que rodamos juntos en ‘Episode VII”, dijo.

Este anuncio, sin embargo, contradijo la versión previa de Lucasfilm, quien a través de su presidenta, Kathleen Kennedy, aseguró en abril de 2017 que la actriz no aparecería como la princesa Leia en la cinta que cerrará la tercera trilogía de “Star Wars”.

“Tristemente, Carrie no estará en ‘Episode IX’. Veremos un montón de Carrie en ‘Star Wars: Episode VIII – The Last Jedi’ (2017) y eso es estupendo”, apuntó Kennedy en declaraciones a la cadena ABC durante la Star Wars Celebration que se celebró en Orlando (EE.UU.) en abril del año pasado.

Esta decisión puede estar relacionada con el cambio en el timón del “Episode IX”, que iba a ser dirigido originalmente por Colin Trevorrow, realizador de “Jurassic World” (2015), pero que, finalmente, fue sustituido por Abrams debido a diferencias creativas con Lucasfilm.

Abrams es también coautor del guión junto a Chris Terrio (“Argo”).

El rodaje de esta película comenzará el 1 de agosto en los estudios Pinewood de Londres.

En el reparto confirmado de esta nueva entrega de “Star Wars” figuran Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega, Óscar Isaac, Lupita Nyong’o, Kelly Marie Tran, Billie Lourd (la hija de Carrie Fisher), Mark Hamill, Anthony Daniels y Billy Dee Williams.

El medio especializado Variety señaló a comienzos de este mes que la actriz Keri Russell, conocida por sus papeles en las series de televisión “Felicity” y “The Americans”, también participará en esta cinta, aunque Lucasfilm no detalló hoy nada al respecto.

“Star Wars: Episode IX” llegará a los cines en diciembre de
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Mentiras absurdas que el cine nos ha hecho creer y no son ciertas

Un vídeo elaborado por XpressTV ha recopilado una serie de mentiras de película que, a fuerza de repetirlas, han conseguido que se conviertan en verdad. Al menos en la ficción.

Según varias películas, por ejemplo en la mítica escena de la gasolinera de «Zoolander», si lanzas un cigarro a un depósito de gasolina habrá una explosión. Aunque no hay que intentarlo, lo más probable es que si echas una colilla a un depósito de gasolina este se apagara como si fuera agua. Salvo, eso sí, si le dieramos una calada al fumar en el momento de contacto con la gasolina, que sí explotaría.

El Tyrannosaurus Rex era el dinosaurio más letal, pero tenía un hándicap: veía muy mal, según «Jurassic Park». En realidad, no es así, según explican en este vídeo de Xpress. En 2006 se descubrió que tenía una visión fenomenal. Veía 10 veces mejor que un humano y dos veces mejor que un águila.

Otro de los mitos clásico. Para localizar una llamada, la policía tenía que hacer aguantar al interlocutor 30 segundos para localizar su ubicación. Desde los años 70, según este Xpress, esto se puede hacer de manera inmediata relativamente sencillo. No se necesitan más que unos pocos segundos incluso aunque se cuelgue el teléfono.

El espacio en su mayoría es vacío y el sonido no se propaga como lo conocemos. En «La guerra de las galaxias» o «Star Trek», y tantas otras, escuchamos las explosiones y gritos como la normalidad terráquea.

Hemos visto mil veces como para dormir a alguien en las películas aparece alguien por tu espalda con un pañuelo mojado en cloroformo. E inmediatametne la víctima cae dormida sin paliativos. Resulta que no es así del todo, que el cloroformo es un anestésico que necesita ser respirado unos cuantos minutos.

Los tiburones, al contrario de lo que nos cuentan las películas, no son insaciables. Según explica este vídeo, un tiburón blanco come el equivalente a una foca entre cinco y siete días. Además no le gusta variar de dieta
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Cinesa abre en Madrid el primer cine «de lujo» de España

Cinesa, compañía líder en exhibición cinematográfica en España, ha inaugurado este jueves un nuevo concepto de cine de lujo, el primero de estas características en el país. Lo ha hecho en sus instalaciones del Centro Comercial de Madrid Xanadú, situado entre las localidades madrileñas de Arroyomolinos y Móstoles.

El llamado «Cinesa Luxe» es uno de los proyectos «más importantes» de la compañía para este año, en el que la empresa celebra su 60 aniversario en el país. Para ello, ha necesitado de una reforma de algunas de las salas de proyección cinematográfica, según ha resaltado la compañía en un comunicado.

Entre las innovaciones que ofrece «Cinesa Luxe», y que ya se pueden disfrutar en Cinesa Xanadú, destaca la instalación en todas sus salas de butacas reclinables, más anchas que una butaca normal y con más de dos metros de espacio para las piernas. Además de ello, cada butaca contará con una mesa individual para las palomitas, la comida y la bebida.

Última tecnología
Además, cada una de las pantallas del cine incorporan la última tecnología de sonido y proyección, con sonido «surround» y proyección digital. Aparte de ello, contarán con una pantalla más avanzada en el cine que se encuentra en el auditorium iSens, que cuenta «con la tecnología más puntera para alcanzar una calidad visual y auditiva inigualable».

Esto se consigue a través de un proyector 4K y un sistema de sonido Dolby Atmos, que sumerge al espectador en la película para generar así una sensación totalmente envolvente. A ello, hay que sumar «una pantalla infinita» que se extiende de pared a pared y crea una sensación de inmersión total.

Por último, el nuevo concepto de Cinesa Luxe incorpora el llamado «Oscar’s Bar». Un espacio de restauración donde degustar productos diferentes tales como jamón, queso o embutidos, además de productos dulces, o beber una copa de vino, una cerveza de su cuidada selección o un combinado.

Experiencia «única y diferencial», con el «máximo confort»
«Se trata de una nueva forma de disfrutar del cine que ofrece al espectador una experiencia única y diferencial, utilizando la última tecnología y asegurando el máximo confort», ha señalado el managing director de Southern Europe, Ramón Biarnés. Biarnés es uno de los impulsores de este nuevo concepto presentado ayer en el Xanadú.

A la inauguración asistieron distribuidores, productores y otras personalidades relacionadas con el mundo del cine como los actores Beatriz Rico, Roger Berruezo, Oriol Tarrasón, Coco Gacó, Esther Lara y Tony Martínez. También estuvieron el ganador de la última edición de «Got Talent», César Brandon, y la cantante María Aguado.

Los asistentes pudieron disfrutar en la inauguración de la nueva película de la saga Misión Imposible, «Misión Imposible: Fallout». También, de la interpretación de un «Mashup» creado por el ‘youtuber’ David Rees a partir de la banda sonora de diversas películas de los últimos 60 años
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El día que Hollywood le declaró la guerra a los nazis

El 7 de diciembre de 1941 fue una fecha decisiva en la historia de Estados Unidos. El ataque de las tropas japonesas a la base de Pearl Harbour motivó la entrada de Washington en la Segunda Guerra Mundial, pero también concienció a algunos directores de cine, que se fueron al frente para grabar el conflicto. Fueron John Ford, John Huston, Frank Capra o William Wyler, de cuya muerte se cumplen hoy 37 años.

«Hollywood se dio cuenta muy pronto de que tenía una increíble herramienta para generar un cambio a través del cine», cuenta Francis Ford Coppola en el documental «La guerra en Hollywood». «El cine en su estado más puro podía estar al servicio de la propaganda. Hitler y su ministro de propaganda Joseph Goebbels entendieron el poder que tenía el cine para que las grandes masas pensaran como ellos». Y también Leni Riefenstahl, directora al servicio del régimen nazi, que con «El triunfo de la voluntad» demostró el poder de las imágenes.

«John Ford es quien inicia una sección en el ejército para rodar documentales, porque cuando ve el ataque de Pearl Harbor considera como un deber patriótico ir a contar lo que está pasando. Ford y John Wayne son muy amigos, y tendrán unos años de distanciamiento, porque los que se han quedado en Hollywood piensan que los que se han ido… se están haciendo los héroes», le dijo José Cabanach, director del documental «Directores en guerra», a David Martos en una entrevista para ABC.

Con estos grandes directores alistados, la gente empezó a creer en la necesidad de que EE.UU. entrase en el conflicto. verlos de uniforme enardeció la moral del país, que convencido de la contienda, creyó a pies juntillas lo que Ford rodó en la serie «Por qué luchamos». Pero también la película «Mrs. Miniver», de William Wyler, cuyo monólogo final es una proclama que justifica la presencia del nuevo continente en la Segunda Guerra Mundial cuando el párroco dice:

Porque esta no es solo una guerra de soldados en uniforme, es una guerra del pueblo, ¡de todo el pueblo! Y debe ser peleada no solo en el campo de batalla, sino en las ciudades y los pueblos; en las fábricas y las granjas; en la casa y el corazón, de cada hombre, mujer y niño que ama la libertad. Hacia adelante, soldados cristianos, marchando hacia la guerra.

«El general Marshall, cuando llamó a Capra, sabía perfectamente lo que hacía. A todos les hizo oficiales del ejército para que no tuvieran problemas dentro de las filas, y además con rangos elevados, para que el ejército les respetara. Sin ellos habríamos visto otra guerra, mucho más informativa, más neutra», continúa el reportaje de Martos
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Así son los nuevos ángeles de Charlie

El reboot de Los ángeles de Charlie ya tiene protagonistas. Un reinicio dirigido por Elizabeth Banks en el que la que fuera estrella de la popular saga Crepúsculo, Kristen Stewart, estará acompañada por Naomi Scott, una de las protagonistas del reboot de Power Rangers, y la desconocida actriz británica Ella Balinska.

La nueva versión cinematográfica de la popular serie de televisión de los setenta significará un gran salto para Balinska, quien hasta ahora había participado en varias películas de bajo presupuesto y en dos series de televisión.

Para Stewart, alejada del cine más comercial desde que estrenara la última entrega de Crepúsculo, la saga que la lanzó a la fama, será el regreso al blockbuster después de estar durante años centrada en proyectos de corte más independiente como Viaje a Sils Maria o Personal Shopper, ambas a las órdenes de Olivier Assayas, Café Society de Woody Allen o Certain Women de Kelly Reichardt. La actriz tiene pendiente de estreno varios filmes como el thriller Lizzie o Underwater.

Por su parte, y tras encarnar al ranger rosa en la nueva adaptación cinematográfica de la saga Power Rangers, Naomi Scott tiene otro gran proyecto entre manos ya que dará vida a la princesa Jasmin en la película de acción real de Aladdin en 2019.

Asimismo expresó que «esta película honra el legado de Chales Townsend y su agencia» al presentar una nueva generación de «ángeles modernos y globales». De esta manera, Stewart, Balinska y Scott tomarán el revelo de Cameron Díaz, Drew Barrymore y Luci Liu, las anteriores integrantes de la agencia secreta.

Esta nueva aventura será la tercera que alcance la gran pantalla después de Losángeles de Charlie (2000) y Losángeles de Charlie: Al límite (2003). Sin embargo, para ver las nuevas peripecias del trío de agentes habrá que esperar hasta el 27 de septiembre de
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Tom Cruise, la última estrella

Ni siquiera una grave lesión ha podido frenar el entusiasmo de Tom Cruise, actor todoterreno que cada vez corre más riesgos. Resucitado gracias a la franquicia de «Misión imposible», el intérprete vuelve a enfundarse el traje del espía Ethan Hunt y reclama su trono: el de la última estrella de la meca del cine.

Misión: Imposible – Fallout

Porque no hay ningún actor que trabaje tan duro y se entregue tanto al cine que protagoniza como Cruise. Su última hazaña fue saltar desde un avión a otro en «Misión imposible: Fallout», una escena que grabó 106 veces. Fue él quien pidió hacer un truco de paracaidismo para lanzarse a 7.500 metros de altura a 354 kilómetros por hora y, al hacerlo, agarrar en el aire a August Walker, el personaje de Henry Cavill en el filme. Durante la secuencia, ambos son atacados por un rayo, aunque Cruise consigue llegar a Cavill.

El empeño de Cruise en la escena desquició al equipo de producción, obligado a construir durante un año el túnel de viento más grande del mundo. Filmaron durante tres minutos, tres días seguidos. A la misma hora. «Para mí es excitante rodar escenas arriesgadas sin tener ningún tipo de presión. Me enseñó mucho trabajar con alguien tan experimentado como Tom, un tipo capaz de rodar sus propias escenas de acción», explica a ABC el propio Cavill, que en la película se quita el traje de Superman para meterse en el de un agente de la CIA. El intérprete se deshace en elogios hacia Cruise: «Es un gran profesional. Su habilidad para motivar a una habitación llena de gente es increíble, jamás decae su entusiasmo, es capaz de terminar con cualquier atisbo de cansancio y siempre está preparado para trabajar. Es sorprendente», expresa Cavill, que va más allá. «Es un hombre que puede leer el pensamiento y las emociones de los demás mientras produce la película y eso se traduce en un entusiasmo colectivo. Su pasión por el proyecto es contagiosa. Me he dado cuenta de que la audiencia también se contagia de sus emociones porque es capaz de dotar a sus personajes de la pasión que él siente. Las habilidades de este hombre no tienen límite», añade Cavill, fascinado también por la maestría con la que Cruise pilota helicópteros: «¡Sentí que estaba en Top Gun!».

Viejos conocidos
Pero ni el cotizado estatus de Tom Cruise le libra de tener un director de orquesta. Tras las cámaras de la sexta entrega de «Misión imposible» e

stá de nuevo Christopher McQuarrie
,
que ya le tiene cogido el pulso al inquieto actor, tras haberle dirigido en la anterior película de la franquicia. «Hay secuencias en este filme que muestran que es casi imposible matar a Tom Cruise. Descubrí que puede hacer más que cualquier otro ser humano y contagiar a su equipo para que también lo logren», explica al respecto McQuarrie, que reconoce al actor como la última estrella de Hollywood. «He trabajado con muchos actores a lo largo de mi carrera y ninguno tiene la amplitud de conocimiento que él en cuanto a narración cinematográfica. Cruise se arriesga físicamente, pero también se muestra vulnerable en pantalla. Cuenta con el equipo que le acompaña delante y detrás de las cámaras. Su físico le acompaña y es capaz de mantener ese aura de estrellas como Gregory Peck o Charlton Heston».

Tanto le ha convencido Cruise que McQuarrie es el único director que ha regresado a la saga: «Estoy encantado de volver, porque es algo especial. El nivel de expectación de la audiencia es tan alto que es un gran reto». Eso y las cifras, un éxito de taquilla. «Misión imposible: Nación secreta» recaudó más de 680 millones de dólares en todo el mundo y se espera que esta película supere esa recaudación. Esa es la magia de Tom Cruise, que persiste en el trono a pesar del tiempo. A sus 56 años, sigue siendo el principal héroe de acción de la industria, que se niega a jubilarle. Es, como escribe Anthony Lane en «The New Yorker», «el Dorian Gray de las películas de acción».

Y también su artífice, sumando a su faceta interpretativa su labor como productor. Él selecciona a los directores, aprueba el elenco y establece los términos de su participación en la acción. Eso, en su caso, significa involucrarse en tantas acrobacias como sea posible. «Tom quería algo más oscuro aquí, por eso tomamos ese camino. Me vi obligado a forzar la narración hacia donde quería el protagonista. Ha sido una lucha, porque se lesionó en una escena y se rompió el tobillo. Tuvimos que cancelar la producción y revisar el material porque había algo que no funcionaba», reconoce McQuarrie. Nada nuevo en la franquicia, repleta de ejercicios de equilibrismo entre cables. Las cinco entregas anteriores de la serie han sido una oda a los malabares, trepando acantilados o conduciendo motocicletas a 200 kilómetros por hora. Como dijo un coordinador de dobles profesional al «New York Times», «Tom Cruise tiene pelotas de acero y el coraje de un actor de doblaje&raquo
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Crítica de «Bienvenidas a Brasil»: Despedida de soltera

Valoración de ABCPlay

El nivel de humor grosero se reserva para un par de lamentables escenas de fiesta que parecen sendos anuncios de Río de Janeiro como capital del turismo sexual

Antonio Weinrichter

Cuatro amigas se reúnen después de unos cuantos años para asistir a la boda de una. ¿Estamos ante otra apropiación femenina de ese género (pónganle el prefijo sub-) de comedia masculina cuyo título empieza por «Resacón en…»? Pero eso ya lo hizo «Plan de chicas», en donde además eran negras y salía Tiffany Haddish. Aquí no sale Tiffany y el nivel de humor grosero se reserva para un par de lamentables escenas de fiesta que parecen, «party», «party», sendos anuncios de Río de Janeiro como capital del turismo sexual. Ni les cuento el episodio que viven después en una favela: los tópicos sobre Brasil siguen pesando como una losa sobre toda la película, y tal parece que alguien del equipo decidió rodar allí para hacerse un plan de vacaciones o algo.

Nuestras amigas huyen de Río para salvar sus vidas y recorren en coche las enormes distancias del país «brasileiro»: cada persona o paisaje que pudieran encontrar tendría más interés que ellas. Solo un director carente de talento sería incapaz de sacarle partido a semejante «road movie». Mientras tanto, el padre del novio supera los tópicos del suegro y se convierte en un monstruoso dictadorzuelo: como el actor es bueno -es lo mejor del reparto-, la película se queda demasiado tiempo con él y su comando de torturadores, olvidando que debería hacernos sentir algo de empatía con las chicas en fuga. Y así todo. Y encima un cónsul, personaje memo sin igual, se permite citar «La aventura es la aventura», ejemplo de película comercial francesa que al menos conseguía eso de la empatía y la risa… aunque iba de machirulos. Lo de que sean mujeres, y acosada al menos una de ellas, le basta a esta; no sé si a nosotros
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Crítica de «Llenos de vida»: La comedia humana

Valoración de ABCPlay

Bacri y Jaoui brillan a la hora de convertir esa fiesta triste en un modelo de relato descentrado y visual, que evoca el cine de renoir

Antonio Weinrichter

Agnès Jaoui y Jean-Pierre Bacri son viejos conocidos del cinéfilo atento desde que los descubrimos, de la mano del gran Resnais, en «On connait la chanson». Pareja en la vida real que esa misma vida separó, siguen siendo cómplices en la pantalla como guionistas, actores y realizadora ella, las más de las veces.

Su obra ocupa un espacio híbrido en el mapa del cine francés: no encaja en el riguroso modelo del cinema de autor pero tampoco en el de esas comedias o dramas «comerciales» que por algún motivo llegan con tanta frecuencia últimamente a nuestras salas. Entiéndase, Jaoui y Bacri hacen películas excelsamente accesibles pero el rigor con el que están escritas (el suyo no es un cine del cuerpo pero sí, desde luego, de la palabra reina) las eleva sobre esa medianía complaciente que tiene tanto miedo de que el espectador se aburra.

Y lo mejor es que alcanzan la excelencia sin pretensiones, como en aquella época en que no existía esa dicotomía entre cine de arte y cine de un gran público… que ya no va a las salas. El tema de «Llenos de vida» (incomprensible título español) es uno y trino, lo que quiere decir que no hay un gran mensaje encriptado, solo un episodio de la gran comedia humana.

Una fiesta en una «maison de campagne» reúne a famosos de diversas generaciones y diverso grado de (an)alfabetismo tecnológico: la camarera en perpetuo estado de alerta «selfie», los «influencers», la estrella decadente de un programa de tele en la era de las redes sociales… La edad es un tema asociado: la arrogancia de los jóvenes, maduritos otoñales con parejas primaverales, y el pavoroso paso del tiempo.

En esa gran mansión, como en toda obra que observa la comedia humana en una noche de verano, hay enredos, enamoramientos y rupturas… Bacri repite su patentado e irresistible modo de ogro; Jaoui es aquí una idealista que quiere llevar una refugiada afgana a su programa de cotilleos… Pero, sobre todo, Bacri y Jaoui brillan a la hora de convertir esa fiesta triste en un modelo de relato descentrado, visual y dramáticamente, que evoca el gran cine de Altman o, un poco más lejos, de Renoir. Para mí, no cabe mejor elogio
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Crítica de «Misión imposible: Fallout»: Un cóctel agitado, batido e imbatible

Valoración de ABCPlay

No sólo es la mejor película, sino también la que ofrece ya un frutero lleno de emociones maduras y relaciones más complejas y dignas

Oti Rodríguez Marchante

A las películas de Ethan Hunt y su equipo de agentes especiales se sabe a lo que se entra y cómo se sale: se entra a pasar el rato y a ver cómo el cine apura hasta la última gota de sus posibilidades de espectáculo mayúsculo, y se sale completamente despeinado. Esta es la sexta película de la serie y no sólo es la mejor, sino también la que ofrece ya un frutero lleno de emociones maduras y relaciones más complejas y dignas de no pasar inadvertidas entre el ruido, la furia y la espectacularidad… El personaje que interpreta Tom Cruise y la relación única e inimitable con el que encarna Michelle Monaghan (su amor, su esposa, su talón de Aquiles y su renuncia absoluta) adquiere tonalidades mayúsculas, que aún se rizan más con la consolidación de Rebecca Ferguson en el paisaje de las escenas de acción del grupo y en el elemento romántico de Ethan Hunt. La mezcla de fragilidad y fortaleza que ambos personajes femeninos le proporcionan a la personalidad de Hunt, lo equilibran fabulosamente entre la lírica y la épica.

Luego está la aventura, la misión imposible, el ritmo y la tensión insoportables, todo ello a cargo otra vez del director Christopher McQuarrie, con el que Tom Hanks también mantiene un peculiar entendimiento sobre la física y la química del héroe (ambos lo tratan igualmente en Jack Reacher, personaje por el que Cruise tiene debilidad). Pero Ethan Hunt es insuperable, como Bond o Bourne, y aquí se le ve «crecido», «mayor», en todos los sentidos. Aunque repetidos película tras película, los momentos rociados con adrenalina aparecen aquí como nunca vistos, y las persecuciones y números de riesgo son absolutamente magistrales: motos, coches, helicópteros…, y una constante, persistente y machacante cuenta a atrás que le exprime hasta la última gota de adrenalina a la trama.

Como es natural, en esa trama se enredan diversos hilos narrativos y nudos de espionaje, aunque todo es un gran macguffin para disfrutar la esencia de la función: llegar hasta donde no se puede llegar, y jugarse la vida en ello, tanto el personaje como el actor, que ambos comparten un algo de «suicida»: Cruise es Hunt hasta casi sus últimas consecuencias, incluidas roturas y accidentes de rodaje. En fin, que lo que ofrece esta última “Misión imposible” es ni un gramo menos de todo
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Crítica de «Vacaciones con mamá»: Agradable escapada

Los jóvenes no saben quién es Miou-Miou –ni muchos viejos– pero la protagonista de «Los rompepelotas» (1974) sigue en activo y tiene casi diez años más de los que representa en pantalla. En «Vacaciones con mamá» cumple 60 y, más para olvidar penas que para celebrarlo, se va de vacaciones con su dos hijas a la exótica isla de Reunión.

El punto de partida de esta nueva versión de una comedia danesa no parece gran cosa y la puesta en escena tampoco es especialmente llamativa. Los personajes tienen además cierta querencia al tópico, en un reparto en el que, con permiso de Miou-Miou, no hay estrellas de relumbrón. Por todo lo dicho, llama aún más la atención que la cinta funcione, con sus altibajos, y que la historia, sin perder su ligereza o precisamente por no caer nunca en la pretenciosidad, gane interés a medida que pasan los minutos. La duración es de 95 minutos, otra virtud nada desdeñable.

Eloïse Lang, directora e integrante del amplio equipo de guionistas, desliza una visión femenina del amor y la vida, más combativa de lo que aparenta. Su humor es casi siempre elegante y, sobre todo, sabe amagar con los estereotipos para darles la vuelta a tiempo de sorprender. Es su segundo largometraje, pero se lo toma con la naturalidad de quien ha rodado decenas. Ni siquiera cuando sus personajes más sabios imparten alguna lección caen en la suficiencia. En los últimos tiempos da la sensación de que nos llega mucho cine francés, como si los filtros se hubieran relajado. En este caso hay poco que objetar.

Valoración de ABCPlay

El punto de partida de esta nueva versión de una comedia danesa no parece gran cosa y la puesta en escena tampoco es especialmente llamativa, por lo que llama la atención que la cinta funcione

Federico Marín Bellón
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¿Eres capaz de reconocer las siguientes películas con tan solo un fotograma?

Al igual que en la música hay quién no necesita más que unas pocas notas para reconocer una canción, los verdaderos amantes del cine no necesitan más de un fotograma para reconocer películas icónicas de la historia del séptimo arte. ¿Te atreves a participar en nuestro pequeño test
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Carmen Maura, premiada por toda su carrera en la Academia Europea del Cine

Carmen Maura

La Academia Europea del Cine ha anunciado hoy que concederá el Premio Honorífico a toda una carrera a la actriz española Carmen Maura, en reconocimiento a una gran trayectoria cinematográfica. La actriz madrileña, afincada en Francia en los últimos años, será la invitada de honor en la 31 edición de los Premios de Cine Europeo que se celebrarán en Sevilla el 15 de diciembre.

Carmen Maura (Madrid, 1945) ya fue condecorada en los primeros Premios de Cine Europeo, en 1988, por su trabajo en la película de Pedro Almodóvar «Mujeres al borde de un ataque de nervios», película por la que además consiguió el Goya. Musa del director manchego en los 80 y los 90, también rodó con él la mítica «La ley del deseo» (1987) y la multipremiada «Volver» (2006), por la que recibió el premio a la Mejor Actriz en Cannes y el Goya a la Mejor Actriz.

En la tercera edición de los Premios EFA (las siglas en inglés de los premios, European Film Award) en 1990, Carmen Maura recibió de nuevo el premio a la Mejor Actriz por «Ay, Carmela!», de Carlos Saura, con la que obtuvo otro Goya. A través de su impresionante carrera Carmen Maura ha trabajado junto a Fernando Trueba («Sé infiel y no mires con quién», 1985), Mario Camus («Sombras en una batalla», 1993) y Agustí Villaronga («Carta a Eva», 2012). Por su interpretación de Julia en «La comunidad», de Alex de la Iglesia (2000), recibió la Concha de Plata en San Sebastián y otro premio Goya.

Con más de 150 obras realizadas en su carrera cinematográfica, que comenzó a finales de los años 60 en teatro y como actriz de cortometrajes («El espíritu», «Mantis») y de televisión («Las doce caras de Eva», «Aventuras y desventuras de Mateo» o «Tres eran tres»), Maura es una de las actrices más prolíficas del cine español.

También ha trabajado con directores franceses como André Techiné («Alice and Martin», 1998), Etienne Chatiliez («Le bonheur», 1995), y Philippe Le Guay en «The women on the 6th floor» ( 2010), por la que recibió el César a la mejor Actriz de Reparto. En su haber cuenta también su colaboración con el estadounidense Francis Ford Coppola («Tetro», 2009), y con el director argentino Alejandro Agresti («Valentín», 2002).

Carmen Maura es Caballero de la Orden de las Artes y la Letras de Francia, ha sido Premiada con el Excellence Award en Locarno y fue Premio Donostia en 2013.

Además de los galardones citados, recibió el premio a la mejor actriz del Festival de Cine Europeo de Berlín (1988), el Premio del Festival de Venecia (1988), obtuvo cuatro Fotogramas de Plata (1989, 1990 y 2001), fue Actriz Europea del Año (1990), y Medalla de Oro al Mérito de Bellas Artes (1998).

Igualmente, cuenta con el premio a la mejor actriz del Círculo de Escritores Cinematográficos de España (2001), y su equivalente de la Unión de Actores ese mismo año, recibió el homenaje del Festival de Cine Español de Londres (2006) y fue Premio Málaga a su carrera en 2007.

También se llevó la Espiga de Honor de la Seminci vallisoletana (2008) y fue Medalla de Oro de la Academia Española de Cine (2009)
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Play Cine 2018-07-26 03:52:47

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Muere el padre del cineasta mexicano Guillermo del Toro

Federico del Toro, padre del cineasta Guillermo del Toro, ganador de un Óscar, murió hoy a los 90 años en Guadalajara, oeste de México, de una enfermedad nefrológica que le tuvo hospitalizado más de una semana.

El gobernador del estado de Jalisco, Aristóteles Sandoval, expresó sus condolencias a la familia de Del Toro mediante un mensaje en Twitter. «Lamento profundamente el fallecimiento del señor Federico del Toro, padre del cineasta Guillermo del Toro. Mi más sentido pésame para toda la familia, que pronto encuentren resignación», manifestó el gobernador.

El director de la multipremiada cinta «La forma del agua» llegó a Guadalajara, capital de Jalisco, el pasado 18 de julio para estar cerca de su padre, de 90 años, quien estaba grave por complicaciones renales.

Del Toro había visitado Guadalajara en marzo para participar en el Festival de Cine de esa ciudad y entonces afirmó que su padre se encontraba «mejor» de salud, tras varias recaídas. Federico del Toro fue empresario e impulsó a su hijo en su vocación cinematográfica.

Tras el secuestro de su padre en la década de los 90, Guillermo decidió emigrar a Estados Unido donde desarrolló la mayor parte de su carrera fílmica
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Ryan Reynolds producirá una nueva versión de «Home Alone»

El estudio 20th Century Fox contará con Ryan Reynolds para producir y, posiblemente, protagonizar «Stoned Alone», una nueva versión de la comedia «Home Alone» (Solo en casa), todo un clásico de la década de 1990, informó hoy el blog especializado Deadline.

El actor canadiense se ha ligado al proyecto como productor pero no se descarta que termine interpretando también un papel en la película, que contará con Augustine Farizzell, como directora, y Kevin Burrows y Matt Mider, como guionistas. Frizzell es conocida por el film «Never Goin’ Back», que se estrenó en la pasada edición del Festival de Sundance.

La cinta girará en torno a un joven veinteañero con gran afición por la marihuana que pierde el avión que le iba a llevar a unas vacaciones en la montaña, así que decide quedarse en casa haciendo uso del cannabis que tiene a mano. Lo que prometía ser una plácida noche se convierte en una pesadilla cuando unos ladrones entran a robar en su hogar y el joven debe hacerles frente a pesar de estar completamente perjudicado.

«Home Alone», dirigida por Chris Columbus y protagonizada por Macaulay Culkin, recaudó cerca de 500 millones de dólares -sin ajustar por la inflación- en 1990 y generó dos secuelas
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Drogas y «sangre por todas partes»: el sórdido infierno del que Robert de Niro salvó a Scorsese

Hace casi un cuarto de siglo desde que Martin Scorsese y Robert de Niro trabajaron juntos por última vez. El que fuera actor fetiche del cineasta italoamericano, con quien colaboró en casi una decena de filmes, fue sustituido con los años por otro más joven, Leonardo DiCaprio, que recogió su testigo en cinco películas. La edad pasa factura a todos, pero entre los dos viejos amigos algo resistió al paso del tiempo.

Porque inspirar al maestro no fue lo único que consiguió De Niro, cuyo apoyo fue fundamental para librar a Scorsese de sus demonios. Tras un descanso de unos años, vuelven reforzados con «The Irishman», donde el director de «Taxi Driver» se reencuentra no solo con el que fuera su Travis Bickle sino también con Joe Pesci, con quienes no trabajaba desde «Casino», en 1995. La esperada película, una especie de «Goodfellas» entrada en años con un De Niro en el papel del asesino de la Mafia Frank Sheeran, cuenta también con Al Pacino, que trabaja para Scorsese por primera vez.

«La gente es más vieja en “The Irishman”. En realidad, se trata más de mirar atrás, una retrospectiva de la vida de un hombre y las elecciones que ha tenido que tomar», dijo Scorsese en 2017 sobre la película, aunque bien pudiera estar reflexionando sobre sí mismo. Y en esa retrospectiva no podía faltar el hombre que le rescató, a base de golpes, del infierno.

Como siempre después de un fracaso –el batacazo en taquilla de «Silencio»– Scorsese vuelve a refugiarse en lo que le resulta familiar. El reconocido defensor de las salas de cine emprende, junto a sus viejas glorias, una revolucionaria etapa en la que, después de criticar Netflix, termina refugiándose en la plataforma para que financien el proyecto, en la recámara durante más de una década. Pero el cambio no lo es tanto. Y el viejo genio vuelve a sus orígenes, más fuerte ahora que en el pasado.

Un pasado a la deriva
A finales de los sesenta, un grupo de cineastas arrastrados por la contracultura restauró el desgastado sistema de estudios, dando prioridad a la figura del director sobre la del productor. Se dejaron de miramientos y convenciones sociales, retratando sin pudor la violencia o el sexo. Renovaron los géneros cienematográficos, y pasaron a la historia. Eran los George Lucas, Coppola, Dennis Hopper de turno. La nueva ola americana, la generación de los setenta. Y Martin Scorsese sobresalía sobre todos ellos. «Marty era la estrella. Estaba en un nivel totalmente diferente del resto de nosotros. Podía citarte películas, describirlas por toma. Mientras nosotros nos dedicábamos a tontear por ahí, tratando de encontrar la exposición correcta, él ya empezaba a filmar esas joyitas», recuerda el director Jim McBride en «Moteros tranquilos, toros salvajes», de Peter Biskind (Anagrama).

Todos sabían que Martin Scorsese era un genio, pero su arte no le libró de caer en picado. Como sus compañeros de la generación del Nuevo Hollywood, que rompió estigmas y sentó las bases de una nueva forma de hacer y entender el cine; que revitalizaron una industria siempre reacia a los cambios. «Como a (casi) todos los demás, la película que le motivó para ser cineasta fue “Ciudadano Kane”». Pero también «Sombras». «Toda mi vida no he hecho más que rebotar entre “Sombras” y “Ciudadano Kane”», reconoció Scorsese. Coppola les abrió el camino a los niños mimados del cine y cada uno aprovechó la brecha de «El Padrino» a su modo. Steven Spielberg y George Lucas abogaron por el puro espectáculo; otros, como Peter Bogdanovich, convirtieron su admiración en un más que digno trabajo. Hal Ashby (víctima de la gran tragedia de Hollywood), Warren Beatty… Todos ellos se emergieron con personalidad al otro lado del charco, convirtiendo a América en una portencia también cinematográfica.

Pero Scorsese, bajito, inseguro como era, toda una maraña de nervios, fue más allá. Llevó su vida a la gran pantalla, convirtiendo la ficción en su remedio contra la ansiedad, su modo de desahogarse. Imprimió su huella en todas sus cintas, en las que se pueden apreciar obsesiones, como la religión, o miedos a los que solo encontró refugio tras las cámaras. Aprendió de sus coetáneos, pero también respiró la personalidad del arte que se hacía en Europa, convirtiéndose en el maor autor de sus contemporáneos. «Lo que Godard mostraba eran nuevas maneras de usar las imágenes para contar una historia, nuevas maneras de filmar, de montar», dijo el de Little Italy sobre el director parisino.

El infierno de un genio
Pero su genialidad no le libró de tropezar como el resto, precipitándolo al abismo de lo mundanal, del exceso de éxito. A finales de los setenta, «una espesa capa de nieve empezó a caer sobre Hollywood». El consumo de cocaína se extendió, ya no estaba mal visto. Y, como muchos otros, Scorsese se dejó llevar por el polvo blanco. Enfadado como estaba por el fracaso comercial de «New York, New York», se comportó como un niño pequeño y se cogió un berrinche: «Lo que hice fue comportarme de una manera tal que fuera imposible que me respetaran. Estaba demasiado drogado para solucionar el problema de fondo», reconoció el director.

Cuenta Biskind que le recetaron litio para aplacar su ira, pero tras cuatro meses volvió a la cocaína, «su droga preferida». «Parecía perdido en otro mundo, era Luke Skywalker avanzando a trompicones por el planeta helado Hoth en la primera escena de “El Imperio contraataca”, perdido en una tormenta de nieve». Hizo suya la filosofía de James Dean, vive rápido y muere joven, que tu cadáver sea guapo. Porque Scorsese no tenía pensado sobrevivir a los cuarenta. «Todo era cuestión de forzar la máquina, de ser malo, de ver cuánto podías hacer. Vivir al límite. Si me drogaba de ese modo era porque quería hacer muchas cosas, quería acelerar a fondo, llegar hasta el final y ver si moría. Eso era lo fundamental, experimentar cómo acercarse a la muerte», y esa temeridad imprimía a sus películas una pasión de alto voltaje que lo hacía diferente, mejor que el resto.

El salvador
Pero un viejo conocido habría de acudir en su ayuda. Su actor fetiche, con el que ya sumaba tres colaboraciones («Malas calles», «Taxi Driver» y «New York, New York»). Robert de Niro visitó a Marty y le entregó una biografía de Jake La Motta, un boxeador de peso medio. Se llamaba «Raging bull» («Toro salvaje») y Bobby (De Niro) no podía librarse de esa historia que quería convertir película. «Yo no quería hacer “Toro Salvaje”. Tenía que encontrar la salida por mí mismo. Y no me interesaba encontrar la salida, porque había intentado algo («New York, New York») y había sido un fracaso», reflexionó Scorsese. La vida del director también estaba patas arriba, era un caos, y no podía centrarse en un proyecto que no le decía nada.

Pese al éxito, Scorsese seguía siendo débil desde el punto de vista emocional, vulnerable a los fracasos, una secuela de los trastornos experimentados en su infancia: su diminuta estatura, su fragilidad, la percepción de sí mismo como poco atractivo. Era fácil herir sus sentimientos; se ofendía rápido, pero era lento en olvidar. Alimentaba rencores durante años, levantaba un muro su alrededor. Su inseguridad, imperceptible desde las butacas, no se escapa a su entorno más cercano, como el guionista Mardik Martin, que lo recuerda a la deriva: «En lo personal estaba perdido. Seguro como era en el plató, siempre fue muy inseguro en lo que atañe a sí mismo, como hombre, y también en sus relaciones con los demás. Le invité a una fiesta y le dije: “Nos lo pasaremos en grande, chicas, orgías…” Y me dijo: “No, seguro que va alguien que sabe quién soy”. “No tienes por qué decirle a nadie quién eres. ¿A quién le importa?”, le dije, y me respondió: “No, no, no; no me manejo bien con una mujer que no sabe quién soy”. Tenía que ser Martin Scorsese a toda costa para poder enfrentarse a una mujer, pero después le preocupaba que a ella solo le gustara porque era Martin Scorsese».

Pese a la insistencia de De Niro, Marty no cedía: «Yo sabía qué había querido decir con “Malas calles”, y también con “Taxi Driver”. Y hasta sabía lo que había querido decir con “New York, New York”. Pero sé que no sabía de qué demonios iba “Toro Salvaje”». Después de tres películas juntos y tras el fracaso de la última, Scorsese se negaba a repetir: «Ya no quería seguir jugando».

De nuevo, fue una antigua amistad la que terminó por convencer al empecinado cineasta, la del guionista Paul Schrader, que a pesar de estar ya centrado en su carrera como director, volvió junto a Scorsese, para quien había escrito el libreto de «Taxi Driver». Tras realizar su propia investigación para empezar con el material, descubrió a Joey, el hermano de Jake y no tardó en ver en su relación un reflejo de la suya con su hermano Leonard. «Los dos eran boxeadores. Joey era más joven, más guapo, y tenía mucha labia. A Joey se le ocurrió que podía ser más útil representando a su hermano. No tendría que recibir golpes, seguiría ligando con chicas y, además, le pagarían. Y como yo también tengo un hermano, me fue muy fácil conectar con esa tensión. Me di cuenta de que allí había una película». Scorsese, convencido finalmente, no dejó de poner trabas. Quería, con el apoyo de De Niro, darle cierta sensibilidad a ese ser en apariencia primitivo: «Bob y yo nos pinchábamos mutuamente para conseguir que el personaje fuera lo más desagradable posible y para que, pese a eso, al público le cayera bien. Porque Bob, como actor, tiene algo, algo en el rostro, que hace que la gente vea ese lado humano», confesó Marty.

Ultimátum
Pero todo el esfuerzo estuvo a punto de no servir para nada. Durante el Festival de Telluride, Scorsese, De Niro, Mardik Martin y su pareja por aquel entonces, Isabella Rosellini, se quedaron sin cocaína y se colocaron con cualquier suerte de polvo blanco que les habían proporcionado. Y la ingesta a punto estuvo de acabar con la vida del cineasta. Sangraba por todas partes y los médicos le comunicaron que carecía de plaquetas. La mezcla de la falsa cocaína con el medicamento para atenuar el asma fue una bomba que a punto estuvo de no poder contar. El mensaje era claro: o cambiaba de vida o moría.

«¿Qué te pasa Marty? ¿No quieres vivir para ver crecer a tu hija, para verla casada? ¿Vas a ser una de esas flores de un día que hacen un par de buenas películas y se acabó? ¿Sabes una cosa? Podemos hacer esta película (“Toro Salvaje”) Podemos hacer un gran trabajo. ¿Vamos a hacerla o no?», le advirtió el siempre presente De Niro. Y Scorsese respondió que sí, porque había encontrado algo que le gustaba de la historia de La Motta, algo con lo que se identificaba: la autodestrucción, el daño gratuito a la gente que lo rodeaba. Tuvieron que cambiar el guión para que los estudios apostasen por una película complicada, que podía obtener calificación X y en blanco y negro, con aspecto de tabloide. Mano a mano, director y actor se pusieron las pilas. Desde St. Martin reescribieron el libreto de principio a fin. De Niro cuidaba a Scorsese, le preparaba el café todas las mañanas mientras que este tomaba Tedral para limpiarse los pulmones. El medicamente lo debilitaba, pero la confianza en un proyecto en el que ahora creía pudo con todo.

Comenzó a rodar «Toro Salvaje» abrumado, con la convicción de que sería su último filme. «Me lo tomé muy a pecho. Quise devolver el golpe, como diciéndoles, esto es lo que puedo hacer y no sé si me quedará algo más dentro (…) Después de “New York, New York”, pensé que yo nunca tendría el público de Spielberg, ni siquiera de Coppola. Mi público son los tipos con los que me crié, listillos, gente de Queens, camioneros, tipos que cargan muebles. Si a ellos mi película les parece buena, me siento bien. Puede que esté loco, pero más que desvirtuar el argumento y hacer otras diez películas después, prefiero dejarlo y no volver a hacer más películas después de esta. Así pues, ¡qué diablos me importa!». Esa convicción liberó al director, que fue capaz de filmar una de las mejores cintas de su carrera. Una en la que al principio no confiaba.

El filme sobre Jake La Motta fracasó en taquilla de forma todavía más estrepitosa que «New York, New York» y Scorsese volvió a salir tocado. Creía que nunca iba a encontrar su público, como hacían Coppola o George Lucas, y que solo sería mimado por la crítica. «Cuando perdí con “Toro Salvaje” me di cuenta de que, si sobrevivía, mi lugar en el sistema estaría fuera; sería un observador», comentó. De Niro le echó un capote cuando Scorsese más lo necesitaba. Y este se lo devolvió cuando el actor quiso ponerse a sus órdenes en «El rey de la comedia». Aunque se arrepintió de volver a ceder. «Durante el rodaje de “Toro Salvaje” habíamos explorado todo lo que podíamos hacer juntos. No debería haber hecho “El rey de la comedia”, tendría que haber esperado a que saliera algo de mí», confesó.

Finalmente, el infierno que vivió durante la época más oscura de su carrera terminó sirviéndole de lección profesional y personal. «Todo dependía de mí. En última instancia, a nadie le importaba, ni a mis amigos más íntimos. ¿Quieres hacerte el loco? ¿Quieres colocarte en una situación en la que no puedas trabajar? A nadie le importa un carajo. Y terminas solo. De un modo u otro, te enfrentas a ti mismo. Como Jake La Motta cuando se mira en el espejo al final de “Toro Salvaje”», admite el director. Y salió adelante, a cuestas, pero hacia adelante
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La película inacabada de Orson Welles se presentará en el Festival de Venecia

Será un festival de cine gigantesco, con muchas películas de género y de autor y numerosas estrellas internacionales. La 75 ª edición de la Mostra de Venecia, en programa desde el 29 de agosto al 8 de septiembre, estrenará fuera de concurso, como acontecimiento especial gracias a Netflix, la película inacabada del mítico director Orson Wells, “Al otro lado del viento”. Fue filmada entre 1972 y 1976, con un célebre reparto que incluye John Huston, Peter Bogdanovich, Susan Strasberg y Oja Kodar, compañera del realizador en la última parte de su vida. El director de la Mostra, Alberto Barbera, presentó en Roma esta edición que “será rica en todos los sentidos, con muchos grandes autores ya consagrados, algunos de los cuales estarán por primera vez en Venecia”.

Tendrá el honor de abrir el Festival Damien Chazelle con “First Man” (El primer hombre), sobre la vida del primer astronauta que piso la luna en 1969, Neil Armstrong, interpretado por Ryan Gosling. Chazelle tuvo ya un notable éxito en Venecia hace dos años con “La la land”, que abrió también la Mostra y luego conquistó Hollywood. Serán veintiuna las películas en concurso en la sección oficial, entre ellas tres italianas.

Como es habitual, en Venecia estará muy representado el cine latinoamericano. Regresa con “Roma” el mejicano Alfonso Cuarón, que hace cinco años triunfó en el Lido con “Gravity”. El también mejicano Carlos Reygadas presentará “Nuestro tiempo”, un film protagonizado por él mismo y su mujer. Optará también al León de oro el argentino Gonzalo Tobal, con “Acusada”. Otra constante de la Mostra es la ausencia de cine español en la sección oficial, salvo tres coproducciones y la participación de Antonio de la Torre, interpretando en “La noche de 12 años” a José Mújica, presidente de Uruguay entre 2010 y 2015.

Hay gran interés por la película de Julian Schnabel, “At Eternity’s Gate”, dedicada a Van Gogh. Expectación han despertado igualmente los hermanos Coen, con su miniserie de Netflix “The Ballad of Buster Scrugs”, así como el francés Jacques Audiard con “The Sisters Brothers”, con el actor norteamericano Joaquin Phoenix como protagonista. El británico Mike Leigh se adentrará en la historia con “Peterloo”, en la que se rememora el baño de sangre causado por la policía de Manchester al poner fin a una protesta laboral en 1819.

El jurado internacional estará presidido por el mejicano Guillermo del Toro, gran triunfador en la pasada Mostra con “La forma del agua”. El León de oro a la carrera será para la actriz británica Vanessa Redgrave.

En coincidencia con la Mostra se reabrirá el Hotel des Bains, un grandioso edificio de estilo liberty, mítico por ser escenario cinematográfico y literario. Aquí ambientó Luchino Viscon “Muerte en Venecia”, película basada en la novela homónima de Thomas Mann
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«Once Upon A Time In Hollywood»: nuevas imágenes de Brad Pitt y Leonardo DiCaprio durante el rodaje

Quentin Tarantino

Hace apenas unos días descubríamos que Quentin Tarantino ha decidido adelantar dos semanas el estreno de su nueva película «Once Upon a Time in Hollywood», por lo que podremos verla el 26 de julio de 2019, según informó el medio especializado «The Hollywood Reporter». Pero ahora también hemos podido ver las primeras imágenes del rodaje de la película protagonizada por Leonardo DiCaprio y Brad Pitt.

Con este cambio, la cinta protagonizada por Brad Pitt y Leonardo DiCaprio ya no se estrenará en el 50º aniversario del asesinato de la actriz Sharon Tate, un crimen que forma parte del argumento de esta película. «Es una historia que tiene lugar en Los Ángeles en 1969, en el apogeo del Hollywood hippie. Los dos protagonistas son Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), una antigua estrella de westerns televisivos, y su doble de acción Cliff Booth (Brad Pitt). Los dos tienen problemas para triunfar en un Hollywood que ya no reconocen. Pero Rich tiene una vecina muy famosa… Sharon Tate», adelantó Tarantino en marzo.

Tate, esposa del director Roman Polanski, fue una de las nueve personas que murieron a manos de Charles Manson y la secta «La Familia», cuyos crímenes conmocionaron a la sociedad estadounidense y forman parte de la califican como la película más ambiciosa de Quentin Tarantino. En las imágenes que han publicado del rodaje, podemos ver a Brad Pitt y Leonardo DiCaprio vestidos y montados un coche de los años 60.

Leonardo DiCaprio y Brad Pitt, durante el rodaje🆕 #BradPitt & #LeonardoDiCaprio on set of their new upcoming movie “Once Upon a Time in Hollywood” directed by #Tarantino ❤️ everything seems great, especially the actors’ looks 😍 pic.twitter.com/iv1qhrZjYK— Brangelina (@BrangelinaGirl)

24 de julio de 2018Los protagonistas no son los únicos que se han vestido de los años 60, Tarantino y su equipo también han disfrazado un rincón de la ciudad de Los Ángeles cambiando la imagen de gran parte de los comercios con carteles de la época.

Once Upon a Time in Hollywood set
The 9th film by Quentin Tarantino
More: https://t.co/5TCcdtQFP1#quentintarantino #BehindtheScenes pic.twitter.com/eXLGGb89wI— Quentin Tarantino News (@QTarantino_news)

21 de julio de 2018Pitt y DiCaprio ya han trabajado con Tarantino: el primero participó en «Malditos bastardos» (2009), mientras que el segundo intervino en «Django desencadenado» (2012). En el elenco estelar de esta cinta está completado por Al Pacino, Margot Robbie, Burt Reynolds, Damian Lewis, Emile Hirsch y Dakota Fanning.

La película más ambiciosa
«He trabajado en este guion durante cinco años y he vivido en el condado de Los Ángeles la mayor parte de mi vida, incluyendo 1969, cuando tenía siete años. Estoy muy emocionado de contar esta historia de un Los Ángeles y de un Hollywood que ya no existen», añadió Tarantino.

«Once Upon a Time in Hollywood» será la primera película del director que no cuente con el respaldo del productor Harvey Weinstein, que apostó por él desde “Reservoir Dogs”, pero cuya reputación en la industria audiovisual se ha hundido después de que decenas de mujeres le acusaran de diferentes episodios de agresión sexual
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Rechazada la denuncia por presunto plagio contra «La forma del agua»

La forma del agua

Un juez federal de Estados Unidos rechazó una denuncia contra la película «La forma del agua» (2017), dirigida por el mexicano Guillermo del Toro, por un presunto plagio de la obra de teatro «Let Me Hear You Whisper» (1969) del dramaturgo Paul Zindel.

«En resumen, pese a algunas similitudes superficiales y algunos puntos básicos del guión que comparten, las historias de la película y de la obra son diferentes», escribió el lunes el juez federal Percy Anderson, del Distrito Central de California, en un fallo obtenido hoy por medios locales.

David Zindel, hijo del fallecido dramaturgo Paul Zindel, aseguró en una demanda presentada en febrero que las similitudes entre la obra de su padre y el filme son tan grandes que la cinta debería ser vista como una adaptación de ese texto.

La demanda de Zindel fue dirigida contra el estudio Fox Searchlight, el director Guillermo del Toro y el productor asociado Daniel Kraus por infringir los derechos de su autor, ahora en manos de los hijos del dramaturgo.

El argumento de la obra de teatro de Zindel gira en torno a la relación establecida entre una introvertida cuidadora que forma una extraña amistad con un delfín mientras trabaja en un laboratorio militar durante la Guerra Fría.

En «La forma del agua», escrita por Del Toro y Vanessa Taylor, una mujer de la limpieza muda entabla una relación sentimental con una criatura marina en un laboratorio militar durante la Guerra Fría y pone en marcha una misión para liberarla y evitar así su muerte.

Esta película fue la gran vencedora de los últimos Óscar al llevarse cuatro premios: mejor película, mejor director (Del Toro), mejor banda sonora y mejor diseño de producción
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