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De Jack Nicholson a Lindsay Lohan: las estrellas que han vivido un infierno por las drogas

Hay una máxima que dice que cuanto más se tiene, más se gasta. Aplicada al nivel de vida que alcanzan –y mantienen– las estrellas de Hollywood, esa frase puede magnificarse hasta límites tan inimaginables como peligrosos. Sobre todo, en lo relativo a los excesos y abusos que, en las últimas décadas, han cometido varios de los mejores intérpretes de la industria.

Así, algunos de los actores más reconocidos y cotizados del séptimo arte y de la televisión han tenido graves problemas con las drogas y el alcohol. Muchos de ellos han logrado superarlos y hablan de ellos con total naturalidad, como sucede con algunos de los mejores intérpretes que ha dado Hollywood a lo largo de la historia. Son los casos de Anthony Hopkins, Jack Nicholson, Al Pacino y Robert De Niro, entre otros.

En los años sesenta, Hopkins fue despedido del Teatro Nacional por su habitual estado de embriaguez. «Bebía todo lo que no se podía morder», reconoció años más tarde. «De vez en cuando, me quedaba dormido al volante. Pude haber provocado accidentes. El alcohol casi me mata. Si no hubiera dejado de beber, en el mejor de los casos ahora estaría debajo de una cerca. En el peor, bajo un cactus», reconoció hace tiempo, en declaraciones que recoge «Genial».

Nicholson y De Niro, por su parte, nunca han tenido problemas en reconocer los problemas que, en el pasado, tuvieron con la cocaína. El protagonista de «El resplandor» llegó a ofrecerle la sustancia, en una fiesta en los setenta, a la Princesa Margarita de Inglaterra, mientras que De Niro, como publica una biografía sobre él, se aficionó a la droga a la par que uno de sus mejores amigos: el célebre director de cine Martin Scorsese. Posteriormente, cuando el actor se concienció de los peligros de la cocaína, alejó al cineasta de la sustancia.

«Hasta arriba de cocaína»
Por su parte, Al Pacino reconoció hace unos años que iba «hasta arriba de cocaína» durante el rodaje de «Heat», que protagonizó, curiosamente, junto a De Niro. Misma sustancia que no consiguió abandonar Jean Claude Van Damme en «Street Fighter: La última batalla». Así lo explicó hace solo unas semanas el director de la cinta, Steve E. De Souza. «Estaba tan enfermo que tuve que revisar el guion para buscar otras secuencias que pudiese rodar sin él», dijo sobre el actor, que durante la grabación de la película consumía «cerca de diez gramos» de cocaína a diario.

Y hablando de adicciones durante rodajes, es imposible no pensar en «Apocalypse Now». Una de las películas malditas de Hollywood por excelencia contó con un problema añadido: la incontrolada adicción a la cocaína de intérpretes como Martin Sheen o Dennis Hopper, que llamaba al polvo blanco «la droga de los reyes». Tal era la adicción de Sheen en el filme que, en la secuencia en la que su personaje rompe de un puñetazo un espejo, lo hizo de verdad, sin ser consciente de sus actos. La secuencia no estaba en el guion, pero Sheen, que incluso sufrió un infarto durante el rodaje, se tomó la licencia de rodarla así.

No han sido, sin embargo, los únicos intérpretes que están en el Olimpo del cine que han tenido problemas por el uso de estupefacientes. A principios de los noventa, el icónico Samuel L. Jackson, actor fetiche de Quentin Tarantino, estaba tan enganchado a la cocaína y la heroína que su adicción le ayudó a interpretar a su personaje en el filme de Spike Lee «Fiebre salvaje». Otro ídolo, Robert Downey Jr., se inició en la marihuana con solo ocho años y sus continuados problemas con las drogas le llevaron a prisión en varias ocasiones. Por su adicción, incluso perdió su trabajo en «Ally McBeal». Ambos, en cambio, están ahora rehabilitados.

Igual que lo están otros como Jared Leto, Angelina Jolie, Dennis Quaid, Naomi Campbell, Nicholas Cage, Kirstie Alley, Jonathan Rhys-Meyers, Drew Barrymore, Daniel Radcliffe, Bradley Cooper, Winona Ryder y Zac Efron, que sufrieron graves problemas con el alcohol y las drogas en su juventud. El primero, exadicto al crack y la cocaína, consiguió alejarse de las drogas gracias al açai, el fruto de la palmera, del que es un ferviente defensor. Su adicción, no obstante, le permitió interpretar a las mil maravillas a Harry Goldfarb en «Réquiem por un sueño» bajo la batuta de Darren Aronofsky.

Destrucción y muerte
La otra cara de estas adicciones, no obstante, la representan intérpretes que no tuvieron tanta suerte y que perdieron su trabajo… o algo peor. Gary Dourdan fue despedido de «CSI: Las Vegas» tras ser detenido por posesión de heroína, cocaína, MMA y otros estupefacientes. Brett Butler lo fue en «Grace al rojo vivo» por su adicción a la hidrocodona; y Michelle Rodriguez –que incluso estuvo en la cárcel– fue relevada en la exitosa «Perdidos» por sus problemas con el alcohol. Jamie Waylett, conocido por interpretar a Crabbe, secuaz de Draco Malfoy en la saga «Harry Potter», se quedó fuera de las dos últimas películas de la saga por su consumo de cocaína. Tras ello, fue arrestado por poseer una plantación de marihuana y en 2011, condenado a dos años de prisión por participar en varios disturbios en Londres en agosto de aquel año. Casi nada.

En esa misma línea, Naoufal Azzouz, de la serie española «El Príncipe», fue condenado hace unos meses a siete años de prisión por traficar con hachís. Es de los últimos intérpretes en verse comprometidos por las drogas, que también han afectado en gran medida a actores cada vez más olvidados por culpa de su consumo: Paris Hilton, Johhny Depp, Lindsay Lohan, Charlie Sheen –el hijo de Martin–, la modelo Kate Moss, Macaulay Culkin y en última instancia, Demi Lovato, en estado «grave» tras sufrir una sobredosis hace unas semanas.

Otros, en cambio, no han tenido tanta suerte y han perdido sus vidas por culpa de sus adicciones. Así sucedió con intérpretes tan reconocidos como Brittany Murphy, River Phoenix, los oscarizados Heath Ledger y Philip Seymour Hoffman, Chris Penn, Brad Renfro, Cory Monteith y los idolatrados Elvis Presley y John Belushi, entre otros. El último murió en 1982, víctima de una inyección letal de cocaína y heroína. Fue el primero que puso en alerta roja a Hollywood sobre los peligros de las drogas, hasta entonces normalizadas en la élite audiovisual. Algo que pone en evidencia Annette Bening en «Las estrellas de cine no mueren en Liverpool», la última película de Paul McGuigan. En ella, la actriz en la que interpreta a la icónica Gloria Grahame, ganadora del Oscar a Mejor Actriz de Reparto en 1952, pero que no tiene reparos en «meterse una raya» en la cinta.

En febrero de 2015, horas antes de la gala de los Oscar, el artista urbano Plastic Jesus ubicó una «estatuilla» de rodillas en el Paseo de la Fama de Hollywood, como si estuviera esnifando cocaína, bajo el rótulo «A la mejor fiesta de Hollywood». Un acto simbólico, que tuvo como objetivo «llamar la atención sobre el problema de la drogadicción que oculta Hollywood y afecta a ciertos de personas de la industria». Como era de esperar, esta apología sobre «algo que ha sido eternamente ignorado, hasta la muerte de una larga lista de importantes celebridades» fue retirada al poco tiempo, pero sirvió para dar cuenta de uno de los principales problemas que, en las últimas décadas, han afectado al cine y la televisión
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Jodie Foster: «Pensaba que tenía que decir “sí” a todo. Era una buena soldado con seis o siete años»

Han pasado cinco años desde la última vez que Jodie Foster apareció en la pantalla grande. Una ausencia larga para esta actriz, que lleva toda una vida dedicada al séptimo arte. El 3 de agosto regresa de su «retiro» con «Hotel Artemis», un thriller en el que interpreta a la encargada de un hospital para criminales muy peculiar, ubicado en un Los Ángeles futuro y conflictivo. Un filme que atrajo a Foster por «el amor por las películas» que desprende y en el que la acompañan Jeff Goldblum, Sofia Boutella, Sterling K. Brown y Zachary Quinto.

El otro factor de peso para que eligiera este proyecto fue su director, Drew Pearce, responsable también del guion y que debuta en la realización de largos con esta cinta. «Es un cineasta primerizo extraordinario. Posiblemente uno de los mejores con los que he trabajado. El más prometedor», comentó Foster. Además, ambos son unos apasionados de Los Ángeles: «Crecí allí y tengo, como Pearce, una loca nostalgia de la ciudad, de sus edificios de los años 20, las palmeras, las referencias cinematográficas…».

La actriz habló de este proyecto y de su trayectoria profesional en CinemaCon, la convención de la industria del cine más importante del mundo, celebrada en Las Vegas, donde recibió un premio en reconocimiento a toda su carrera. Un galardón con el que se manifestó encantada: «Siento que llevo en esto mucho tiempo. Empecé cuando tenía tres años. Es una carrera muy larga y de lo que estoy más orgullosa es de haber estado aquí en los 60, los 70, los 80, los 90… y ser testigo de muchas fases diferentes de la industria».

Una industria que reconoció desde bien temprano el talento de Foster, que obtuvo su primera nominación al Oscar con tan solo 12 años por su papel en «Taxi Driver». «No gané y fue un momento muy importante para mí. No lo olvidaré nunca. Estar en el auditorio… Cuando dijeron mi nombre, en el momento en el que sonó el «Jo», mi cara se puso roja, me empezó a picar el cuerpo… Fue un alivio perder porque pensé: ”¿Cómo voy a hacer esto? Tengo ronchas por todos lados…”».

Si pudiera dar un consejo a su yo de entonces sería decir que no de vez en cuando. «Pensaba que tenía que decir “sí” a todo. Era una buena soldado con seis o siete años. Cuando hacía un frío terrible y tenía congelaciones jamás me quejé de lo mucho que me dolían. Nunca supe que podía decir que no y no me di cuenta hasta mucho después. A los niños de ahora no les pasa eso. Poseen un sentido de sí mismos mucho más fuerte. Se les educa para saber que sus ideas y opiniones tienen impacto, algo que no ocurrió en mi caso y que me hubiera gustado».

A lo largo de estos 52 años de profesión, Foster ha interpretado a numerosos personajes, algunos de los cuales han tenido una relevancia especial para ella. Eleanor Arroway, de «Contact», es al que más admira: «Es alguien en quien pienso mucho, alguien que me gustaría ser. Es una persona con una inteligencia feroz pero, al mismo tiempo, atormentada por sus emociones». Clarice Starling, de «El silencio de los corderos», por el que obtuvo su segundo Oscar, es aquél al que le gustaría volver: «Esa película fue una experiencia extraordinaria y ella, un personaje increíble. Sería estupendo saber cómo es de mayor». Y afirma que convertirse en Sarah Tobias en «Acusados», papel por el que obtuvo su primer Oscar, le cambió la vida de una manera que no entendió realmente en ese momento. «Tenía sólo 25 ó 26 años y no comprendía por qué me sentía tan atraída hacia ella ni de dónde salía mi interpretación. Mucho era inconsciente, vino del delegado de mi madre y de su madre. Estaba contando su historia, una historia de supervivencia, como herramienta para curar esa herida».

Sobre el impacto social de esa cinta, que cumple 30 años, la actriz afirmó: «Resulta muy difícil valorar el efecto de nuestros propios filmes. Pero tienen esa capacidad. Las películas ofrecen a las personas la oportunidad de enfrentarse a cosas a las que en su vida normal quizás no pueden. A mí me ocurrió eso y espero que a otros también».

Al reflexionar sobre los retos a los que se ha enfrentado en su carrera, la actriz destacó dos. El primero, el paso de niña prodigio a intérprete adulta. «No lo recuerdo muy bien, pero creo que tanto mi madre, que era mi representante, como mi agente, que sigue siendo la misma de entonces, pensaron mucho en cómo hacerlo, en cuáles eran los pasos correctos». El segundo fue la transición de actriz a directora, un proceso que recuerda difícil.

Foster alterna desde entonces esas dos facetas, que exigen de ella cosas completamente distintas. «He trabajado con muchos directores, tanto primerizos como experimentados. Como actriz, intento servirles, estoy siempre tratando de averiguar qué quieren decir, cuál es su visión creativa y cómo puedo ayudarles a conseguirla», explicó. La realización la ve como una combinación de estructura, por un lado, y amor y libertad, por otro. «Los buenos directores son como los buenos padres. Estos te dicen que tienes que estar a las 9.30h en el coche y que a las 9.45h habréis llegado al destino, pero te dan libertad para construir cosas entre esos dos puntos».

Aunque como espectadora se define como amante de las películas en general, a la hora de ponerse detrás de la cámara se siente especialmente atraída por las historias que «desprenden verdad, muy reales»: «Me atrapan completamente. Me olvido de dónde estoy y me involucro mucho en la interpretación de los actores. Creo que tienen la capacidad de ayudarte a que te descubras a ti mismo y convertirte en una persona mejor».

Al repasar su filmografía, Foster lamenta que varios de sus filmes no despertaran la atención que a ella le hubiera gustado: «Hay algunos que significan mucho para mí, que quizás no son películas perfectas, pero me entristece que se olvidaran tan rápido. “El castor”, por ejemplo. Representó un momento importante de mi vida como directora. Es una cinta rara, no para todo el mundo, que además se vio afectada por circunstancias difíciles durante su estreno, pero es una historia en la que pienso mucho. “Nell” es otra que me cambió la vida, así como “La extraña que hay en ti”, pero la gente no habla mucho de ellas&raquo
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Marilyn Monroe: la rubia más universal

«¿Dónde está el bourbon?». Nadie lo habrá preguntado tantas veces como ella. Billy Wilder le mandó repetir la frase cincuenta veces, hasta que logró pronunciarla correctamente. El récord no la acredita como la mejor actriz que ha engendrado el séptimo arte, pero basta mirar para ver una sensualidad nunca antes –ni quizá después– exhibida en pantalla. Marilyn Monroe seducía a la cámara con descaro, y hacía temblar a los directores. De hecho, solo Wilder le dio una segunda oportunidad: «La tentación vive arriba» (1955) y «Con faldas y a lo loco» (1958).

Norma Jeane Mortenson, posteriormente Norma Jeane Baker y más conocida por su nombre artístico Marilyn Monroe, vino a su mundo en Los Ángeles en 1926. No fue precoz. Hasta el 27 de mayo de 1949, no pasó de ser un nombre pequeño en los títulos de crédito de películas como «Las chicas del coro» o «Amor en conserva» de los hermanos Marx. La vida de esta aprendiz de actriz, que rozaba en ese momento los 23 años, estaba más llena de penurias que de certezas económicas. Unas vacas flacas que la llevaron a aceptar la oferta del fotógrafo Tom Kelley para posar desnuda a cambio de 50 dólares. La única condición que puso es que no fuera reconocible. Hoy, aquella imagen la reconoce el mundo entero. Pudo haber sido el final de una carrera agotada en la mediocridad, pero fue la erupción del mayor icono sexual del siglo XX.

Los 50 dólares de aquel posado por necesidad pasaron a ser, dos años después, 5.000 en el bolsillo del fotógrafo Kelley, que vendió las imágenes del desnudo para ilustrar un calendario de 1952. El almanaque, que recibió el nombre de Golden Dream (Sueño Dorado), fue un éxito rotundo del que se vendieron nueve millones de ejemplares. Por aquel entonces, mitad de siglo, Marilyn Monroe empezaba a ser famosa gracias a sus papeles en «La jungla de asfalto», «Eva al desnudo» o «Divorciémonos». El rumor de que la protagonista del almanaque era ella corrió como la pólvora. Y supo sacarle partido, como se lo sacaba a su geometría.

Su vida fue una montaña rusa, un constante, y abrupto, altibajo en sus peripecias personales y su filmografía. Tres matrimonios –Jim Dougherty, Joe DiMaggio y Arthur Miller–, relaciones amorosas escandalosas con los hermanos Kennedy (el presidente John y su hermano Bob) y el internamiento en un centro psiquiátrico hicieron de ella un juguete roto. Fallecía el 5 de agosto de 1962 por una supuesta sobredosis de barbitúricos mientras rodaba «Something’s Got to Give». A la chica del calendario le faltó tiempo
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La comunidad latina critica a Paramount por infrarrepresentación y estigma

La población latina de Estados Unidos no está bien representada «al frente y detrás de las cámaras» en el cine, y Paramount Pictures es «el peor de los peores» en este aspecto. Esta es la denuncia por parte de organizadores de dicha comunidad.

La Coalición Nacional de Medios Hispanos (NHMC) y el Concejo Nacional de Medios Latinos (NLMC) han anunciado que el 25 de agosto sus seguidores se plantarán a la entrada del estudio cinematográfico Paramount en Hollywood para así reclamar una mayor inclusión de artistas hispanos. De forma paralela se harán protestas similares en otras ciudades del país como Nueva York, Miami, Houston, Phoenix y San Francisco.

Además, han lanzado una campaña a través de las redes sociales para lograr un diálogo con la dirección de Paramount, «que es el peor de lo peor en términos de inclusión de actores, actrices, escritores, directores y productores latinos». El objetivo es que los ejecutivos de Paramount «firmen un Memorando de Entendimiento» para comprometerse a «reflejar la población latina en EE.UU.» en las películas y en la plantilla de artistas de la empresa. Alex Nogales, presidente de NHMC, ha declarado que el cine muestra una «idea negativa de los latinos», lo que genera «todo tipo de ataques y hasta crímenes de odio».

El «Reporte de Diversidad en Hollywood 2018» del Centro Ralph Bunche de estudios afroamericanos de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) ha demostrado que los latinos no tienen una representación acorde con su peso demográfico. El estudio expone que, a pesar de que el 18 % de la población es latina, los actores hispanos contabilizados en pantalla son 2,7 %, los afroamericanos un 12,5 % y los blancos, un 78,1 %. El análisis fue realizado en 1.251 producciones de televisión (en abierto y de pago) y plataformas digitales, además de 200 películas taquilleras de 2016. El presidente de la Coalición Nacional de Medios Hispanos ha reclamado a todas estas empresas «contratar actores y actrices para roles positivos» que no contribuyan a toda «la negatividad» contra los hispanos
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La argentina «El amor menos pensado», protagonizada por Ricardo Darín, inaugurará el Festival de San Sebastián

La película argentina «El amor menos pensado», en la que Juan Vera dirige a Mercedes Morán y Ricardo Darín, inaugurará el próximo 21 de septiembre la 66 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La organización del Zinemaldia ha desvelado en un comunicado el film inaugural de la próxima edición, el primer largometraje de Juan Vera, quien hasta ahora había trabajado como guionista y como coproductor en obras como «Zama», de Lucrecia Martel, y las cintas de Pablo Trapero «Elefante Blanco» y «Carancho».

Vera debuta con «El amor menos pensado», con Ricardo Darín al frente del reparto, aunque el célebre actor argentino también participa en la producción de la obra, junto con su hijo, Chino Darín.

Darín comparte protagonismo con Mercedes Morán, ganadora este año del premio a la mejor actriz en el Festival de Karlovy Vary por «Sueño Florianópolis», mientras que ha estrenado también en 2018 «El ángel», exhibida en la sección «Un Certain Regard» de Cannes y que se proyectará también en San Sebastián en el apartado «Perlas».

Morán ha trabajado con algunos de los cineastas lationamericanos más destacados, como Lucrecia Martel, Juan José Campanella, Walter Salles, Pablo Larrain y Ana Katz, con la que coincidió en «Los Marziano», que participó en la Sección Oficial del Zinemaldia en 2011.

Darín vuelve a San Sebastián un año después de recibir el Premio Donostia del festival por toda su carrera, en la que se ha encontrado una y otra vez con el certamen donostiarra, ya que ha competido cuatro veces en la Sección Oficial y formó parte del jurado en 2012.

Además del Donostia del año pasado, recibió la Concha de Plata al mejor actor, compartida con su compañero de reparto en «Truman» Javier Cámara, en 2015.

En la película de Juan Vera los dos actores argentinos dan vida a un matrimonio que, tras 25 años, atraviesa una crisis que les lleva a la separación y abre una reflexión sobre el amor, el deseo y el paso del tiempo
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«Cuatro bofetadas» y huesos rotos por aplastamiento: la verdad tras el cruel asesinato de Marie Trintignant

Hace quince años, Marie Trintignant protagonizaba los titulares de medio mundo tras sufrir una de las muertes más impactantes de los últimos años. El 1 de agosto de 2003 la actriz francesa moría tras varios días en un coma como consecuencia de los golpes que recibió de su entonces pareja: el cantante Bertrand Cantat, líder del grupo musical Noir Désir. Todo empezó el sábado anterior, 26 de julio de 2003, cuando Tringtignant y Cantat estaban en un hotel de Vilna (Lituania). La actriz y su pareja sentimental se encontraban allí con motivo del rodaje de la película «Colette», la cual dirigía la madre de esta y en la que llevaban trabajando ya dos meses.

El cantante de rock fue señalado como sospechoso desde el primer instante. Aunque no hubo testigos presenciales, uno de los hijos de la actriz, que la acompañaba en el rodaje, dijo que esta sufrió un violento golpe en la cabeza durante una pelea con el cantante de rock. Por si las extrañas circunstancias que rodeaban la escena no fuesen suficientes para señalarle como culpable, Cantat, pese a encontrarse en periodo de desintoxicación, terminó la noche también en el hospital evidentemente afectado; es decir, al borde del desmayo como consecuencia de la dosis de alcohol y medicamentos que había ingerido. Este comportamiento de Bertrand Cantat no sorprendió a nadie ya que sus más cercanos ya lo había tachado de «desordenado, a veces colérico y excesivamente provocador».

Al parecer, la actriz había recibido un mensaje de texto de su exmarido, lo que había provocado una fuerte discusión. Cantat recibió tan mal la noticia que contenía ese sms que llegó a golpearla más de una veintena de veces, gran parte de ellas en la cara. Las bofetadas fueron de tal intensidad que hay quien dice que fueron ellas las causantes de la hemorragia cerebral, que no fue ningún otro golpe (inicialmente consideraban que se trataba de una mala caída a raíz de uno de los «porrazos» propinados por su pareja). Sin embargo, el cantante habló de «cuatro bofetadas», algo que, evidentemente, no cuadraba con la autopsia de la actriz. En ella, incluían huesos rotos por aplastamiento y lesiones cerebrales debido a múltiples y violentas sacudidas.

Las alertas mediáticas saltaron cuando se descubrió que la actriz tuvo que ser trasladada a la unidad de cuidados intensivos de la clínica de la Universidad de Vilna y que tuvo que ser intervenida quirúrgicamente durante dos horas al día siguiente de la hospitalización, el domingo 27 de julio. Aumentaban los rumores de que la vida de la actriz se apagaba. Los días pasaban, pero ella no despertaba; mientras, su familia luchaba para trasladarla a su país natal. No fue la única intervención a la que fue sometida. Cuatro días después, el cirujano francés Stéphane Delajoux, tras someterle a una segunda operación, afirmó que la actriz tenía «las horas contadas». Dos días después, fallecía.

En marzo de 2004, más de medio año después, el músico fue condenado a ocho años de prisión. Sin embargo, Cantat recuperó su completa libertad al expirar el período de medidas cautelares al que estaba sometido, tras haber cumplido menos de cuatro años de cárcel
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Una chaqueta de Han Solo en Star Wars sale a subasta en Londres

La chaqueta de Star Wars que lució Harrison Ford cuando dio vida a Han Solo en «Star Wars: El imperio contraataca», será subastada en Londres por un precio entre las 500.000 libras (561.000 euros) y el millón de libras (1,12 millones de euros).

La icónica prenda es uno de los 600 objetos que se venderán en el evento «Entertainment Memorabilia: Treasures from film and television» (Memorabilia de entretenimiento: Tesoros del cine y la televisión), organizado el 20 de septiembre por Prop Store, uno de los principales proveedores a nivel mundial de accesorios y disfraces procedentes del mundo del espectáculo.

«Esta chaqueta de Han Solo se utilizó durante el rodaje de las escenas que tuvieron lugar en Ciudad Nube. Al menos otra chaqueta fue usada para la película, pero ambas se pueden diferenciar por la posición del bolsillo», explicaron desde la casa de subastas.

Los fanáticos de Star Wars también podrán pujar por un casco de las Tropas de Asalto de la secuela «Una nueva esperanza», el cual se espera que alcance las 60.000 libras (67.375 euros). Otro casco similar pero de la película «El último Jedi» también estará en la subasta, con un precio estimado de 50.000 libras (56.100 euros).

Además de los artículos procedentes de los filmes de Star Wars, el evento también contará con otros míticos complementos, como un látigo usado por Harrison Ford en «Indiana Jones», la túnica de Brad Pitt –cuando interpretó a Tyler Durden– en «El club de la lucha» o la gorra Bubba Gump Shrimp de «Forrest Gump», que lució Tom Hanks.

Los objetos estarán expuestos del 6 al 20 de septiembre en el BFI Imax de Londres, en el sur de la ciudad, donde tendrá lugar la puja. El dinero recaudado, según explicaron desde Prop Store, se destinará a la organización de caridad Sociedad Nacional para la Prevención de la Crueldad contra los Niños (NSPCC, por sus siglas en inglés)
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Así es el nuevo tráiler de «Venom»

Tom Hardy (I)

Es una de las citas ineludibles para todos los seguidores de la factoría Marvel. «Venom» está a punto de llegar a los cines, y aunque tendremos que esperar hasta otoño para poder ver las salas llenas hasta la bandera, los seguidores ya están volcando sus primeras impresiones del trailer en las redes sociales. En líneas generales, vemos al público dividido ante lo que ya se ha visto de la película.

El tráiler de #Venom UF. El diseño está genial, pero sigo viendole un tufilllo a serie B/Ghost Rider que me tira para atrás. Se leve moverse UN segundo, el resto está de pie hablando con algún malote CGI horrible. Y sin Spiderman, esto es un nonsense. OJALÁ me calle la boca.— Alberto Marquina (@bertoburton)

1 de agosto de 2018
Tom Hardy va a ser el que se ocupará de encarnar a Eddie Brock, el reportero que es intoxicado por Venom. De hecho, su interpretación, o lo que se puede ver de ella en el segundo trailer, es de las cosas que más han gustado a los seguidores de la factoría de superhéroes. Precisamente con la premisa de que hay suficientes héroes

en el mundo llega «Venom» a la gran pantalla.

También se puede apreciar cómo, en un primer momento, Eddie se encuentra incómodo por lo que supone tener en su interior a Venom, y como éste le posee a voluntad del parástico, sin poder hacer el personaje de Hardy nada para evitarlo. Aunque poco a poco, le va cogiendo el gusto a eso de tener esos poderes sobrenaturales.

De momento tendremos que esperar hasta el próximo 5 de ocubre para poder descubrir el filme al completo, y ver en qué acaba la que puede ser una nueva saga para Marvel. Sin embargo, aquí les dejamos el tráiler completo para que puedan ir abriendo boca.

Acabo de ver el tráiler de #Venom y santo Marvel, que ganas de esa película!!!
Y ni hablar que quiero un póster así en mi dormitorio! pic.twitter.com/JSznodEnwh— Nando (@donFF84)

1 de agosto de
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El mítico actor Alan Alda anuncia que padece Parkinson

Alan Alda ha revelado que padece Parkinson. Fue durante una entrevista en el programa de televisión de la cadena CBS ‘This Morning’ donde el actor, guionista y director de 82 años reveló que hace más de tres años que le diagnosticaron la enfermedad.

“He tenido una vida plena desde entonces. He actuado, he dado charlas, ayudé en el Alda Center for Communicating Science en Stony Brook y empecé un nuevo podcast”, afirmó el actor que reveló que decidió hacer pública su enfermedad con la esperanza de que pueda ayudar a otras personas con Parkinson y vean que es posible vivir con una dolencia a la que se le puede hacer frente.

Además, durante las últimas semanas se dio cuenta que “había estado mucho tiempo en la televisión” y pudo ver cómo su dedo pulgar “se sacudía en algunas tomas”. “Pensé, es probable que sea solo cuestión de tiempo antes de que alguien cuente una historia sobre esto desde un punto de vista triste, pero no es como me siento ahora mismo”, confesó.

“Al principio, estás inmovilizado por el miedo y piensas que te ha pasado lo peor que te podía pasar”, dijo Alda que subrayó que con el tiempo te das cuenta de que “todavía hay cosas que puedes hacer”. “Estoy yendo clases de boxeo tres veces a la semana. Juego al tenis un par de veces a la semana y marcho a la música de Sousa… porque marchar con la música es bueno para el mal de Parkinson”, reveló.

Alda fue uno de los protagonistas de la mítica serie de los setenta y ochenta M.A.S.H., de la que dirigió varios capítulos, y también participó en filmes de Woody Allen como Delitos y faltas, Todos dicen I Love You o Misterioso asesinato en Manhattan. Su último trabajo en la gran pantalla hasta la fecha fue El puente de los espías, el filme dirigido por Steven Spielberg en 2015.

Alda ha dirigido dos telefilmes y cuatro largometrajes, Las cuatro estaciones (1981), Dulce libertad (1986), Una nueva vida (1988) y Boda pasada por agua (1990). Además, estuvo nominado al Oscar como mejor actor de reparto en 2004 por su trabajo en El Aviador de Martin Scorsese
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El infierno del español que sobrevivió agonizando en el mar con la cadera rota

Han no es el único Solo de la taquilla española. Por «casualidad», la película de Hugo Stuven llega a las salas tras la aventura espacial en solitario del gamberro contrabandista de Star Wars. Pero sin Halcón Milenario ni Chewbacca, sino mucha angustia y el vasto océano.

«Solo» retrata la odisea real del español Álvaro Vizcaíno, que termina encontrándose a sí mismo tras precipitarse por un acantilado en Fuerteventura. Tras dos días perdido en el mar, con la cadera rota y sin nada a lo que aferrarse, el surfista terminó encontrando en sí mismo el empuje necesario para salir a flote y sobrevivir, al sufrimiento físico pero también al emocional. Pero primero se rindió, y a punto estuvo de dejarse arrastrar por las olas.

«Hay un momento de la película en el que el protagonista decide que va a morir, lo asume, y esa determinación es suya, no de la isla. Siente una profunda tristeza y soledad. De ahí el título, que me pareció potente», reconoce en una entrevista con ABC Hugo Stuven, para quien trabajar con Alain Hernández en su segundo largometraje ha sido un regalo, porque es alguien «con una presencia increíble». «Siempre le digo que me recuerda a un actor antiguo, con esa mirada profunda, tiene algo», bromea.

El actor catalán, protagonista absoluto del filme, deja la sotana del Padre Salvador de «Que baje Dios y lo vea» y se sujeta al invento de la tabla de surf, soportando las inclemencias del tiempo, la bravura del mar y la cámara, que persigue su sufrimiento, como un lastre, casi en cada plano de la película. «Alain hizo el 85% de las escenas de acción y te dabas cuenta de que si algo fallaba no se iba a hacer un esguince, se iba a matar», admite el director, para quien rodar a merced de la naturaleza fue todo un reto, superado al mantener «la elegancia en los planos pese a las difíciles condiciones». A veces tenían que repetir la escena porque el mar los desplazaba 25 metros; otras, aguardar a la recuperación del protagonista, que tuvo que ser atendido en un hospital por picaduras de medusa. «El mar va por su lado y tú vas por el tuyo», afirma Stuven.

Y Alain, por todas partes. El mar lo corteja y empuja a su antojo, sin consideración ni clemencia. Y, frente a la acción trepidante, Stuven apunta a las emociones del personaje, «metido en la más oscura profundidad de su alma porque al final está solo para enfrentarse con sus miedos». Y en esa «tenebrosidad» surge la luz de Aura Garrido que, a su modo, le ayuda a salvarse.

Atrapado no solo por la épica historia de Vizcaíno sino por la supervivencia emocional de su relato, con temas que le gustaban «como la pérdida, las segundas oportunidades o el sentimiento de culpabilidad», Stuven jugó con el thriller psicológico introduciendo pequeños homenajes en la película, como una angustiosa escena que honra al «Tiburón» de Steven Spielberg, «cosas frikis de directores».

Y, aunque con «Solo» no pretende dar lecciones porque no es «quien para darlas», sí quiso retratar las consecuencias del viaje anímico del protagonista, mostrando, como la película «Náufrago», qué fue de él después de la hazaña survival. «Me gusta mucho una frase de la película, la de que “nuestras huellas dactilares no se borran de las vidas que tocamos”, porque explica muy bien cómo ha cambiado el personaje, que al quedarse solo reflexiona sobre cómo ha tocado esas vidas. Una frase que resume la cinta: hay que saber tocar a la gente, porque se queda para siempre», concluye Hugo Stuven
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La gran adicción de Jonathan Rhys-Meyers: «Cuando bebo, las consecuencias son devastadoras»

El intérprete Jonathan Rhys-Meyers no termina de levantar cabeza. Ganador del Globo de Oro en 2005 por interpretar a Elvis Presley en la miniserie «Elvis» y nominado al galardón en dos ocasiones por la ficción «Los Tudor», parecía que la carrera del actor había repuntado en los últimos años gracias a su incorporación a la exitosa serie «Vikingos», donde intepreta al Obispo Heahmund, así como a la ficción «Drácula» (en la que interpretaba al mismo Dracula) y a películas como la próxima «Holy Lands».

Sin embargo, no copa los titulares por su talento interpretativo, sino por sus problemas con el alcohol, aunque niega que se trate de una «adicción». A principios de mes el actor de «Match Point» fue arrestado por las autoridades en Los Ángeles, «borracho» tras un «violento» enfrentamiento con su mujer, la también actriz Mara Lane, mientras que hace años fue fotografiado y grabado en un estado un tanto alarmante por las calles de Londres, botella de vodka bajo el brazo incluida.

«No sufro de alcoholismo, sino de alergia al alcohol cada vez que bebo. Una vez que paro, no vuelvo a sentir ganas de beber, no pienso en eso (…) No significa que el problema sea menor, solo es que tengo una versión diferente de lo que la gente piensa. Cuando bebo, las consecuencias son tan devastadoras que demuestran que tengo un problema. Pero nunca necesito un trago, no es algo que anhele, que desee o que sienta que necesite»

En una entrevista para aclarar el incidente de Los Ángeles, Rhys-Meyers aseguró que pidió, «estupidamente», una bebida. Y todo se desbocó. «Me puse algo nervioso después de toda la odisea que habíamos vivido en el aeropuerto y me dio por sacar un cigarrillo electrónico. El personal del vuelo me comentó que estaba prohibido y lo desconecté. Después hablé con la policía de Los Ángeles tan pronto como pisamo tierra y debo decir que fueron con nosotros muy amables y respetuosos en todo momento. Me disculpé por mi comportamiento y ese es el fin de la historia».

También habló sobre la recaída que tuvo a finales de 2017, después de haber perdido al hijo que esperaba junto a su mujer, y por la increíble presión mediática a la que un actor como él se ve expuesto a diario. «La mayor parte de las veces lo gestiono bien pero, como todo el mundo, también cometo errores de vez en cuando. Hay que tener en cuenta que estar bajo el continuo escrutinio público es diferente a ser una persona desconocida. Llevo 25 años en la profesión y la sociedad ha cambiado enormemente desde que me convertí en actor. Es muy difícil estar a solas en este sentido», asegur&oacute
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Otro accidente en Italia: George Clooney se enfrenta al alcalde de Sutri

George Clooney

George Clooney está teniendo un verano de lo más movido en Italia. Después del accidente de moto en Cerdeña, donde el famoso actor sufrió una leve contusión en una rodilla y en un brazo, ahora ha recibido otro golpe, aunque, por suerte, este ha sido verbal. El actor ha sido criticado por su actitud y la de su equipo durante el rodaje de «Catch 22» en Sutri, un pueblo situado a 60 kilómetros al norte de Roma.

«Han ensuciado la ciudad y luego no la han limpiado», dijo Vittorio Sgarbi, crítico de arte y alcalde de la ciudad desde hace dos meses. Esto sucedió la semana pasada, cuando Clooney se reincorporó al rodaje de «Catch 22» tras recuperarse parcialmente de las lesiones que le dejó el accidente, ya que le vieron cojear y haciendo muecas de dolor. «Al principio estábamos contentos del rodaje, pues suponía un momento de promoción para nuestra ciudad. Sin embargo, hemos recibido unos modestos 5.000 euros para que manipulasen nuestro pueblo», añadió el funcionario.

Pero la crítica no terminó ahí. «La capa de tierra que cubre los adoquines fue levantada sin cuidado, algo que generó un polvo fastidioso y obligó a los ciudadanos a limpiar. Creo que un hombre que ama Italia como Clooney debería ser más cuidadoso», agregó. «Querido George, no has limpiado. No party!», insistió Sgarbi en su perfil de Facebook.

La respuesta de Clooney no tardó en llegar, y lo hizo a través de la productora de la series, Lotus Productions. «Como sabe el señor Sgarbi, la productora se encargó, con la máxima seriedad y diligencia, como acostumbra hacer (…) de desmantelar sus equipos y de limpiar todos los lugares utilizados», escribieron. Además, se matizó el aspecto económico al que se había referido con anterioridad el alcalde de Sutri. «El gasto total, en resarcimientos a las tiendas y ciudadanos de la ciudad, no fue de 5.000 euros, sino de 65.000 euros», añadió la productora.

Por suerte para el actor, no ha recibido el mismo trato en su rincón italiano favorito. George Clooney llegó a Italia en avión privado a finales de junio para pasar unos días junto al lago Como, en el norte de Italia, acompañado por su esposa, la abogada libanesa y activista Amal Clooney (a quien conoció allí)
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¿Cuál es tu película de Pixar favorita?

¿Toy Story? ¿Up? ¿Los Increíbles? Son muchos los títulos de esta productora audiovisual que nos emocionan por su calidad y por su forma de contar historias, lo que hace muy díficil la tarea de destacar uno por encima del resto.

Cada estreno de Pixar es seguido por legiones de fans que esperan impacientes acudir a las salas. Esta vez es el turno de «Los Increíbles 2», una secuela que sin duda se ha convertido en uno de los estrenos más esperados del verano.

Desde ABC queremos conocer cuál es tu película favorita de Pixar, una de las factorías de animación más grandes y más aclamadas del panorama actual
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Conoce a Sadé, la nueva princesa Disney

Disney ha puesto en marcha la creación de una película que nos presentará a una nueva princesa Disney. Se llamará Sadé y será la primera princesa de origen africano. La historia está basada en una idea original de Ola Shokunbi y Lindsey Reed Palmer, quienes escribirán el guion; mientras que la película estará producida por el director de «Dope», Rick Famuyiwa.

La nueva historia de Disney cuenta la historia de una joven africana cuyo reino se ve amenazado por una misteriosa fuerza, según informa «Deadline». Por suerte, la princesa descubre que posee poderes mágicos y que con ellos puede ayudar a proteger a su pueblo. Pero no lo hará sola. El príncipe del reino le ayudará a aceptar eso que la hace tan especial y a salvar a su reino.

Sin embargo, Sadé no es la primera princesa de raza negra que protagoniza un filme de Disney. En 2009, el estudio ya estrenó la película de animación «Tiana y el sapo», protagonizada por una camarera de Nueva Orleans que sueña con dirigir su propio restaurante. Gracias a esta, Disney recaudó más de 267 millones de dólares (casi 230 millones euros) en taquilla y consiguió tres nominaciones a los premios Oscar.

La decisión de Disney de apostar por el que será su primera princesa africana llega meses después del gran éxito de «Black Panther», el primer filme de Marvel protagonizado en solitario por un superhéroe africano –que amasó 1.345 millones de dólares en taquilla–.

De momento, el estudio aun no ha nombrado al director para el proyecto. Solo sabemos que Scott Falconer será productor ejecutivo a través de la productora Verse, y que Tendo Nagenda y Zoe Kent están supervisando el proyecto para el estudio. Esperamos poder conocer dentro de poco más sobre la nueva princesa Disney
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La maldición real de las hermanas Stark

«Juego de tronos» se ha convertido en un verdadero trampolín para sus actores protagonistas en cine. Tras Emilia Clarke (Daenerys Targaryen) en grandes producciones de Hollywood como «Terminator: Génesis» y «Han Solo: Una historia de Star Wars», ahora son las actrices Sophie Turner y Maisie Williams –que dan vida a Sansa y Arya Stark respectivamente– quienes quieren probar suerte con los «taquillazos» estadounidenses.

Turner forma parte, una vez más, de la nueva entrega de «X-Men: Fénix Oscura» –la revitalizada saga sobre la patrulla de superhéroes–, mientras que Williams participará en «Los nuevos mutantes», nueva película deesta misma franquicia. Sin embargo, y con el final de «Juego de tronos» previsto para el primer semestre de 2019, ambos proyectos están siendo constantemente aplazados. ¿La razón de ser? La adquisición de Fox por parte de Disney, que habría disparado los rumores sobre la posible cancelación de ambas películas.

La continuación de «X-Men: Apocalipsis» (2016) –que contará con la mismísima
Jessica Chastain
– iba a ser estrenada el 2 de noviembre de este 2018. Sin embargo, el pasado mes de marzo se anunció que el proyecto cambiaba de fecha: el 14 de febrero de 2019. Una fecha en el que otros años filmes de superhéroes como «Black Panther» y «Deadpool» ya han tenido éxito. Este aplazamiento quizás se deba a las regrabaciones que «Fénix Óscura» ha sufrido debido principalmente su tercer y último acto. Tal y como informó la publicación especializada «The Hollywood Reporter», dichas nuevas grabaciones se producirían en verano o al principio de otoño. En este caso, Turner es una pieza clave en la saga cinematográfica al dar vida al propio Fénix del título.

«Los nuevos mutantes» tiene como protagonistas a cinco superhéroes adolescentes. Su director y coguionista es Josh Boone («Bajo la misma estrella») y el nuevo proyecto ha sido anunciado como película de terror. Su fecha inicial de estreno iba a ser el 13 de abril de 2018 para a continuación ser el 22 de febrero de 2019 y finalmente el 2 de agosto de ese mismo año. Un retraso que, al igual que «X-Men: Féliz Oscura», ha servido para retomar el rodaje con material adicional y, previsiblemente, hacerla menos oscura.

Pese a las especulaciones sobre el negro futuro de ambas películas, parece que 2019 será el año de las hermanas Stark, que estrenarán además de «Juego de tronos» ambas películas. En su informe trimestral de ganancias, Imax ha incluido ambos filmes como estrenos de 2019, por lo que aunque no es garantía, parece ser que empieza a haber luz al final del tunel
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Los «Guardianes de la Galaxia» piden la vuelta de James Gunn, despedido por Disney

Hace solo unos días, Disney sacudía de golpe la industria audiovisual al anunciar el despido fulminante del cineasta James Gunn. El director de las dos primeras películas de «Guardianes de la Galaxia», que se encontraba trabajando en la producción de la tercera cinta, era fulminado de golpe después de que saliesen a la luz varios mensajes que había lanzado hacía años en su perfil de Twitter en los que, entre otras cosas, bromeaba sobre asuntos como la pedofilia.

Guardianes de la galaxia

Consecuencia de ello, el gigante audiovisual, cuyos contenidos van enfocados especialmente hacia los más pequeños, tomó la decisión de prescindir del cineasta. «Las actitudes y declaraciones ofensivas descubiertas en el perfil de Twitter de James (Gunn) son indefendibles e inconsistentes con los valores del estudio», expresó en un comunicado el presidente de Walt Disney Studios. Alan Horn, que al mismo tiempo anunció el despido de Gunn. Tras ello, el cineasta se disculpo públicamente, aunque asumió «las consecuencias» de sus actos.

Sin embargo, tras meditarlo «durante unos días», los «Guardianes de la Galaxia» han salido ahora al rescate de su «creador». A través de una carta abierta, los actores que dan vida a los protagonistas de «Guardianes de la Galaxia» se han manifestado en su defensa. Una misiva firmada por intérpretes tan reconocidos como Chris Pratt, Zoe Saldaña, Bradley Cooper, Vin Diesel, el luchador Dave Batista y Sean Gunn, hermano de James, así como por Karen Gillan, Michael Rooker y Pom Klementieff. En masa, todos ellos han roto una lanza en favor del director.

Una petición popular
«Apoyamos completamente a James Gunn. La semana pasada, todos quedamos conmocionados por su abrupto despido», comienza diciendo la carta, que asegura que durante los últimos días «un gran número de fans y medios de comunicación» se han sumado a su reclamo. Una petición que no es otra que «que James sea readmitido como director del Volumen 3 de Guardianes de la Galaxia».

En la misiva, los actores se deshacen en elogios hacia Gunn. «Hacer “Guardianes de la Galaxia” ha sido un gran honor en la vida de todos nosotros. No podemos dejar pasar esta oportunidad para expresar nuestro amor, apoyo y gratitud hacia James», expresan los actores en la carta, que manda un poderoso mensaje. «No vamos a defender los chistes que hizo hace tantos años, sino a hablar de nuestra experiencia tras haber pasado muchos años juntos».

Los protagonistas van más allá en sus halagos. «El talante que ha mostrado tras su despido está en sintonía con el hombre que ha sido durante cada día de rodaje. Creemos que su disculpa, ahora y hace años, es desde el corazón. Un corazón que todos conocemos, en el que confiamos y al que amamos», explican los intérpretes, que agregan que el cineasta ha cambiado sus vidas «para siempre» y que confían en «poder trabajar con James de nuevo en el futuro». «Su historia no ha terminado, ni por asomo», advierten, aunque avisan de la enorme «responsabilidad» que trae consigo el uso de las redes sociales en el mundo de hoy en día.

La carta abierta de los «Guardianes de la Galaxia»Tras el comunicado, firmado por todos los protagonistas, Disney no ha hecho ninguna declaración oficial al respecto. Habrá que ver si cede y permite al cineasta volver a la tercera parte de «Guardianes de la Galaxia» o si por el contrario, se mantiene firme en su postura de prescindir del también guionista de «Scooby-Doo» y su secuela
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Pérez-Reverte llama «basura» a la película española «Los últimos de Filipinas»

Eran apenas medio centenar de soldados, enfermos y sin comida, hacinados en una iglesia el sitiado pueblo de Baler. Resistieron durante 337 días, defendiendo el último territorio español en Filipinas, hasta que conocieron la retirada definitiva del país de la colonia en 1898, tras la capitulación de España en su guerra con Estados Unidos.

La película «1898. Los últimos de Filipinas», dirigida por Salvador Calvo y encabezada por un nutrido elenco de rostros conocidos en el mundo de la actuación, intentó honrar la proeza del último bastión militar español en la isla filipina de Luzón. «La ambientación es precisa y claustrofóbica, y la cámara solemne, como el variado y transversal mensaje que le arrebata a la captura de los hechos: ha de notarse, y se nota, ese estado de ánimo noventayochista (la pérdida paulatina es el «leit motiv»), y ha de notarse, y se nota, ese inevitable ardor patriótico en los resistentes, pero también sus dudas y sus flecos antibelicistas, sea por desnutrición o descreimiento», escribió el crítico de ABC Oti R. Marchante cuando se estrenó la película. «El guionista y el director se manejan con habilidad cinematográfica en el cliché, y concentran su interés en los personajes clave para desentrañar el alma de una nación escurriéndose por el desagüe», dice el experto.

Pese a la valoración del crítico, no todas las valoraciones son positivas. El escritor Arturo Pérez-Reverte, en una publicación desde su cuenta oficial de Twitter, ha compartido la que, para él, es «la mejor carga de caballería del cine». Pero fue más allá, y la reivindicación de esa escena terminó convertida en una crítica al cine español.

Quizá la mejor carga de caballería del cine. Nadie en el cine español hizo nunca nada sobre las cargas del regimiento Alcántara en Annual, en 1921; aunque, recordando la basura que se hizo hace poco con “Los últimos de Filipinas”, quizá sea mejor así.https://t.co/y1o4aIQLto— Arturo Pérez-Reverte (@perezreverte)

30 de julio de 2018«Nadie en el cine español hizo nunca nada sobre las cargas del regimiento Alcántara en Annual, en 1921; aunque, recordando la basura que se hizo hace poco con “Los últimos de Filipinas”, quizá sea mejor así», añadió en Twitter.

En respuesta a la pregunta de un usuario, tampoco se olvidó Pérez-Reverte de recordar la opinión que le mereció «Oro», protagonizada por José Coronado: «Sobre “Oro” ya la di. En una historia original de épica y crueldad, se les olvidó la épica», respondió en Twitter
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Patrick Mille: «No toques a una mujer si ella no quiere»

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Luis Buñuel: sueños y sufrimiento para un cine único

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Patrick Mille: «No toques a una mujer si ella no quiere»

La comedia francesa «Bienvenidas a Brasil» llega este viernes a la cartelera en «un momento idóneo», según su director Patrick Mille, por el alza de los movimientos feministas. La alocada historia habla de agresiones sexuales a través de un hilo narrativo muy peculiar, que no dejará indiferente al espectador y que pone en un lugar protagonista a mujeres en situaciones generalmente relacionadas a los hombres en la industria cinematográfica.

Mille (Lisboa, 1970), además de ser el director y el guionista de esta «road movie», también es actor y por eso ha querido participar en su propia película. De hecho, lejos de ser un cameo como los que suelen hacer directores como Tarantino o Woody Allen, él aparece casi desde el primer momento interpretando al personaje más estrafalario. Y es que este franco-portugués destaca por sus papeles en el cine francés. «Bienvenidas a Brasil» es su segundo largometraje tras estrenar en 2012, «Mauvaise fille».

La película, que ya debutó el año pasado en el país vecino, relata el viaje de tres chicas a Río de Janeiro para la boda de su amiga Katia. Allí, en una noche de desenfreno, un atractivo brasileño intenta abusar de Lily y ésta lo empuja por un balcón ocasionando su muerte. Todo se vuelve más complicado al descubrir que el joven era el prometido de su amiga. Aunque la trama parte con un componente dramático, el film está lleno de escenas disparatadas y siempre hay una pregunta latente: ¿quién tuvo la culpa de lo sucedido?

P – ¿Cuál ha sido su fuente de inspiración?

R – El primer punto de inspiración era el país, yo quería hacer una historia en Brasil. Soy un apasionado de Brasil y siempre me ha parecido que podrían pasar historias súper locas, lo imposible es posible allí. El segundo punto es que quería hacer algo con un grupo de amigas y otorgarles roles que normalmente vemos en personajes masculinos. Por último, necesitaba un elemento de drama porque es necesario para las comedias, y por eso hay un muerto.

P – ¿Por qué estaba interesado en cambiar estos roles?

R – Prefiero grabar a las mujeres desde siempre, me interesan más y cuando hay problemas son más fuertes e interesantes para jugar con estos personajes. También se debe a mi lado feminista. Escribí esta película antes de esta ola de feminismo que estamos viviendo y al principio del film se ve cuando el chico intenta abusar de la chica y muere, pero el chico no lo tendría que haber hecho.

P – Entonces el completo culpable para usted es el chico

R – Claro, no toques a una mujer si ella no quiere, es una cosa increíble. El mundo está cambiando, las mujeres tienen más consciencia de eso y Brasil es un país machista como toda América del Sur. Me gusta el personaje de Lily, la pequeña que hace karate, es más fuerte que un hombre y me gustan los personajes femeninos como Kill Bill. Mujeres que tienen una personalidad fuerte y responden bien a los hombres, no son víctimas.

P – ¿Ese mensaje lo quería reflejar con la secuencia de Katia, embarazada y disparando?

R – De hecho, esa era la escena que tenía en la cabeza. Cuando escribí el guion quería ver a una mujer embarazada con una kalashnikov, es una imagen que me encanta.

«Bienvenidas a Brasil»

Vincent Rosenblatt

P – ¿Cuáles son los valores que quiere transmitir con «Bienvenidas a Brasil»?

R – Es un valor de libertad, de escoger de las mujeres. Pueden ser aventureras, etc., todo lo que los hombres hacen y mejor. No es un film con mensaje, es una película para pasárselo bien pero si sales de la sala con un sentimiento de fuerza, mejor.

P – En España el gobierno pretende cambiar el Código Penal para especificar que si no hay un sí explícito es violación, ¿qué le parece esta medida?

R – Me parece superbién. Lo importante es que haya la opción de que la mujer sea libre de decidir y que el hombre sea libre de saber que la mujer también pueda ir a seducir al hombre, que no sea siempre al revés. Lo importante es que haya libertad.

P – ¿Es el momento en el cine de visibilizar este tema?

R – Creo que sí, escribí la historia hace tres años antes de toda esta historia, y ahora es increíble. El cine es un reflejo del tiempo y no debemos estar ciegos con lo que pasa en la sociedad, y esto también se aplica para la comedia.

P – ¿Cómo se documentó para rodar la película?

R – Desde que yo era niño estudié mucho sobre Brasil, pero nunca estuve allí hasta que fui más mayor. Para la película escribí primero la sinopsis para tener la base de la historia y luego viajé a Brasil durante un mes para escribir los diálogos y acabar de escribirla. Pero allí, lo que vi y conocí, en especial la realidad social, hizo que cambiase mucho el guion.

R –
Me llamó mucho la atención el tema de las castas. Hay gente súper rica que tiene criados y gente súper pobre. Además, es curioso cómo se refieren a sí mismos sobre la clase que son (a, b, c, d) y me aportó mucho ese tiempo para añadir visión social a la película. Por ejemplo, el «Rey de la Carne» es un personaje inspirado totalmente en cosas que vi en Brasil. La película es una mezcla entre esta inspiración y la documentación que ya tenía.

P – Por lo tanto se podría decir que Brasil es un punto de unión entre sus dos nacionalidades

R – Sí, yo soy portugués y francés y yo siempre pensé que Brasil es el país que más me gustaba porque me encanta su música, su historia y sí, podría ser un punto de unión entre Francia y Portugal, de inspiración sobre todo.

P – Dirige y actúa en su propia película ¿cómo ha sido esa experiencia?

R – Tenía muchísimas ganas de hacer este personaje, mientras lo escribía interpretaba los diálogos. Es parecido a cuando entrenas a un equipo de fútbol y luego te pasas al otro bando y juegas, pasas de entrenador a jugador y eso da mucha libertad como actor y director. Me encantó este proceso ya que pude trabajar con los actores desde el otro lado de la cámara.

P – ¿Y por qué es tan extravagante?

R –
Quería hacer un personaje de diplomático francés totalmente loco por Brasil. Te puedo contar historias de diplomáticos franceses que se mudaron a países donde se volvieron locos, cambiaron de vida e hicieron cosas completamente diferentes por estar en otro país. Entonces así lo quise reflejar con Monsieur Hervé, un hombre que estaba un poco deprimido, se fue a Brasil y se le pegó la locura.

P – ¿Cree que el cine francés está potenciado en España?

R – Sí, está muy representado ya en España y lo que me gustaría con esta película es que me ayude a poder rodar aquí con actores españoles.

P – El IVA del cine en España acaba de bajar del 21% al 10% ¿qué le parece esta medida?

R – Me parece un buen impuesto si ese ingreso va directamente a la producción de películas españolas como en Francia. Por ejemplo, con la recaudación de una película americana como «Star Wars», da para 30 películas francesas
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