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Sarah Connor se muda a Lavapiés para volver a salvar el mundo en «Terminator 6»

Lavapiés se ha convertido en el centro de la batalla de la nueva película de la saga Terminator. Sarah Connor, a la que pone piel y rostro la actriz Linda Hamilton, ya combate contra las máquinas del futuro en las calles del barrio madrileño en lo que será la sexta entrega de la franquicia, que volverá a estar protagonizada por Arnold Schwarzenegger.

El equipo de esta supreproducción americana, que cuenta con James Cameron (director de la primera película de «Terminator») como productor, estará en las calles madrileñas hasta el jueves después de que el pasado domingo comenzaran a llegar los camiones de los eléctricos. Antes habían estado rodando el Almería y en los próximos días viajarán a Murcia y a Catral (Alicante), según ha podido saber ABC. Otra etapa del rodaje tendrá lugar en Hungría.

La gran novedad de la entrega será la posibilidad de volver a ver juntos a Arnold Schwarzenegger y Linda Hamilton, los protagonistas de la primera película. Además, en la dirección está Tim Miller, un desconocido hasta que filmó la soprendente –y muy taquillera– «Deadpool».

Críticas de los vecinos
Un rodaje con tantas personas involucradas no ha dejado indiferente al barrio de Lavapiés. Algunos de sus vecinos han denunciado en Servimedia el «despliegue» de camiones y otros vehículos que han arrasado con los aparcamientos. También, que los cortes de tráfico han formado largos atascos. «Todo comenzó el pasado domingo. La calle de Valencia amaneció llena de cintas y de vallas que ponía no aparcar. No dejaron ni un sitio para los residentes», ha explicado José Arias, vecino del barrio, quien también lamenta los atascos. «Esta mañana, con un camión de recogida de basuras, el atasco ha llegado hasta la Ronda de Valencia»

Por otra parte, algunos comerciantes de la zona se muestran encantados por el incremento de sus ventas, «sobre todo, latas de cerveza y de Coca-Cola», ha contado uno de ellos a la agencia. Imponen los 12 camiones, matrícula todos de Hungría, aparcados a lo largo de la calle de Valencia, así como el despliegue de las calles colindantes. Los equipos de producción deambulan, vestido de negro, con «pinganillo» en la oreja y repartiendo órdenes, pero no cuentan nada.

Here’s your first look at actress #MackenzieDavis filming the #Terminator reboot, which will hit theaters in November of 2019! It looks like her character has scars all over her chest and arms. Check out more pics on JJ now! 📷: Backgrid

Una publicación compartida de Just Jared (@justjared) el 19 Jun, 2018 a las 11:36 PDT

Madrid es México
«Han rodado en una corrala de la calle Sombrerería y esta mañana han estado por Santa Isabel, cerca de una farmacia, me ha contado una vecina. Esa calle es muy de salir en películas. Todo es antiguo y está muy bien cuidado», relata uno de los pocos vendedores que han visto alguna escena. Y es que todavía pocos se han encontrado con los actores protagonistas.

Tremendous Rodaje de #Hollywood like #MexicoCity en #Lavapies #Madrid #Gemini pic.twitter.com/70V4ah5jkw— DJ KUN (@DJKUN)

20 de junio de 2018Según ha podido saber ABC, Arnold Schwarzenegger no está en Madrid y solo se desplazará a España los días de rodaje en Murcia. De quienes sí se ha confirmado su presencia es de Linda Hamilton y Mackenzie Davis.

El rodaje en España se convertirá en la pantalla en México y en un paisaje desértico. Algo que ya vimos en la primera entrega y que volveremos a ver en este sexta película, por eso la elección de las zonas de Almería, el polígono alicantino, Murcia y las estrechas calles del centro madrileño
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La última humillación a Kevin Spacey tras quedar proscrito por su escándalo de acoso sexual

La película «El club de los jóvenes multimillonarios», en la que participa el actor Kevin Spacey, despedido de la serie «House of Cards» tras conocerse las acusaciones de acoso sexual en su contra, llegará a los cines estadounidenses en agosto, según confirmó la distribuidora independiente Vertical Entertainment.

Pese al elenco protagonista, que encabeza el propio Spacey, la cinta tendrá un estreno limitado a partir del 17 de agosto tras estar disponible en VOD (vídeo bajo demanda) desde mediados de julio. Vertical Entertainment indicó en un comunicado que la decisión «no fue fácil» y tampoco considera que sea «insensible». En su comunicado, recuerdan que el resto del reparto, con Ansel Elgort y Taron Egerton a la cabeza, no debería verse perjudicado por sus acciones.

«No aprobamos el acoso sexual de ninguna manera y apoyamos plenamente a las víctimas. Al mismo tiempo, creemos en dar una oportunidad a estos actores y al equipo que han trabajado duro en la película», señaló la empresa. La película, basada en hechos reales, narra la historia de Joe Hunt (Ansel Elgort) y Dean Karney (Taron Egerton) dos amigos, quienes convencieron a sus ex-compañeros de clase en Harvard para crear un fondo de inversiones llamado Club de Chicos Billonarios que les catapultaría a los escalones más altos de la sociedad de Los Ángeles en los años 80.

Acoso sexual
Spacey fue acusado en octubre del año pasado por su compañero de profesión Anthony Rapp de un caso de acoso sexual en 1986, cuando la supuesta víctima tenía 14 años y Spacey 26.

Tras esa denuncia, varios testimonios se sumaron a la acusación e incluso trabajadores y exempleados de «House of Cards» señalaron que habían sufrido agresiones y abusos sexuales por parte de Spacey durante la producción de la serie.

La denuncia de Rapp llevó a Spacey a admitir su homosexualidad y asegurar que no recordaba el suceso del que le acusaba, aunque dijo que si realmente tuvo lugar le debía «la más sincera disculpa».

“Honestamente, no recuerdo el encuentro, habría sido hace más de 30 años. Pero si me comporté como él describe, le debo la más sincera disculpa por lo que habría sido un comportamiento ebrio profundamente inapropiado”, adujo Spacey en un comunicado publicado en su perfil de Twitter.

Borrado y proscrito
Tras lo ocurrido, Netflix y la productora de la serie, Media Rights Capital, hicieron cambios en el guion para que el peso de la historia recayera a partir de la sexta temporada sobre los hombros de Claire Underwood, el personaje de Robin Wright.

Las repercusiones de la polémica llevaron incluso al cineasta Ridley Scott a eliminar a Spacey de todas las escenas del thriller «Todo el dinero del mundo» y sustituirlo a última hora por Christoper Plummer, que logró una nominación al Óscar por su trabajo.

La última película que vimos en España de Kevin Spacey fue «Rebelde entre el centeno», en la que le vimos como el mentor del escritor J. D. Salinger. Por supuesto, Spacey tampoco trabajó en la promoción de la película y en los carteles se le relegó a un segundo plano
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Los directores de «Up» y «Frozen», nuevos jefes de Pixar tras la salida de Lasseter por «cruzar el límite» con sus empleados

Pete Docter, director de «Up» e «Inside Out», y Jennifer Lee, directora de «Frozen», han sido nombrados jefes creativos en Pixar y Walt Disney Animation en sustitución de John Lasseter, el hasta ahora jefe creativo de Pixar y Walt Disney Animation Studios, quien abandonará oficialmente la compañía a final de año. Ambos supervisarán todas las películas y proyectos asociados a las divisiones de animación de la empresa tras la polémica con su predecesor.

En noviembre del año pasado, Lasseter anunció que se tomaba una excedencia de seis meses de su cargo tras reconocer comportamientos laborales fuera de lugar y que se propasó con su personal. «Me disculpo profundamente si os he decepcionado. Especialmente quiero pedir perdón a cualquiera que haya estado en el lado contrario de un abrazo no deseado o cualquier otro gesto que sienta que haya cruzado el límite de algún modo, manera o forma», dijo Lasseter en un memorando dirigido a sus trabajadores.

«No importa cómo de inofensiva fuera mi intención: Todo el mundo tiene derecho a establecer sus propios límites y que se respeten», añadió.

Un genio en entredicho
Conocido por ser uno de los grandes cerebros detrás de Pixar así como una de las figuras mundiales más importantes del cine de animación, Lasseter es el director de filmes como «Toy Story» (1995), «Bichos: una aventura en miniatura» (1998), «Toy Story 2» (1999), «Cars» (2006) y «Cars 2» (2011).

En los últimos años ha trabajado principalmente como productor y en esta labor figura en «Coco», la cinta animada inspirada en la cultura mexicana que consiguió dos Oscar en la pasada edición de los premios de la Academia de Hollywood.

El día 15 se estrenó en las salas estadounidenses “Incredibles 2”, película en la que Lasseter ha ejercido de productor ejecutivo
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¿Ataques epilépticos con dibujos animados? Disney advierte que «Los increíbles 2» puede causarlos

«Los Increíbles 2» llegó el pasado viernes 5 de junio a las salas de cine estadounidenses por todo lo alto. La nueva película de Disney-Pixar arrasó en la taquilla al recaudar 180 millones de dólares (155 millones de euros) en solo un fin de semana. Sin embargo, no fue un estreno libre de incidentes.

«No he visto esto mencionado en muchas partes, pero ‘Los Increíbles 2’ está llena de toneladas de luces estroboscópicas/intermitentes que pueden causar problemas a personas con epilepsia, migrañas y enfermedades crónicas», advirtió una usuaria de Twitter llamada Veronica Lewis. «Los increíbles 2» incluye una secuencia con luces estroboscópicas que puede afectar a personas que sufran epilepsia fotosensible.

HEALTH ALERT I haven’t seen this mentioned in a lot of places, but the new Incredibles 2 movie (#incredibles2) is filled with tons of strobe/flashing lights that can cause issues for people with epilepsy, migraines, and chronic illness. This thread is spoiler free— Veronica Lewis (@veron4ica)

15 de junio de 2018Sin embargo, Disney ya contaba con ello y por eso pidió a los cines que emitieran un aviso sobre posibles ataques epilépticos después de que la Epilepsy Foundation se mostrara preocupada por la escena mencionada, según informa «USA Today». Dicha advertencia dice: «Una secuencia con luces intermitentes de ‘Los Increíbles 2’ puede afectar a los clientes susceptibles a la epilepsia fotosensible u otras fotosensibilidades». Este hecho nos recuerda a lo sucedido en diciembre de 1997, cuando un episodio de «Pokémon», el cual incluía también una secuencia plagada de luces así, mandó al hospital a más de 600 niños en Japón.

De acuerdo con el comunicado emitido por la Epilepsy Foundation, «para al menos el 3% de las personas con epilepsia, la exposición a luces intermitentes a ciertas intensidades o con ciertos patrones visuales puede desencadenar convulsiones. Esta condición se conoce como epilepsia fotosensible y es más común en niños y adolescentes, especialmente aquellos con epilepsia generalizada y un tipo conocido como epilepsia mioclónica juvenil».

Una película de récord

«Los increíbles 2» llegó a la cartelera estadounidense con más fuerza de la que nos hubiésemos imaginado jamás. Gracias a ellos, la película de Disney-Pixar se ha posicionado como la película de animación que más ha recaudado solo durante una función de medianoche: 180 millones de dólares (155 millones de euros) en 4.410 localizaciones. El récord anterior lo poseía «Buscando a Dory» (2016), con un debut de 135 millones de dólares (114 millones de euros).

La secuela llega 14 años después del éxito de la primera entrega, que recaudó más de 630 millones de dólares (535,4 millones de euros) en todo el mundo. Si aquel filme giraba en torno a la crisis de la mediana edad de su protagonista, Mr. Increíble (Craig T. Nelson), esta secuela ve a su esposa, Mrs. Incredible (Holly Hunter), llevar el peso y la acción de la historia mientras su marido cuida del bebé Jack-Jack y de los dos hijos adolescentes –y con poderes– del matrimonio.

De momento, habrá que esperar para verla en las salas españolas hasta el viernes 3 de agosto, sufriendo un retraso de casi dos meses respecto a la fecha de estreno en Estados Unidos
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Carlos Saura: «Me da miedo hablar de mujeres porque luego dicen que soy machista»

La actriz gala Isabelle Huppert y el cineasta Carlos Saura recibieron este martes el Prix Diálogo 2018 a la Amistad Hispano-Francesa, un premio que pretende reforzar el vínculo entre ambos países. Mientras la laureada intérprete agradecía un galardón que, espera, sirva «para que el cine español y francés colaboren», el director oscense se dedicó a alabar al país vecino. «Francia es mi segundo país, gracias a él he podido continuar haciendo lo que más me gusta: películas», reconoció el realizador, premiado por el Festival francés de Cannes en dos ocasiones, un certamen que le sirvió, además, para conocer a «grandes directores de la época», sobre todo a Luis Buñuel, con el que mantuvo una amistad «hasta su muerte».

Aprovechó también el responsable de «Cría cuervos» para reprochar el apoyo a la cultura nacional, a su juicio insuficiente: «Admiro Francia porque se valora la cultura mucho más que en España». «Aquí hay gente maravillosa que tiene un talento enorme pero como no son reconocidos, se tienen que marchar al extranjero», lamentó Saura. Su compañera, sin embargo, se limitó a reconocer la admiración que su país siente por «la cultura española, desde Picasso y Lorca a Buñuel».

La reivindicación feminista no perdió fuelle en la decimoquinta edición de los galardones. En un repaso a su filmografía, la actriz francesa aseguró que nunca le «ha obsesionado interpretar a mujeres fuertes», y Saura, que siempre ha tratado de «ser respetuoso con ellas porque sería absurdo hacer lo contrario», reivindicó que son «más guapas e inteligentes» que los hombres. «Me da miedo hablar ahora de mujeres porque enseguida dicen que soy machista», bromeó el cineasta, en referencia a la corriente de susceptibilidad actual. «Son muy fuertes y están mejor educadas. Así que, ¿por qué no? Mujeres al poder», remató diciendo en la Embajada de Francia en España.

El futuro de Picasso

Sin perder la actualidad de vista, Huppert se refirió a su última colaboración con Michael Haneke, «Happy end», una película «áspera y radical sobre un problema -la inmigración- que afecta a todos los países europeos» y que próximamente llegará a los cines de España.

Saura, por su parte, volvió a recuperar en la Embajada de Francia en España una figura clave para la cultura de ambos países, Pablo Picasso. En ese contexto, habló del proyecto que tiene en el cajón sobre el pintor y el proceso de creación del Guernica, que iba a protagonizar Antonio Banderas antes de hacer lo propio en la serie «Genius». «Una de las razones por las que no se ha hecho la película es porque había que hacerla en inglés y yo me he negado», afirmó el cineasta, asegurando que si no es con el malagueño la realizará «con otro actor» porque es un guión «muy bonito». «Esta película debía ser una coproducción con Francia», terminó lanzando al aire, por si acaso alguno de los presentes recogía el capote
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Ana Gallego deja la Filmoteca Española para asumir un nuevo cargo en Justicia

La directora de la Filmoteca Española, Ana Gallego, deja su puesto para asumir la Dirección General de Cooperación Jurídica Internacional, dependiente del Ministerio de Justicia, según han confirmado a Efe fuentes del Ministerio de Cultura y Deporte (MECD). En un tuit, el MECD felicita a Gallego por su nombramiento y añade que esperan «fichar en breve a un nuevo director/a» para la Filmoteca. «Ana nos lo ha puesto difícil, ha dejado el listón muy alto», concluye el mensaje.

Gallego, que ha ocupado la dirección de Filmoteca durante 18 meses, regresa así al Ministerio de Justicia, donde ocupó cargos de responsabilidad en diversas etapas de los anteriores gobiernos socialistas. En concreto, en 2004 fue nombrada subdirectora general de Cooperación Jurídica Internacional en el Ministerio de Justicia, puesto que desempeñó hasta 2010, y después (2011-2012) fue consejera de Justicia en la Representación Permanente de España ante la Unión Europea (UE) en Bruselas.

Sustituyó a Chema Prado
Licenciada en Derecho por la Universidad de Granada y miembro del Cuerpo Superior de Administradores Civiles del Estado, entró a la Filmoteca para sustituir, en enero del año pasado, a Chema Prado, que llevaba al frente de la institución desde 1989, más de 27 años. Desde la salida de Prado, la directora del Centro de Conservación y Restauración de la Filmoteca, Mercedes de la Fuente, ejerció como directora en funciones.

Fue De la Fuente quien hizo pública la situación «crítica» de la sala Doré, sede de la Filmoteca, donde se detectaron chinches y termitas que obligaron al cierre temporal en 2016, aunque aquel detalle era solo parte de un deterioro que sufría también el equipo profesional, que fue jubilando personal sin sustituirlo y, en otros casos, siendo cambiados por no expertos.

Gallego era una de las dos cabezas visibles en las que el anterior equipo de Cultura quiso dejar la dirección de la institución, junto con el periodista y crítico de cine Carlos Reviriego, al que se encargó la dirección artística, que fue elegido por concurso.

Dependiente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA) desde enero de 1997, Filmoteca tiene como objetivos la recuperación, investigación y conservación del patrimonio cinematográfico español, así como su difusión.

Gallego ha permanecido al frente de la Filmoteca hasta que el gobierno de Pedro Sánchez la ha designado directora general de Cooperación Jurídica y Relaciones con las Confesiones, sustituyendo a Javier Herrera.

La funcionaria de carrera también ocupó en 2013 el cargo de subdirectora adjunta de Coordinación Interinstitucional en la Delegación del Gobierno para la Violencia de Género, dentro del Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad, responsabilidad que desempeñó hasta
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Will Ferrell hará una parodia del «exótico» fenómeno de Eurovisión para Netflix

Will Ferrell escribirá y protagonizará para Netflix una película sobre el Festival de Eurovisión, una comedia sobre el popular concurso internacional de música surgido en 1956 y que, en Estados Unidos, sigue siendo un exótico fenómeno.

Según ha informado el medio especializado Deadline, Will Ferrell coescribirá la cinta junto a Andrew Steele, con quien ya trabajó en «Casa de mi padre» y «Adopción peligrosa». Por el momento no hay detalles sobre la trama.

Ferrell viajó hasta Lisboa el pasado mes de mayo para asistir al concurso y reveló que ha sido un gran admirador desde que su esposa, de nacionalidad sueca, se lo descubrió en 1999. Este año, 43 países compitieron por el premio que, finalmente, se llevó la israelí Netta interpretando la canción ‘Toy’. ABBA, ganador en 1974 para Suecia, y Céline Dion, ganadora en 1988 para Suiza, se encuentran entre los exconcursantes que forjaron exitosas carreras en todo el mundo después de sus triunfos en el festival.

Tras su polémico «Ibiza»
La de Eurovisión será la segunda película de Ferrell para Netflix después del lanzamiento el mes pasado de «Ibiza», protagonizada por Gillian Jacobs. La plataforma se ha adentrado en el cine de comedia con una serie de fichajes que incluyen estrellas como Adam Sandler, Chris Rock, Amy Schumer y Jerry Seinfeld.

La última aparición de Ferrell en pantalla fue en ‘Dos padres por desigual’, y su próximo trabajo será ‘Holmes & Watson’, una versión cómica de las novelas de Arthur Conan Doyle, protagonizada por John C. Reilly y Ralph Fiennes
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Haifaa Al-Mansour: «Todos hemos crecido con “Frankestein”, pero nadie sabe quién lo escribió»

Haifaa Al-Mansour se convirtió en la primera mujer directora de cine en Arabia Saudí antes incluso de que las mujeres saudíes pudieran conducir sus propios coches. Pionera y luchadora, Al-Mansour reivindica detrás de la cámara la figura de otra mujer que rompió las barreras, la enigmática Mary Shelley, autora de «Frankenstein o el moderno Prometeo».

Su filme «Mary Shelley» llegará a España el viernes 13 de julio con el rostro de la actriz estadounidense, Elle Fanning dando vida a la escritora anónima. «Si la novela la hubiera escrito un hombre todos sabríamos su nombre –destaca Al-Mansour a ABC–. Por suerte, las cosas están cambiando en la lucha por la igualdad». La película no puede llegar en el mejor momento ya que el estreno coincide con el bicentenario de la publicación de la novela gótica por excelencia.

Al-Mansour reconoce que le extrañó mucho recibir el encargo de dirigir esta película tan «british». «Me enviaron el guión y pensé que era muy curioso que me lo mandaran a mí. Pero después reflexioné que yo vengo de Arabia Saudí y me podía identificar con esta mujer que sufrió tantísimo. Creo que es una historia moderna y actual», reflexiona la cineasta, que durante las dos horas del filme intenta buscar un paralelismo entre la vida de la escritora y su gran novela. «Me enfrentaba a muchos retos, pero para mí lo más importante era resumir la historia de Mary Shelley y conseguir un equilibrio entre su vida y el manuscrito de Frankestein», relata. Un equilibrio que logró con la ayuda de Elle Fanning, clave para este proyecto. «Era básico encontrar a una mujer que pudiera elevar el personaje y combinar su faceta de esposa atormentada con la de escritora. A sus veinticinco años ya ha rodado cincuenta películas», descubre la directora.

Mary está rodeada por su marido, la hija que pierde y su hermana: «Hay muchas relaciones y escenas potentes pero la más conmovedora para mí la escena en la que la hermana, después de leer el manuscrito de Frankenstein, le dice que se ve muy identificada con el monstruo».

La vida de Shelley es trepidante. Su madre, con la que creció obsesionada, murió a los diez días dar a luz, y Shelley sufrió un matrimonio horrible con el poeta radical Percy Bysshe. «Todos hemos crecido con “Frankestein” como referencia pero nadie sabe quién lo escribió. Las mujeres de aquella época eran anónimas pero, curiosamente, la madre de Mary Shelley fue un icono en el feminismo. Creo que es muy importante cómo afecta a Mary la lucha feminista de su madre».

Mujer y directora de cine en Arabia Saudí
Como mujer y directora de cine en Arabia Saudí, reconoce que tiene «muchos obstáculos por ser mujer, por mi profesión y por ser de color. Mis circunstancias hacen que el reto sea mayor». Pese a todo, le gustan los retos y reconoce que «la mayoría de mis proyectos están protagonizadas por mujeres fuertes, desde Mary Shelley a la película que ha rodado para Netflix sobre una mujer afroamericana que se rapa el cabello o “El candidato perfecto”, que habla de una mujer de Arabia que se presenta para un cargo público».

Si todo va bien el rodaje de «El candidato perfecto» empezará en septiembre en su país. «Las cosas están cambiando en Arabia Saudí; ya me han dicho que me ayudarán en la financiación y me darán apoyo logístico. La próxima vez que venga a España os cuento si todo ha ido bien». Las mujeres también están tomando posición en el sector audiovisual y Mansour es una de las tres realizadoras que forman parte del primer Consejo de Cine Saudí, una plataforma para estimular y desarrollar el talento creativo en ese país.

Nuestra invitada es optimista. «Hoy se percibe una especie de alegría en la calle, con gente que baila, y hay mujeres con ropa de más colores, porque antes todas iban de negro». Tampoco oculta que cuando rodó «La bicicleta verde» tuvo que hacerlo con una caravana con un monitor oculto y un walkie talkie porque no podía salir al exterior: «Nadie me podía ver con hombres». Las cosas han cambiado mucho y ahora viaja por el mundo recibiendo premios y rodando nuevos proyectos.

El pasado mes de abril, su película sobre Mary Shelley fue la gran ganadora de la II Edición del BCN Film Fest, y por fin ha pasado por la Ciudad Condal para recoger el premio del jurado a la mejor película
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¿Qué actores de «El señor de los anillos» estarían dispuestos a participar en la serie?

Aunque la ficción que prepara Amazon sobre «El señor de los anillos» es uno de los eventos televisivos más esperados poco ha trascendido sobre los detalles de la serie que, según la plataforma, podría ser la sucesora de «Juego de Tronos». Apenas hemos escuchado rumores sobre qué podría tratar la primera temporada y, según publicaron varios medios especializados hace apenas un mes, podría girar en torno a la figura de un joven Aragorn.

Pero ¿le han preguntado a Viggo Mortensen si querría participar (aunque solo fuera para un cameo)? De momento, no ha trascendido su opinión. Quien sí que ha mostrado su interés por participar en la ficción ha sido Ian McKellen, quien ha mostrado en un sinfín de ocasiones el cariño que le tiene a su personaje. «No he dicho que sí porque no me han preguntado. ¿Pero sugieres que otra persona le va a dar vida? Gandalf tiene como 7.000 años, por lo que todavía no soy demasiado viejo para el papel», aseguró el actor en el programa radiofónico de Graham Norton.

Dominic Monaghan tampoco pondría pegas para volverse a meter en la piel de Meriadoc Brandigamo, pero con una condición. «Si utilizan a los hobbits ya de mayores, sentados hablando sobre sus viajes. (…) Me encanta ese mundo y creo que introducir a nuevas generaciones a ese universo les lleva a la trilogía de Peter Jackson y a los libros», aseguró en una entrevista a «Metro».

«Lo he estado diciendo durante 15 años … tal vez 12 años después de que salga Lord of the Rings, que se rehaga. Y la gente siempre decía: ‘¡Oh, no, nunca se rehará! Es un clásico! ¡Nunca podrían superarlo! “Y yo dije, ‘No, se volverá a hacer. ¡Es una historia masiva! Los personajes son tan amados». Así reaccionó Sean Astin al conocer la noticia. El actor que dio vida a Samwise Gamgee lleva preparándose mucho tiempo para esto.

Los del «no»
Como era de esperar, no todos los actores piensan igual. Por ejemplo, Andy Serkis aseguró que no se veía volviendo a interpretar a Gollum. «No lo creo. Y si fuera alguien que hiciera eso, obviamente querrían empezar de nuevo y crear algo nuevo. Y así es como debería ser. Eso es lo que haces con excelentes trabajos clásicos. Es una repetición y eso conlleva una reinterpretación. Y para eso creo que se necesita un par de orejas y ojos nuevos, y estoy seguro de que así será», aseguró en «CinemaBlend».

No todos han sido tan amables como Serkis. John Rhys-Davies, conocido por interpretar a Gibli, ya dejó claro al descubrir la noticia de la puesta en marcha de la serie que no estaba de acuerdo: «Las personas que hacen la serie no tienen ningún escrúpulo y son unos avariciosos. Tolkien debe estar removiéndose en su tumba&raquo
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La crítica fulmina al mafioso de John Travolta en «Gotti» como la peor película de la década

John Travolta estaba pasando un 2018 feliz entre homenajes por el cuarenta aniversario de «Grease». Un vistazo al pasado necesario si no quiere perder la sonrisa, ya que lo que le espera este año promete ser muy oscuro. Su nueva pelícla, «Gotti», en la que interpreta al mafioso John Gotti (1940-2002), jefe de la familia Gambino, está siendo fulminada por los críticos estadounidenses.

Rotten Tomatoes, un portal que recopila las críticas publicadas de cada filme y le da un porcentaje medio de aprobación, le da un cero por ciento de aprobación entre las 23 críticas publicadas hasta la fecha. Supera así el récord negativo de «Una relación peligrosa», con Jennifer López y Ben Affleck, que mantiene un sonrojante 6 por ciento tras recopilar 185 críticas.

Gotti, que lideró una de las mafias más importantes del crimen organizado en Estados Unidos, tiene unas historia tan potente que parece difícil hacer una mala película con ese material. Algo que parece haber ocurrido. «La película es horripilante: guion mal escrito, no tiene tensión y algunas partes son ridículas y otras aburridas», dice Jordan Mintzer, crítico de «The Hollywood Reporter», según recoge Filmaffinity. «Un biopic de mafiosos incoherente (…) Es extraño decirlo para un tipo que fue acusado de asesinato, pero John Gotti merece algo mejor que este biopic amateur», sentencia David Ehrlich, crítico de «Indiewire». Unos errores que han descubierto los críticos al primer visionado pero que ninguno de los más de 40 productores que IMDB acredita en el filme supieron ver.

Pese a todo, y como los críticos no siempre tienen la verdad, las votaciones de los espectadores están siendo bastante más benévolas con Travolta. DE hecho, un 78 por ciento de los comentarios de más de 6.873 personas han sido positivos, según Rotten Tomatoes. Aunque algunas que catalogan como positivas parcen pura ironía: «La mejor película que vi este año y fácilmente top 3 de películas de la mafia. Todo el teatro estuvo en el filo del asiento toda la película…&raquo
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El increíble récord que ha roto «Los Increíbles 2»

«Los increíbles 2» ha llegado a la cartelera estadounidense con más fuerza de la que nos hubiésemos imaginado jamás. Gracias a ellos, la película de Disney-Pixar se ha posicionado como la película de animación que más ha recaudado solo durante una función de medianoche: 180 millones de dólares (155 millones de euros) en 4.410 localizaciones. El récord anterior lo poseía «Buscando a Dory» (2016), con un debut de 135 millones de dólares (114 millones de euros).

La secuela llega 14 años después del éxito de la primera entrega, que recaudó más de 630 millones de dólares (535,4 millones de euros) en todo el mundo. Si aquel filme giraba en torno a la crisis de la mediana edad de su protagonista, Mr. Increíble (Craig T. Nelson), esta secuela ve a su esposa, Mrs. Incredible (Holly Hunter), llevar el peso y la acción de la historia mientras su marido cuida del bebé Jack-Jack y de los dos hijos adolescentes –y con poderes– del matrimonio.

De momento, habrá que esperar para verla en las salas españolas hasta el viernes 3 de agosto, sufriendo un retraso de casi dos meses respecto a la fecha de estreno en Estados Unidos
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«Todavía hay muchos problemas para ser gay, aunque “Moonlight” haya ganado el Oscar»

Este fin de semana ha llegado a los cines españoles «El repostero de Berlín». Un «melodrama» sobre pasión, amor, tabús, sexualidad y religión protagonizado por Tim Kalkhof («Homeland») y Sarah Adler («Nuestra música»), que supone el debut como director del israelí Ofir Raul Graizer (1981, Ra’anana) tras varios cortometrajes.

El repostero de Berlín

El cineasta, apasionado de la cocina –tiene publicado hasta un libro de recetas– y homosexual reconocido, ha amasado con sus propias manos una historia que trata de explicar a través de la propia gastronomía y que deja latente la aversión que todavía sienten ciertos sectores de la población de Israel hacia Alemania, aún presente 80 años después del nazismo. Premiada en los Festivales de Karlovy Vary y Jerusalén, el largometraje también ha sido reconocido por la crítica en certámenes como San Sebastián, Londres o Hamburgo. Hasta el punto que, próximamente, la película tendrá un ‘remake’ en Hollywood de cuyo guion se encargará el propio Graizer.

A pesar de ello, el director reconoce que fue «muy difícil» llevarla a cabo, en especial por la falta de apoyos. «Nadie quiso apoyarla ni financiarla. Nos llevó ocho años hacerla y la grabamos en solo dos semanas y media, en dos países», expresa sin tapujos sobre su cinta, rodada entre Berlín y Jerusalén. Pese a ello, al final la sacó adelante y ahora presenta en España una historia que «rompe» estereotipos y con más verdad de la deseada. «El mundo está yendo hacia atrás. Todavía hay muchos problemas para ser gay, aunque “Moonlight” haya ganado el Oscar».

P – Tras tres cortometrajes, estrena por fin su primera película…

R – La lanzamos el pasado julio, en el Festival de Karlovy Vary. Ha sido muy exitosa, ha estado en muchos festivales, se ha distribuido en varios países y ganado premios. Estoy muy feliz, es algo muy positivo. Todo lo que ahora rodea a la película ha sido una gran sorpresa, sobre todo porque hacerla fue muy difícil. Nadie quiso apoyarla ni financiarla. Teníamos un presupuesto muy limitado. Nos llevó ocho años hacerla y la grabamos en solo dos semanas y media, en dos países. Así que verla ahora en España es un milagro. ¡Nadie lo esperaba!

P – ¿Cómo se le ocurrió la idea de «El repostero de Berlín»?

R – Me inspiré en la historia real de alguien que conocí. Un amigo, que tenía una doble vida. Por un lado tenía una familia, pero por otro era gay. Decía que era bisexual, pero la realidad era que le gustaban los hombres y que mantenía su vida con su familia solo por ceñirse a los estereotipos de la sociedad, porque le encantaba quedar con hombres. Murió de cáncer. Y después, su mujer descubrió que tenía una doble vida. Yo les conocía. Cuando murió, ella me contó la historia… aunque yo ya la sabía, pero no sabía que había muerto porque llevábamos tiempo sin hablar. Cuando me enteré, me pareció una historia muy importante que contar. Si pierdes a alguien a quién amas, que es muy importante para ti y después te das cuenta de que te ha mentido. ¿Cómo reaccionarías? Esa es la pregunta clave de la película. En base a ello, cree esta historia, que no es del todo real, pero está inspirada en esa. Lo demás es un aporte mío: la comida, la religión, las conexiones entre Berlín y Jerusalén, el tema de la sexualidad…

P – Viendo el éxito que en los últimos tiempos han tenido películas como «Moonlight», «Call me by your name» y «Tierra de Dios», ¿piensa que la homosexualidad ha dejado de ser un tema tabú en el cine?

R – Ahora parece que está de moda hablar de estos temas. En el pasado, si querías ver una película sobre gays o lesbianas solo podía ser en festivales concretos. Ahora, esas historias se pueden ver en el cine y le gustan a la audiencia. También ocurre en televisión: en casi todas las series hay gays, lesbianas o transexuales. A menudo pensamos que nosotros, como gente que amamos la cultura y vivimos en la igualdad y en base a los derechos humanos, disfrutamos de un mundo cada vez más abierto. Pero no es así. En paralelo a ese movimiento, a nivel político lo cierto es que el mundo está yendo hacia atrás. Se está volviendo más religioso, conservador e intolerante. Por ello, tenemos que tener cuidado. Todavía hay muchos problemas para ser gay, aunque «Moonlight» haya ganado el Oscar. Todavía queda mucho por hacer.

P – ¿Cuáles considera que son los aspectos más poderosos de su película?

R – Lo más conmovedor es la conexión que Thomas (el protagonista, interpretado por Tim Kalkhof) crea con dos de los personajes secundarios de la película: la madre y el hermano de Oren (el personaje al que da vida Roy Miller). Son dos personajes que, en lo personal, son muy diferentes a mí, pero que tienen algo escondido, algo interno, que creo que es muy poderoso y muy bonito. Hay algo muy íntimo con todos los personajes, también con Anat (Sarah Adler).

P – Las localizaciones también juegan un papel importante…

R – Todos los lugares en los que grabamos son sitios que verdaderamente amo. Como Jerusalén, por ejemplo, las cafeterías, el mercado, los vecindarios… estéticamente no son lugares muy bonitos, pero tienen mucho significado. Por ejemplo, la cafetería que sale en Berlín, al principio de la película, es un lugar en el que entras e inmediatamente ya te sientes como si estuvieras en los años cuarenta. Es un sitio con un significado muy especial. Cuando estás en un lugar con más de 200 años de historia, cada parte te cuenta una historia diferente. Todo lo que rodea la película tiene gran parte de eso. La película está rodada en un mundo muy bonito, un mundo de tartas. La música de fondo, los vinilos… todo genera un sentimiento muy bonito, como de nostalgia, de antigüedad, algo muy potente.

P – Además, la película esconde un mensaje político interesante, escenificado en la mezcla de dos mundos muy distintos…

R – Para mí, esta es una historia muy personal, sobre gente que tiene que lidiar con su dolor y su tristeza en un contexto muy peculiar. Y eso se plasma en los propios personajes. Ellos no lo dicen en toda la película, pero no quieren que se les defina de una manera concreta, ni por su religión, ni por su nacionalidad, ni por su sexualidad. Eso es lo más importante de la película, que los personajes se dejan llevar por sus propios sentimientos y sus historias, rompiendo estereotipos y esas definiciones

P – Premiada en Karlovy Vary y Jerusalén, reconocida en Londres o San Sebastián… ¿qué le dice la gente de su película?

R – La mayoría de las críticas que he leído son positivas, aunque depende mucho del lugar. En Israel, por ejemplo, todas las opiniones han sido inmejorables. De hecho, estuvo tres meses en cartelera y tuvo muchísimo éxito. También en República Checa y Hungría, especialmente. Veremos a ver ahora en Francia, España, Estados Unidos y Corea del Sur. Sobre todo, la gente está aplaudiendo la sensibilidad de la película y los personajes, pero también el sonido, la música y los planos. En especial, los críticos de cine. Y cuando alguien que sabe tanto del tema ensalza esos aspectos, para mí es lo más importantes. Más que la propia historia en sí.

P – Sin embargo, «El repostero de Berlín» todavía no se ha estrenado en Alemania…

R – No, y aunque me encantaría, no creo que pueda llegar a hacerlo. Las películas como ésta lo tienen muy difícil en Alemania. Sobre todo porque es un país muy conservador, también en cuestiones de cine. Es un país muy complicado
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El regreso de Belén Rueda al cine de terror

Belén Rueda vuelve a inquietar a los espectadores, como ya hizo en «El orfanato» o en «Los ojos de Julia», aunque esta «es terror de verdad». «No dormirás» cuenta cómo un grupo de teatro vanguardista experimenta con el insomnio para la preparación del montaje de una obra creada veinte años atrás por un grupo de pacientes. «Nunca había escuchado hablar del insomnio como una herramienta para montar una perfomance y llevar a los actores al extremo. Sabía que se había usado para la tortura o para explorar los límites del ser humano, pero nunca como algo voluntario», dice la actriz a ABC en la presentación de la película en el Festival de Cine de Málaga.

La madrileña da vida a Alma, un personaje que le costó preparar. «Acababa de llegar de Uganda, de rodar “El cuaderno de Sara”, cuando tenía que ponerme con ella. Pero no quería entrar en un sitio tan triste y tan oscuro», confesó. «Cuando empiezas a trabajar en el guion es una relación solo de dos: tu personaje y tú», añadía. Por suerte, el rodaje le quita esa «oscuridad»: «Cuando llegas al set hay un equipo y se van creando relaciones paralelas, se va sumando luz».

Entre el reparto, dirigido por Gustavo Hernández, está Natalia de Molina. «Hace de argentina, con su acento perfecto y todo», comenta orgullosa. Sin duda, la actriz jienense es una de las que más ha sufrido el rodaje. «Soy muy miedica», confesaba en «El Hormiguero». Pero no fue la única. «Rodamos la película en un antiguo orfanato que se había utilizado en época de guerra así que ya te puedes imaginar las atrocidades que se había hecho allí. Tenía cuatro plantas, pero cada día nosotros rodábamos en un punto concreto del edificio. Y te puedo asegurar que a nadie se le ocurría estar en un sitio donde no correspondiera. Estaba todo el equipo juntito», añadió Belén Rueda.

Natalia de Molina acompaña a Belén en «No dormirás»

ABC
Pero, ¿qué tiene este género para que reincida? «Parece que siempre hago este género», contestó entre risas. «Mezcla una realidad –todo aquello que puedes ver, tocar, oler…– con la que tenemos en nuestra cabeza. Muestra una realidad paralela a la sensitiva. Nos permite contar historias muy dispares, con fenómenos extrasensoriales y eso enriquece mucho la historia que estás contando. Concretamente, en esta película, la historia que vive cada personaje metiéndose en otros que en su momento existieron realmente y que se creen que son ellos. Nosotros le llamamos locura, pero ¿quién dice que la locura no somos nosotros diciendo lo que es normal?», reflexiona sobre la trama de «No dormirás».

Tres películas, tres géneros
Este año está siendo uno «increíble» para Belén Rueda: «Han salido tres películas, a cada cual más diferente». Primero llegó ‘Perfectos desconocidos’, una comedia que pone sobre la mesa un tema de actualidad que «ha provocado más de una risa incómoda». En febrero llegó «El cuaderno de Sara»: «Ha sido una película que me ha cambiado. África me ha enamorado. Cuando regresé de Uganda tras el rodaje, mi cuerpo llegó, pero hasta un mes más tarde no llegó mi mente. Me quedé atrapada allí». Ahora, es el turno de «No dormirás». «Pero después de esto tocan unas merecidas vacaciones, que ha sido un añito intenso», confiesa sonriente
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Diez películas sobre fútbol con más nivel que los partidos del Mundial de Rusia

Hasta que España vuelva a saltar al campo en este Mundial de Rusia (será el próximo miércoles, a las 20.00 horas, contra Irán), aquellos amantes del deporte que no quieran «vibrar» con un apasinante Serbia-Costa Rica tienen en el cine un refugio donde disfrutar de la pelota sin aburrirse. ABC Play recopila diez títulos imprescindibles para lograr este objetivo:

Evasión o victoria
Arrancamos, cómo no, con «Evasión o victoria» (1981), el clásico de John Huston ambientada en un campo de concentración nazi. El filme relata las andanzas de un variopinto grupo de presos que utiliza el fútbol para distraer a sus captores y poder salir del campo de concentración. Una cinta mítica que unió lo más destacado de la interpretación y el deporte: ahí están Sir Michael Caine, Sylvester Stallone, Max von Sydow y Pelé.

El penalti más largo del mundo
«Fernando es un tipo gris, sin ambición, que trabaja como reponedor en un supermercado de barrio. Es, además, el portero suplente de un equipo de fútbol de tercera regional. En toda la temporada no ha jugado ni un minuto. Pero cuando en el último partido de la liga el árbitro señala penalti y el portero titular se lesiona, tiene que ocupar la portería. Si para el penalti, el equipo será campeón y subirá de categoría…» El resto es historia en esta taquillera comedia protagonizada por Fernando Tejero. Y es que antes de revisar otros títulos internacionales, tenemos que pararnos por el cine patrio en esta lista que completa Europa Press: «Días de fútbol», «El portero», «Rivales» o «La gran familia española». Y no es una ‘moda’ reciente. Si nos remontamos varias décadas atrás encontramos títulos como «Once pares de botas», «La saeta rubia», «Los ases buscan la paz», «El sistema Pelegrín», «Las Ibéricas», «Matías, juez de línea»…

Quiero ser como Beckham (2002)
Una simpática aproximación al deporte rey desde el fenómeno fan es lo que nos ofrece esta comedia juvenil protagonizada por Keira Knightley y la televisiva Parminder Nagra. La película cuenta la historia de una chica india que se revela contra su férrea estructura familiar para cumplir su sueño: jugar al fútbol como su gran ídolo, el mediático David Beckham.

Football Factory (2004)
Una de las grandes preocupaciones de cara al Mundial de Rusia es la presencia de los Hooligans, especialmente los posibles enfrentamientos entre aficionados radicales ingleses y rusos. Precisamente esa oscura cara del fútbol es la que presenta la película escrita y dirigida por Nick Love. Basada en la novela de John King, Football Factory (Diario de un hooligan) sigue los pasos de Tommy, un violento seguidor del Chelsea, para retratar, de forma cruda y sangrienta, toda la brutalidad que esconden los grupos radicales y cómo dan salida toda esa violencia con el fútbol como coartada.

Feliz Navidad (2005)
En el polo opuesto, a pesar de contar con la Primera Guerra Mundial como telón de fondo, está la película francesa escrita y dirigida por Christian Carion. Un filme que llevó a la gran pantalla la Tregua de Navidad, un alto el fuego no oficial durante el que soldados alemanes, franceses y escoceses abandonaron sus trincheras y se juntaron para comer, beber, cantar villancicos y… jugar al fútbol.

Hooligans (2005)
El retrato de los hooligans se repite, con matices, en la película protagonizada por Elijah Wood, que experimentó un cambio radical después protagonizar El señor de los anillos de Peter Jackson. Aquí da vida a Matt Buckner, un joven estadounidense que llega a Inglaterra tras ser expulsado de Harvard y se convierte en integrante de la facción más violenta de los seguidores del West Ham United.

Looking for Eric (2009)
La redención cinematográfica de Eric Cantona, tan díscolo como brillante dentro y fuera del césped, llegó de la mano de esta película dirigida por Ken Loach. El exfutbolista del Manchester United y de la selección francesa será la inspiración que sacará de su desesperada situación a Eric Bishop, un cartero de Manchester que atraviesa una profunda crisis existencial.

The Damned United (2009)
Uno de los retratos más certeros de los entresijos del fútbol lo encontramos en esta cinta británica que, protagonizada por Martin Sheen y con guión de Peter Morgan, llevó a la gran pantalla los escasos 44 días que duró Brian Clough como entrenador del Leeds United, el club más fuerte del fútbol inglés a finales de los sesenta.

Futbolín (2012)
El fútbol también ha encontrado su hueco en el cine de animación. Su gran película hasta el momento se la ha regalado Juan José Campanella en la simpática Futbolín. El director argentino ya mostró su pasión por el deporte rey en una de las secuencias más brillantes de su oscarizada El secreto de tus ojos.

El fútbol o yo (2018)
El pasado viernes se estrenó esta comedia argentina que Oti R. Marchante definió así: «El título de esta comedia argentina de Mario Carnevale ya contiene la línea esencial del dilema que propone, pues se trata de una relación matrimonial que se complica por la adicción del marido a ver compulsivamente partidos de fútbol, lo cual convierte a su esposa en una especie de fiscal malhumorado las veinticuatro horas del día. El director consigue lo más difícil, que es el disparatar hasta la comedia y la chirigota con momentos de espejo cóncavo, gracias especialmente al actor protagonista, Adrián Suar, el futbolero enfermizo que, incluso, prefiere pasar por alcohólico que por «pelotero» y «pelotudo» en una dantesca terapia de grupo (el episodio de la mujer correntina es lo mejor)&raquo
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El regreso de la maldición de El Quijote de Terry Gilliam: Francia da la razón a Paulo Branco

La Justicia francesa dio hoy la razón al productor portugués Paulo Branco en el conflicto que le enfrenta el director británico Terry Gilliam por los derechos de «El hombre que mató a Don Quijote», que clausuró el pasado Festival de Cannes y ya ha sido estrenada en las salas.

Gilliam, presentando la película en Madrid – EFE

El Tribunal de Apelación de París confirma una decisión judicial previa de mayo de 2017 que señalaba que el contrato entre Alfama Films -la productora de Branco- y Gilliam no está roto y por tanto los derechos de explotación en todo el mundo corresponden al portugués.

Branco explicó a Efe que la única excepción autorizada es España, donde el coproductor, Tornasol Films, posee los derechos del filme para ese país. Sin embargo, Mariela Besuievsky, de la propia Tornasol, señaló a Efe que el fallo en apelación de hoy solo se refiere al contrato de dirección que firmó Gilliam con Branco y que nunca se ejecutó, por lo que no hay derechos generados sobre el filme porque el realizador británico «nunca trabajó» para el portugués.

«Lamentamos que la corte francesa vuelva a dejar la situación en un limbo», afirmó Besuievsky, que considera que el fallo de hoy no se refiere a la cuestión de los derechos del filme. La decisión judicial en apelación confirma un fallo del Tribunal de Gran Instancia de París del 19 de mayo de 2017. La sentencia de hoy «dice lo que ya sabíamos, pero no rescinde ese contrato de dirección (de Gilliam con Branco) y no dice nada sobre los derechos», reiteró Besuievsky.

10.000 euros solo de costas
Los derechos de explotación y distribución de la película no son de Branco porque se retiró del proyecto cuando aún estaba en fase de preproducción, algo que está reflejado en la decisión judicial de hoy, según la representante de la productora española. Mientras que Branco insiste en que compró los derechos sobre la película en 2016 y que el fallo de hoy le da la razón.

Branco está enzarzado en una batalla judicial sobre los derechos de la película desde que la relación profesional con Gilliam se rompió por fuertes discrepancias presupuestarias, entre otros motivos. El director, antiguo integrante de los Monty Python, acabó filmando la película entre marzo y junio de 2017, con el apoyo de Tornasol.

Branco anunció que estaba a la espera de esta decisión judicial antes de emprender nuevos pasos ante los tribunales para resarcirse “de todos los daños”. El pasado 9 de mayo, cuando se conoció que la cinta iba a poder proyectarse en la clausura de Cannes, anunció que iba a denunciar al certamen por “daños colaterales”, al considerar que el festival no debía haberlo visionado y seleccionado sin su autorización. De momento, según la sentencia, Gilliam le deberá pagar 10.000 euros por las costas judiciales
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Amy Schumer: «Las actrices con hijos tienen miedo de que Hollywood las olvide»

La comediante Amy Schumer estrena Qué Guapa Soy, una fábula de empoderamiento en favor de las mujeres con complejos para que se liberen de ellos. Gracias a un encantamiento, la protagonista de la película encuentra el amor, seguridad y una saludable dosis de confianza personal. A un lado queda ese concurso de popularidad al que nos sometemos a diario en las redes sociales; el éxito, los likes o el número de admiradores de Instagram. Renee Bennett (Amy Schumer) es una mujer insegura y con autoestima baja que trabaja para una firma de cosméticos de alta gama. Su vida cambia completamente cuando esta treintañera se cae de la bicicleta estática haciendo gimnasia. Tras el golpe, cree que es la mujer más bella del planeta. Su apariencia no ha cambiado, pero esta nueva confianza en sí misma la llevará a vivir sin miedo y ganarse el favor de su jefa, Avery LeClaire (Michelle Williams). Dirigida por Abby Kohn y Marc Silverstein, el filme envia el mensaje de que lo importante no es cómo el mundo te ve, sino cómo te ves a ti mismo.

La actriz Amy Schumer, 36 años, revoluciona con su actitud atrevida el mundo de la comedia en Hollywood. El éxito de su Stand Up (el especial puede verse en Netflix), de sus libros y de sus películas apenas comienza, aunque su sólido se ve injustamente atacado por una legión de críticos. Tras bastidores, cuando cuelga los personajes que la esconden, se reconoce feliz. Acaba de contraer matrimonio con chef Chris Fisher, disfruta de un merecido descanso, Jennifer Lawrence la espera para su próximo filme y comienza una nueva etapa en su vida personal que, muy probablemente, afectará sus rutinas sobre el escenario.

P – ¿Este filme es un retrato de su vida, una mujer a quien no le importa lo que opinen los demás, mientras triunfa con sus películas y sus series?

R – Exactamente. No dejo que nadie más defina mi experiencia o quien soy. Yo tengo muy claro mi camino y quien soy. A nadie le debe importar mi imagen física más que a mí.

P – ¿De dónde surge su confianza?

R – Mis padres me convencieron de que yo era sensacional. Te digo más. Me convencieron de que era una jovencita hermosa que no tenía nada de qué avergonzarse. Ellos tenían una compañía de muebles y de bebé y me utilizaron de modelo, ¿cómo no iban a convencerme? Pero no era una niña atractiva y la empresa de muebles acabo en bancarrota (se ríe).

P – En este filme hay una combinación de elementos dramáticos y cómicos, usted se adapta en ambos casos ¿Le cuesta mantener la seriedad de esas escenas?

R – No. Si no eres cómico, el humor siempre es más difícil. Me cuesta representar la tristeza porque no me gusta estar triste. Todos los actores prefieren el humor, la misma Michelle Williams, que interpreta a Renee en la película, saltó a esta oportunidad en cuanto pudo.

P – ¿Fue extraño estar dirigida por dos directores?

R – No. Hubo un momento en el que me sentí rara al recibir indicaciones contradictorias de dos hombres al mismo tiempo, pero el rodaje no hubo ningún contratiempo.

P – En la película aparecen Naomi Campbell, Laura Hutton y Emily Ratajkowski, tres supermodelos para un filme que critica la obsesión por el físico. ¿Habló con ellas antes de empezar a rodar?

R – Sí. Yo estuve involucrada en la contratación del reparto de actores porque soy productora y me gusta meter la mano en todo lo que hago.

P – Usted es de las actrices que más ha luchado por las mujeres, ¿el movimiento #MeToo está en sintonía con esa batalla personal?

R – Por supuesto. Hay ciertas cosas que prevalecen en mi mente. Este es un filme que anima a cada persona a pensar en su potencial, su capacidad de ser único. Nadie debe detenerse por no sentirse atractivo, no hay que acabar preso por las decisiones de otros y mucho menos sentirse avergonzado por no ser atractivo. Todas las voces son importantes. El movimiento #Times’sUp nos da una nueva esperanza a las mujeres

P – ¿Cómo pueden, según usted, sentirse poderosas y libres las mujeres en una sociedad que intenta etiquetarlas?

R – Con mucho coraje y bastante sacrificio. Sé que tengo mucha suerte porque puedo ganarme la vida haciendo Stand Up Comedy y me siento muy agradecida porque no vivo con el miedo de mis compañeras, ese miedo a ser borradas del negocio sino se someten. Las actrices que se casan y tienen hijos, que no siguen las reglas del juego, existen en Hollywood con el temor de ser olvidadas por los ejecutivos. Hay que ser muy valiente para enfrentarse a la industria.

P – ¿Prefiere hacer Stand Up Comedy que protagonizar una película?

R – Me siento más fuerte en el escenario. Y eso no quiere decir que no tenga seguridad rodando una película, he estudiado teatro e interpretación durante 7 años. Pero en las películas dependes de las opiniones de otros y sobre el escenario vives de tu arte, de tu conexión con el público. Allí no hay barreras. Es mucho más fácil. Me gustan los dos, aunque prefiero esa libertad de subir al escenario y decir lo que quieras

P – Sigue adelante con su intención de rodar junto a Jennifer Lawrence una cinta sobre dos hermanas gemelas

R – Sí. Hemos terminado el guion y ahora mismo estamos buscando al director adecuado. Las dos hemos trabajado sin parar durante 15 años y queremos tomarnos unos meses de descanso antes de volver a filmar. El año que viene empezaremos a trabajar de nuevo. Danos un año
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Mujeres libres y sin prejuicios ocupan la cartelera

Parece que casi todo en la vida consiste en retrasar lo inevitable, aguantar un segundo más en cada experiencia, estirar el chicle de la juventud… Vivir, en fin, al máximo mientras el contador del tiempo se queda bajo mínimos. El problema es que cuando desaparece la épica del fin de los tiempos queda la realidad. Y en ese mundo terrenal, fiscalizadas por los ojos ajenos y los propios, se mueven las protagonistas de los dos estrenos destacados de hoy. Una, Valerie Lemercier, guionista, directora y protagonista de «Los 50 son los nuevos 30», ve cómo tiene que empezar su vida de nuevo e incluso regresar al hogar de los padres (ya abuelos). Otra, Amy Schumer, protagonista y productora de «¡Qué guapa soy!», pelea contra los estereotipos de una sociedad que le impone unos estándares tan difíciles de conseguir como absurdos.

«La protagonista de mi película, Marie-Francine, no se dio cuenta de lo que se le venía encima: no vio crecer a sus hijas, no vio cómo se distanciaba su marido… y a los 50 años estamos menos conectados que a los 20», explica la francesa Valerie Lemercier, que construye un relato que empieza como drama y termina explotando en comedia. «Cuando acabé la película, pensé: “Sí, es una comedia romántica”, lo que no estaba tan claro cuando escribimos el guión», cuenta divertida la cineasta, que estuvo hace unos días de visita en Madrid.

En su retrato de la madurez hace también un viaje a la adolescencia. Lo narra a través de un nuevo amor que da sentido y sirve de cemento para rearmar los muros derruidos de su anterior vida. «¿Qué se puede hacer a los 50 años cuando no sabemos dónde ir para vivir un amor que está naciendo? La pareja protagonista se esconde como si fueran adolescentes. Me pareció divertido que ambos hayan tropezado en la vida y que se encuentren pese a que lo tienen todo en contra: sus entornos, sus horarios, sus trabajos. Es su fracaso personal lo que les une. En un momento de la película se encuentran con un par de turistas que les ofrecen hacer un cuarteto, ¡a pesar de que ni siquiera se han besado todavía!», desgrana la cineasta.

Simplificar lo complejo
La historia de «¡Qué guapa soy!» es más banal que la de su «rival» francesa en la cartelera –y más aún que su propio título–. En ese formato que tan bien explota Hollywood, el de coger un tema de actualidad y simplificarlo, Amy Schumer se sumerge en la defensa de la libertad de la mujer en un ejercicio que verbaliza el #MeToo en cada sketch.

Así, en esta no tan típica comedia americana, la actriz se consagra después de sus éxitos en el Stand Up (Netflix tiene en su catálogo un especial de su monólogo más aplaudido), como escritora y como celebrity de Hollywood. Aunque, en su reverso, se enfrenta a una legión de críticos. Por eso, asegura, esta película tiene tanto de autobiográfico. «No dejo que nadie más defina quién soy. A nadie le debe importar mi imagen más que a mí», cuenta en una entrevista con ABC. «Este filme anima a cada persona a pensar en su potencial, en su capacidad de ser única. No hay que acabar preso por las decisiones de otros y mucho menos sentirse avergonzado por no ser atractivo», remata, simplificando, cuando le preguntamos por haber sido uno de los rostros del #MeToo y del #Times’sUp. «Todas las voces son importantes. El movimiento nos da una nueva esperanza a las mujeres», concluye
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Crítica de «A estación violenta»: Ni fríos ni calores

Valoración de ABCPlay

Adapta la novela del mismo título de Manuel Jabois, con algo más que síntomas de autobiográfica

Oti Rodríguez Marchante

Es la primera película larga de Anxos Fazáns, aunque también es corta (poco más de sesenta minutos) y aunque (o pero) se haga larga. Adapta la novela del mismo título de Manuel Jabois, con algo más que síntomas de autobiográfica: el protagonista, el personaje central, es un escritor llamado Manuel, al que la cámara sigue en su azaroso, rutinario y deprimente día a día entre los colocones, las resacas, las birras y algo de escritura. Y lo sigue un poco a lo Gust Van Sant, con ese sopor con el que seguía al Kurt Cobain de «Last Days».

A estación violenta

La película arranca sobre la espalda de Nerea Barros y en una escena del ¿feliz? pasado, y continúa con algunas sorprendentes elecciones de cámara, negrura fotográfica y espesura narrativa. «A estación violenta» habla sin frío ni calor del presente angustioso de unos personajes terminales, una pareja que vuelve, el pozo en el que vive Manuel y algunos retazos de relación entre ellos que deberían producir nervio emocional en el espectador, pero con la impresión de que están como impermeabilizados y apenas dejan traspasar sentimiento o cercanía. Se puede sospechar que hay literatura dentro, pero tampoco logra transmitirla. Lo único que conecta con el más acá es la potente interpretación de Nerea Barros.

Dirección: Anxos Fazáns. Intérpretes: Xiana Arias, Xosé Barato, Nerea Barros
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Crítica de Western: Drama a lomos de la frontera

Valoración de ABCPlay

Meinhard Neumann, el adusto protagonista, es lo mejor de la función, que no está tan lejos del cine del Oeste

Federico Marín Bellón

El cine alemán multiplica su presencia esta semana en nuestras salas con el estreno de la tercera película de Valeska Grisebach, un drama laboral atípico en el que los emigrantes son los alemanes, que trabajan en una central hidráulica en un pueblecito búlgaro.

Meinhard Neumann, el adusto protagonista, es lo mejor de la función, que no está tan lejos del cine del Oeste: hay hasta caballos y una partida de póquer, pero sobre todo un personaje solo ante los múltiples peligros, a quien nadie ni nada puede doblegar. Como casi nunca se puede conseguir todo, su estilo y su enfoque cargado de simbolismo hacen de este título un firme candidato a ganar premios en festivales y el aprecio de la crítica, pero también a esquivar a las masas en taquilla. Nada que objetar.

Este «Western» acusa un problema, sin embargo, tanto si se disfruta con subtítulos o (lo que sería aún peor) doblado. La incomunicación es uno de los ejes centrales de la historia, entre unos personajes que apenas comparten un vocabulario básico en la misma lengua y que a menudo hablan sin que el otro comprenda. El espectador es así una especie de dios omnisciente, que no sufre lo suficiente con ellos, entre otras cosas porque tampoco se dejan querer demasiado. En una película de paisaje (más bien feo) y de caracteres esquivos, tiene mérito levantar una obra tan íntegra
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Crítica de No dormirás: Taller teatral terminal

Valoración de ABCPlay

La relativa elocuencia formal del director Gustavo Hernández acaba volviéndose en su contra

Antonio Weinrichter

Hay aquí dos propuestas distintas que conviven incómodamente entre sí. Una es una manida pieza de terror ambientada –cómo no– en una especie de casa encantada, narrada –cómo no– a base de sustos y asaltos sónicos al espectador, y que nunca consigue instalarse en el terreno, en la lógica, de la alucinación y la pesadilla por más aspavientos y pimpampums que incorpore. La relativa elocuencia formal del director Gustavo Hernández acaba volviéndose en su contra, al revelarse como papel de envolver un material trivial.

La segunda propuesta podría tener más interés, al venir justificada y arropada en ese envoltorio de género. Es la idea de que el «gran arte» escénico (o cualquier otro) sólo es accesible desde una condición extrema, en este caso el insomnio forzado y la percepción alterada. «Sin locura, no hay creatividad», es el eslogan que le espetan a la joven aspirante a protagonizar una función tan maldita como la cinta de vídeo de «The Ring»… Ella podría olerse la tostada y responder con otro eslogan: a quien los dioses (aunque sean los del teatro) quieren destruir, primero le vuelven loco. Pero no, su condena está escrita hasta un «finale con tutti» de cuarto milenio y cuartas paredes que caen como «referente gótico inevitable» la mismísima casa Usher. Pero esto no es «The Baby of Macon», ni mucho menos «Las zapatillas rojas», ¿a qué viene tanto «mcguffin» de invocación al arte?

Dirección: Gustavo Hernández. Intérpretes: Belén Rueda, Eva De Dominici, Natalia de Molina
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