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El movimiento «Time’s Up» desembarca en Sundance: «Ahora el papel de los hombres es el de escuchar»

Robert Redford considera que «ahora el papel de los hombre es escuchar y dejar que se oigan las voces de las mujeres y pensar sobre ello», en un proceso de cambio que llevará a una nueva situación en la industria del cine.

En la rueda de prensa de apertura del Festival de Sundance, que se abrió anoche en Utah (EE.UU.), Redford aseguró que Hollywood está viviendo un «punto de inflexión» al ser preguntado por el movimiento «Time’s Up» (Se acabó el tiempo) contra el acoso sexual a las mujeres, que comenzó en el mundo del cine y que se ha extendido a otros ámbitos.

«Los cambios son inevitables, a veces son positivos y a veces no», reflexionó el actor de 81 años, que resaltó que lo que está ocurriendo ahora dará «más oportunidades a las mujeres en el cine para tener sus propias voces y hacer sus proyectos». En su opinión «está cambiando el orden de las cosas y las mujeres van a tener una voz fuerte y propia que antes no tenían porque estaban demasiado controladas por el dominio masculino, va a ser más equilibrado».

Ahora «las mujeres tendrán que tomar la iniciativa para hacer oír más sus voces y creo que es maravilloso (…) Es un buen momento», agregó el actor, director y fundador hace 18 años del Festival de Sundance.

Contra el machismo
Al respecto, la directora ejecutiva del Instituto Sundance, Keri Putman, se mostró orgullos de pertenecer al movimiento «Time’s Up» y resaltó que «no se trata solo de unos cuantos individuos».

No es sobre los acosos cometidos por unos hombres concretos, «se trata de los sistemas de poder subyacentes». «¿Quién obtiene financiación? ¿Quién consigue distribución? ¿Quién logra contar historias? ¿Qué historias contamos?», se preguntó Putman. Es el momento de establecer una forma nueva de escuchar. «No creo que sea fácil, va a requerir un montón de esfuerzo, de conversaciones y de presiones», agregó.

Respecto a las informaciones sobre que al menos dos de los casos de abusos de los que se acusa al productor Harvey Weinstein se produjeron durante ediciones pasadas del festival, Putman aseguró que «Sundance, como institución, nunca contribuyó a ese comportamiento».

«Tenemos valores de respeto y tolerancia, apoyamos a artistas, defendemos la diversidad y la creatividad, muchas cosas que se oponen directamente a ese tipo de comportamiento. Quiero ser firme sobre este tema. Por supuesto, estas cosas que sucedieron durante nuestro festival nos ponen malos, pero no éramos en absoluto conscientes en aquel momento«, añadió.

Y también apuntó a algunos cambios en la organización del festival, que este año ha publicado un código de conducta para los trabajadores y para los asistentes, con el objetivo de que se desarrolle en un ambiente «libre de acoso, discriminación, sexismo, amenazas o cualquier comportamiento irrespetuoso».

Además, en colaboración con el fiscal general de Utah, se ha abierto una línea telefónica para que cualquier persona pueda llamar para informar de alguien que viole el código
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Nicole Kidman, irreconocible tras su cambio de imagen más radical

Nicole Kidman vive sus días de estrella en una constante dualidad. Por una parte, fue la triunfadora de los Globos de Oro gracias a su papel en la serie «Big Little Lies» después de un año donde ya fue el máximo reclamo del Festival de Cannes. Pero por otro lado, todos sus gestos y acciones siguen teniendo la atención de la prensa del corazón de EE.UU. que no le «perdona» lo polémico de su matrimonio con Tom Cruise. Ahora, su nombre se ha vuleto a hacer viral por un estrambótico cambio de look que medios como el «Daily mail» han filtrado. La actriz aparece con una chaqueta de cuero desgastada, unos pantalos de campana roídosz, unos zapatos más propios de una obra que de una modelo y una mochila al hombre. Pero lo más llamativo es la cara: no se parece al rostro que estamos habituados y su rubio ha desaparecido por tinte moreno.

Nicole Kidman, irreconocible en su nuevo look para el filme «Destroyer» – «Daily Mail»
La explicación está en su nuevo papel. La actriz interpretará a la detective Erin Bell, del departamento de Policía de Los Ángeles, en el filme «Destroyer», un filme de acción donde tendrá que llevar a cabo una misión encubierta. La intérprete se ha puesto a las órdenes de la directora Karyn Kusama, y comparte reparto con Sebastian Stan, Tatiana Maslany y Toby Kebbell.

El cambio de look de Nicole Kidman ya es uno de los más radicales que hemos visto en el cine. Recientemente vimos a un Gary Oldman irreconocible como Churchill en «El instante más oscuro». Pero hay más: desde Mario Casas a Antonio de la Torre o Adam Driver, Matthew McConaughey o Christian Bale son algunos de los intérpretes (casi) irreconocibles en algunos de sus papeles. Todos están en esta fotogalería
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Go Nagai, creador de «Mazinger Z»: «Los adultos verán la película con la emoción de cuando eran pequeños»

Hace más de 45 años, «Mazinger Z» lanzaba por primera vez su golpe más famoso, y el «¡Puños fuera!» no dejó de escucharse por todo el mundo, aunque a España no llegó hasta 1978. Aquellos niños, y los que vieron la reposición en Telecinco en 1993, gozaban cada merienda con las aventuras inacabables de los robots japoneses. Y eran infinitas porque en la época, antes de la pasión actual por las series redondas, el malo era siempre muy malo y cuando iba a matar al protagonista explicaba cómo lo iba a hacer, y justo antes de dar el golpe de gracia lanzaba esa risa maligna tan característica que daba el tiempo justo al bueno para salvarse. Un bueno que, al tiempo, nunca destruía al enemigo porque se entretenía justo antes de hacerlo.

Mazinger Z Infinity

En este «revival» ochentero impuesto por el éxito de «Stranger Things» llega al cine la secuela del Mazinger Z de 1972. Con el apellido de «Infinity», el popular robot viene a hacer lo que siempre hizo: salvar el planeta y llenar de gozo a los espectadores, aunque ahora empiecen a peinar canas. «Los adultos verán la película con una sensación de nostalgia, recordando la emoción con que veían la serie cuando eran pequeños, mientras que para los niños será una nueva película de dibujos animados de acción con elementos de ciencia ficción», explica a ABC Go Nagai, creador del mítico robot y de animes tan populares como Devilman o Violence Jack.

P – Mazinger Z nos lleva de vuelta a los años 70 y 80. Hay un resurgimiento de las series y las películas de aquella época. ¿Qué opina de esta nostalgia?

El que se pueda llamar «nostalgia» creo que es porque trae buenos recuerdos. Me alegra que por ser tan querido durante tanto tiempo produzca esa sensación.

P – La gente que vio Mazinger Z en los 70 irá al cine. Eran niños en aquel tiempo y ahora podrían ir acompañados de sus hijos. ¿Quién cree que disfrutará más?

R – Creo que ambos la disfrutarán a su manera. Los adultos lo harán con una sensación de nostalgia, recordando la emoción con que veían la serie cuando eran pequeños, mientras que para los niños será una nueva película de dibujos animados de acción con elementos de ciencia ficción.

P – ¿Mazinger Z se creó para un nuevo espectador o para aquellos que vieron la serie?

R – Creo que puede atraer a nuevos espectadores sin traicionar a los seguidores antiguos.

P – En el tráiler se puede ver que Mazinger Z “visita” Barcelona, Italia y otros lugares de Europa. ¿Es un intento para acercar el manga y el anime a la “estética” europea?

R – Hay muchos seguidores en España e Italia, por lo que quería que aparecieran esos lugares. Pero también quería plasmar que la historia es una batalla a escala mundial.

P – ¿Cree que el manga y el anime se entienden de la misma forma en Europa que en Asia?

R – Sí.

P – Uno de los personajes pregunta: “¿Este mundo es merecedor de su existencia?”. ¿Cómo respondería?

R – Respondería que Koji Kabuto es igualmente merecedor de su existencia. Porque percibo que él vive creyéndolo así.

P – El protagonista, Koji Kabuto, “debe tomar una decisión sobre el futuro: ser un dios o un demonio”. Ese es un tema recurrente en sus historias, pero ¿ha cambiado su modo de tratarlo con el paso de los años?

R – No creo que haya cambiado. El ser humano tiene dudas y se angustia cuando obtiene un gran poder. Y eso es así siempre.

P – ¿Cómo es el nuevo Mazinger Z comparado con el clásico?

R – Es una combinación de animación en dos y en tres dimensiones. Y creo que esta combinación representa muy bien el mundo. Gracias a esa expresividad, la furia de Mazinger Z se desata a lo grande en la gran pantalla.

P – ¿Qué consejo le dio al director Junji Shimizu?

R – Tenía entendido que es un director que adora a Mazinger Z, por lo que no tuve que darle ningún consejo en particular. Simplemente le pedí que hiciera una obra que le gustara
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¿Odian los chinos «Star Wars»? Los motivos del tremendo fracaso de «Los últimos Jedi» en China

«Star Wars: Los últimos Jedi» ha fracasado en China. La película de Rian Johnson tan solo logró recaudar 2,4 millones de dólares en su segunda semana, un 92% menos que el fin de semana del estreno (unos discretos 28 millones) y ya ha sido retirada de los cines del país asiático.

«Ha sido mucho peor de lo que esperábamos», ha declarado a «Hollywood reporter» Jimmy Wu, presidente de la cadena de cines Lumiere Pavilions. Según la firma Fanink, experta en analizar el mercado chino, la última cinta de «Star Wars» fue recibida con malas críticas por parte de los espectadores que acudieron a verla en su estreno, lo que terminó por hundirla ante la mala fama que se creó sobre su calidad cinematográfica.

Más allá de los datos, ¿qué ocurre con el público asiático para dar la espalda a una cinta que ha sido número uno en todo el mundo? La clave está en la nostalgia. Si Disney jugó con esa baza en Occidente para lanzar su nueva trilogía, en China no ha funcionado: allí no se estrenó la trilogía original, de 1977, ya que la dictadura, más férrea que ahora, no lo permitió.

Otro elemento clave ha sido la ausencia de personajes con los que el público chino pudiera empatizar. Si en «Rogue One» participaron las estrellas chinas Donnie Yen y Jiang Wen, en «Los últimos Jedi» el único personaje con rasgos asiáticos es Kelly Marie Tran, una intérprete estadounidense de padres vietnamitas.

Un tercer factor, este puramente material, es que la cinta de «Star Wars» ha tenido que competir con el filme «The Ex-File 3: The Return of the Exes», una comedia romántica local que ha recaudado 275 millones en sus primeras tres semanas en cartelera.

Y por último está el intangible de la promoción, el factor que a la postre permite a una película triunfar. Y sobre esto Disney no ha publicado cifras, pero sí se puede comparar con otras sagas como «Fast and Furious», cuyos primeros títulos no tuvieron gran acogida en China y que sin embargo la séptima y la octava entrega tuvieron altísimas recaudaciones, con cerca de 390 y 392 millones respectivamente.

Otros filmes de «Star Wars»

Star Wars: Los últimos Jedi (Episodio VIII)

Las cifras en China contrastan con el éxito del Episodio VIII en el resto del mundo. Los últimos Jedi fue la película más vista del año en Estados Unidos y Canadá, con un total de 591 millones de dólares de recaudación, mientras que en la taquilla global alcanza los 1.270 millones de dólares. En China, sin embargo, no ha llegado siquiera a los 50 millones de dólares, por debajo de otros sonados batacazos como Valerian (62 millones) o Geostorm (65,6 millones), informa Europa Press.

Una contingencia que no es nueva para Disney. A comienzos de 2016, «El despertar de la Fuerza» ya cosechó una relativa decepción en la taquilla china con 124 millones de dólares, muy por debajo de las previsiones de la compañía. No mejoró la cosa con el estreno del spin-off «Rogue One», que obtuvo 69 millones en las primeras semanas de 2017. Una caída que se ha acabado de confirmar con «Los últimos Jedi».

[Crítica de Star Wars: Los últimos Jedi
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Carlos Acosta, el bailarín que demostró que el ballet era más que el «príncipe blanco y rubio»

Tras emocionar con «El Olivo», Icíar Bollaín regresa con otro guion de su pareja, Paul Laverty (colaborador habitual de Ken Loach), para contar la vida del bailarín que consiguió romper con la idea de que los bailarines de ballet tienen que ser «príncipes blancos y rubios», Carlos Acosta. «Fue el primer negro que interpretó un ‘Romeo’ con el Royal Ballet londinense, con la española Tamara Rojo, tuvo que luchar el triple debido a su origen humilde y prejuicios raciales», cuenta la cineasta. Pero el verdadero sueño de Carlos Acosta era convertirse en futbolista. Sin embargo, fue su padre quien le obligó a estudiar danza clásica. Creía que así le daría la disciplina que faltaba en su barrio de La Habana, aunque tampoco le dejó olvidarse de su origen humilde. Bollaín define esta película, producida por Morena Films y BBC, como un filme «opuesto a Billy Elliot» ya que las historias que se muestran en la gran pantalla suelen contar la historia de un niño que quiere bailar y al que su familia no le deja, pero aquí es al revés.

«Su biografía recorre los últimos 30 años de la isla, cómo parte de su familia se fue a Miami y la otra se quedó, o cómo volvió con el ‘periodo especial’», recuerda. Pero no es un biopic al uso. «La historia está rota, dividida en dos mundos. En uno está Carlos Acosta en el presente en La Habana ensayando con su compañía un espectáculo con su compañía -que comparte nombre con la película- que recorre su vida y que ha sido inventada para la película, y ha sido coreografiada por María Rovira. Pero es en ese teatro en el que él está bailando esos momentos de su vida, cuando se va al pasado y nos vamos a la ficción», cuenta.

Cuba tiene un papel importante en «Yuli». Sin embargo, se trata de una historia personal de alguien que tuvo una relación buena con su país. «Se benefició de las oportunidades que se les daba a los artistas de crecer, aún viniendo de barrios humildes. Y él lo devolvió al retornar a La Habana primero con el Royal Ballet y luego creando su propia compañía», matiza la directora instantes antes de volver al trabajo. Hasta en el descanso para comer sigue analizando la escena con sus ayudantes tras haberla repetido tantas veces como consideró necesario. Sabe que se trata de una apuesta compleja, especialmente por las escenas de baile. «Aquí no hay cisne negro, no hay planos de cintura para abajo. Aquí actúan y bailan, pero baila entero. No hay truco», dice con rotundidad.

Con acento español
Bollaín comenzó a rodar «Yuli» el pasado mes de noviembre en Cuba y, ahora, continúa en Madrid las grabaciones de este filme en los teatros del Canal, que simulan ser un escenario londinense. La directora se muestra meticulosa en el rodaje. Busca la perfección en cada plano así que no duda en repetir la escena una y otra vez, exigiendo un esfuerzo titánico a Kevin Martínez, el encargado de interpretar a Carlos Acosta en su juventud.

Para esta película, Icíar Bollaín se ha rodeado de profesionales españoles para asegurarse de que hasta el más mínimo detalle de esta historia esté cuidado. Álex Catalán, que dio luz a la desolación de los últimos españoles en «1898: Los últimos de Filipinas» o que puso color a la transición española en «La isla mínima», se asegura de que reluzcan los saltos de las tres versiones de Carlos Acosta que veremos en el filme de la madrileña. Mientras que Alberto Iglesias, compositor de las bandas sonoras de películas como «Hable con ella» o «Julieta», ha hecho lo propio con la música.

Despiece: Rompiendo barreras

Al igual que Carlos Acosta ha cambiado los prejuicios que existían en el ballet, Bollaín también lo ha hecho lo propio en el cine. La madrileña es una de las tres únicas mujeres que han ganado el Goya a la mejor dirección. Aún así, la representación femenina en el mundo cinematográfico no es el que le gustaría. «Cuándo yo estrené ‘Hola, ¿estás sola?’ hace 20 años, entramos en el cine más de 30 mujeres y pensamos que ya estaba solucionado, pero ha pasado el tiempo y no llegamos a ser más del 10%, entonces, ¿qué hacemos?», reflexionaba Bollaín sentaba en una butaca del Teatro Canal. Por ello, se muestra a favor del reciente cambio en los puntos para otorgar las ayudas del cine, que otorgan más a aquellas producciones dirigidas por mujeres: «cuando hay déficit de algo solo se han cambiado así las cosas». Esto no solo ocurre en el cine, Bollaín asegura que «allí donde hay poder, dinero y toma de decisiones hay pocas mujeres. Es una cuestión de confianza y a las mujeres les cuesta más que se apueste por ellas. Si no potencias que estén ahí, no ocurrirá, así que ayudemos a que pase&raquo
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Crítica de Plan de chicas: Black is beautiful

Valoración de ABCPlay

Lo mejor: Tiffany Haddish, que vendría a ser lo contrario de Audrey Hepburn

Antonio Weinrichter

Nadie piense que esta es una buena película; pero puede resultar más interesante que otras mejores, a quien le interesen los llamados estudios culturales (el contexto más que el texto de una película) y, sobre todo, a quien arrostrara el desprecio de cinéfilos serios por disfrutar con La boda de mi mejor amiga» o «Romy y Michele». En el fondo ambas razones convergen: hay toda una generación de grandes payasas (razón segunda) salidas de la tele como Kate McKinnon o Kirsten Wiig a las que solo les faltaría… hacer una película decente alguna vez. Mientras tanto propician (razón primera) un nuevo cine de/para mujeres, incluso con remakes de películas muy de colegas como la reciente versión «todo-chicas» de «Los cazafantasmas».

Plan de chicas

Aplicando la teórica al caso que nos ocupa: «Plan de chicas» entra de lleno en el masculino terreno del subgénero «resacón en…» con chistes escatológicos de no creer y un tono general de grosería que confirma nuestras peores sospechas sobre lo que pasa en las despedidas de soltera; además, transcurre en Nueva Orleans en el marco de un evento real, el Essence, un curioso retrato de cómo se ve a sí misma la cultura afroamericana.

Y, de final, lo mejor: Tiffany Haddish. Las otras actrices están bien pero todas, incluso la opulenta reinona Latifah, se hacen a un lado para que este incandescente ciclón negro con nombre de joyería famosa, y que vendría a ser lo contrario de Audrey Hepburn, se luzca hasta convertirse en una de las revelaciones de la temporada
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Crítica de Plan de chicas: Black is beautiful

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Lo mejor: Tiffany Haddish, que vendría a ser lo contrario de Audrey Hepburn

Antonio Weinrichter

Nadie piense que esta es una buena película; pero puede resultar más interesante que otras mejores, a quien le interesen los llamados estudios culturales (el contexto más que el texto de una película) y, sobre todo, a quien arrostrara el desprecio de cinéfilos serios por disfrutar con La boda de mi mejor amiga» o «Romy y Michele». En el fondo ambas razones convergen: hay toda una generación de grandes payasas (razón segunda) salidas de la tele como Kate McKinnon o Kirsten Wiig a las que solo les faltaría… hacer una película decente alguna vez. Mientras tanto propician (razón primera) un nuevo cine de/para mujeres, incluso con remakes de películas muy de colegas como la reciente versión «todo-chicas» de «Los cazafantasmas».

Plan de chicas

Aplicando la teórica al caso que nos ocupa: «Plan de chicas» entra de lleno en el masculino terreno del subgénero «resacón en…» con chistes escatológicos de no creer y un tono general de grosería que confirma nuestras peores sospechas sobre lo que pasa en las despedidas de soltera; además, transcurre en Nueva Orleans en el marco de un evento real, el Essence, un curioso retrato de cómo se ve a sí misma la cultura afroamericana.

Y, de final, lo mejor: Tiffany Haddish. Las otras actrices están bien pero todas, incluso la opulenta reinona Latifah, se hacen a un lado para que este incandescente ciclón negro con nombre de joyería famosa, y que vendría a ser lo contrario de Audrey Hepburn, se luzca hasta convertirse en una de las revelaciones de la temporada
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Crítica de Zama: Impresiones de Colonias

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Nadie en su sano juicio dirá al salir: «¡Qué divertida es la película de Lucrecia Martel!»

Oti Rodríguez Marchante

La obra de Antonio Di Benedetto, hombre de letra compleja e idea recóndita que fascinó a lectores y escritores, de Borges a Coetzee, encuentra en la mirada de cineasta compleja y recóndita de Lucrecia Martel un modo más o menos desordenado y sugerente de establecerse en la pantalla.

Zama

Como película enmarañada que es, se hace necesario darle mucha importancia a lo hipnótico y fascinante de su aparato audiovisual, que nos cuenta algo de la vida de Don Diego de Zama, funcionario de Indias a la espera de un traslado, un cambio de colonia (finales del XVIII) o de perfume, presentado con aroma de cine profundamente figurativo pero profundamente desfigurado en su cruce de espacio y tiempo: esa vindicación de la huida, o de la espera insoportable, se cuenta en varios tiempos que hay que «localizar» por los cambios de personajes o los sufridos en el físico de su protagonista, un realmente esforzado Daniel Giménez Cacho.

Lo que pretende Lucrecia Martel no es contarnos a Diego de Zama, sino meternos dentro de él, de su aburrimiento, desesperación, paranoia, en fin, sus cosas…, lo cual conviene saber que no es precisamente «entretenido» o «interesante» (nadie en su sano juicio dirá al salir: «¡Qué divertida es la película de Lucrecia Martel!»), pero sí tiene esa punta de lápiz de colores que a cierto tipo de cinéfilo le gusta mordisquear. Quiero decir, que igual se pierde una obra maravillosa que no olvida nunca o se mete usted a ver un tostonazo del que no se recupera en días
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Crítica de Zama: Impresiones de Colonias

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Nadie en su sano juicio dirá al salir: «¡Qué divertida es la película de Lucrecia Martel!»

Oti Rodríguez Marchante

La obra de Antonio Di Benedetto, hombre de letra compleja e idea recóndita que fascinó a lectores y escritores, de Borges a Coetzee, encuentra en la mirada de cineasta compleja y recóndita de Lucrecia Martel un modo más o menos desordenado y sugerente de establecerse en la pantalla.

Zama

Como película enmarañada que es, se hace necesario darle mucha importancia a lo hipnótico y fascinante de su aparato audiovisual, que nos cuenta algo de la vida de Don Diego de Zama, funcionario de Indias a la espera de un traslado, un cambio de colonia (finales del XVIII) o de perfume, presentado con aroma de cine profundamente figurativo pero profundamente desfigurado en su cruce de espacio y tiempo: esa vindicación de la huida, o de la espera insoportable, se cuenta en varios tiempos que hay que «localizar» por los cambios de personajes o los sufridos en el físico de su protagonista, un realmente esforzado Daniel Giménez Cacho.

Lo que pretende Lucrecia Martel no es contarnos a Diego de Zama, sino meternos dentro de él, de su aburrimiento, desesperación, paranoia, en fin, sus cosas…, lo cual conviene saber que no es precisamente «entretenido» o «interesante» (nadie en su sano juicio dirá al salir: «¡Qué divertida es la película de Lucrecia Martel!»), pero sí tiene esa punta de lápiz de colores que a cierto tipo de cinéfilo le gusta mordisquear. Quiero decir, que igual se pierde una obra maravillosa que no olvida nunca o se mete usted a ver un tostonazo del que no se recupera en días
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Crítica de Los archivos del Pentágono: Periodismo, liderazgo y principios

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Como es lógico, Meryl Streep y Tom Hanks están a la altura de sus magníficos personajes

Oti Rodríguez Marchante

El cine de Spielberg suele honrar el terreno que pisa, la historia, la aventura, la ciencia ficción, el holocausto, el bélico…, y hasta nos contó aquello de «érase una vez un tiburón…», y el mar del veraneo nunca volvió a ser el mismo. Ahora, con esta película, honra el terreno del periodismo, que no le viene mal, dicho sea de paso, que alguien lo honre. «Los archivos del Pentágono» fija su mirada en dos asuntos esenciales: en la decisión de publicar o no unas informaciones clasificadas sobre la actuación de varias Administraciones en la Guerra de Vietnam, y en la relación profesional y respetuosa entre la propiedad y la dirección de un periódico; es decir, Spielberg entra de lleno en la prístina deontología de un oficio que queda magníficamente retratado en el ambiente y la temperatura de redacción, teclear, reuniones, idas, venidas, ritmo de cierre…, una redacción con la humareda de 1971, que es cuando ocurren los hechos.

Pero hay aún algo más interesante que la redacción del «The Washington Post», y es la circunstancia de que su propietaria y editora, Katharine Graham, es una mujer y Spielberg enmarca con talento esa «anomalía» en sus entradas a la gallera de los Consejos y en su necesidad de poner huevos (liderazgo) como gallo y no como gallina. Magnífico retrato con tres o cuatro trazos de la dignidad y fuerza de una mujer y una editora de periódico, y envidiable estampa en sus contactos en clave respetuosa e íntegra con su director, Ben Bradlee, al que también se le dibuja con el valor y la decencia de quien sabe para quién trabaja, los gobernados y no los que gobiernan (principios).

Los archivos del Pentágono

Como es lógico, Meryl Streep y Tom Hanks están a la altura de sus magníficos personajes, y no necesitan de subrayados ni atenciones simplonas por parte de Spielberg para sublimarlos; la puesta en escena es insuperable, el ritmo, el tic-tac, los espacios, la infinidad de detalles que la cámara de Spielberg nos proporciona para que el espectador sienta lo intenso y vibrante de ese oficio que tiene tan mala prensa
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Crítica de Los archivos del Pentágono: Periodismo, liderazgo y principios

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Como es lógico, Meryl Streep y Tom Hanks están a la altura de sus magníficos personajes

Oti Rodríguez Marchante

El cine de Spielberg suele honrar el terreno que pisa, la historia, la aventura, la ciencia ficción, el holocausto, el bélico…, y hasta nos contó aquello de «érase una vez un tiburón…», y el mar del veraneo nunca volvió a ser el mismo. Ahora, con esta película, honra el terreno del periodismo, que no le viene mal, dicho sea de paso, que alguien lo honre. «Los archivos del Pentágono» fija su mirada en dos asuntos esenciales: en la decisión de publicar o no unas informaciones clasificadas sobre la actuación de varias Administraciones en la Guerra de Vietnam, y en la relación profesional y respetuosa entre la propiedad y la dirección de un periódico; es decir, Spielberg entra de lleno en la prístina deontología de un oficio que queda magníficamente retratado en el ambiente y la temperatura de redacción, teclear, reuniones, idas, venidas, ritmo de cierre…, una redacción con la humareda de 1971, que es cuando ocurren los hechos.

Pero hay aún algo más interesante que la redacción del «The Washington Post», y es la circunstancia de que su propietaria y editora, Katharine Graham, es una mujer y Spielberg enmarca con talento esa «anomalía» en sus entradas a la gallera de los Consejos y en su necesidad de poner huevos (liderazgo) como gallo y no como gallina. Magnífico retrato con tres o cuatro trazos de la dignidad y fuerza de una mujer y una editora de periódico, y envidiable estampa en sus contactos en clave respetuosa e íntegra con su director, Ben Bradlee, al que también se le dibuja con el valor y la decencia de quien sabe para quién trabaja, los gobernados y no los que gobiernan (principios).

Los archivos del Pentágono

Como es lógico, Meryl Streep y Tom Hanks están a la altura de sus magníficos personajes, y no necesitan de subrayados ni atenciones simplonas por parte de Spielberg para sublimarlos; la puesta en escena es insuperable, el ritmo, el tic-tac, los espacios, la infinidad de detalles que la cámara de Spielberg nos proporciona para que el espectador sienta lo intenso y vibrante de ese oficio que tiene tan mala prensa
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Crítica de Me estás matando, Susana: Dos en la frontera

Me estás matando Susana

Un pequeño sinvergüenza, tan bajito y tan canalla como puede resultar Gael García Bernal, que es mucho, se pasa la película persiguiendo a su mujer, quien trata de demostrarle que el adjetivo posesivo (ese «su») no es ni debe ser literal. Verónica Echegui, cada vez más versátil, está a la altura del carisma del actor mexicano y ambos –apenas hay un plano en el que no aparezca al menos uno– hacen más apetecible una película cuyo título podría espantar a un gladiador. Aunque peor era el de «Jo, que noche» (en castellano) y a Scorsese le salió una pequeña maravilla.

La película de Roberto Sneider, que dirige un título por década, destaca por su frescura y por tocar varios géneros sin agarrarse a ninguno. Es como la vida misma. No llega a ser una comedia, casi nunca es decididamente romántica –en todo caso no es nada ñoña– y le faltan kilómetros para ser «de carretera», aunque los protagonista viajan hasta Estados Unidos.

Ese mismo mestizaje se aplica a su mirada, más cínica que moral, más pragmática que idealista. Su crítica del machismo es tan suave como su forma de saltar el muro y probablemente no satisfará a los que esperaban una denuncia ni resultará cómoda a quienes deberían sentirse aludidos.

La adaptación de la novela de José Agustín «Ciudades desiertas» termina por ser «normal», casi sosa, y a la vez nada convencional. Justo ahí radica gran parte de su encanto. Las ajustadas interpretaciones completan la sensación de que, bajo su aspecto sencillo, en esta película hay más verdad y complejidad de las que aparenta.

Valoración de ABCPlay

Destaca por su frescura y por tocar varios géneros sin agarrarse a ninguno

Federico Marín Bellón
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Crítica de Me estás matando, Susana: Dos en la frontera

Me estás matando Susana

Un pequeño sinvergüenza, tan bajito y tan canalla como puede resultar Gael García Bernal, que es mucho, se pasa la película persiguiendo a su mujer, quien trata de demostrarle que el adjetivo posesivo (ese «su») no es ni debe ser literal. Verónica Echegui, cada vez más versátil, está a la altura del carisma del actor mexicano y ambos –apenas hay un plano en el que no aparezca al menos uno– hacen más apetecible una película cuyo título podría espantar a un gladiador. Aunque peor era el de «Jo, que noche» (en castellano) y a Scorsese le salió una pequeña maravilla.

La película de Roberto Sneider, que dirige un título por década, destaca por su frescura y por tocar varios géneros sin agarrarse a ninguno. Es como la vida misma. No llega a ser una comedia, casi nunca es decididamente romántica –en todo caso no es nada ñoña– y le faltan kilómetros para ser «de carretera», aunque los protagonista viajan hasta Estados Unidos.

Ese mismo mestizaje se aplica a su mirada, más cínica que moral, más pragmática que idealista. Su crítica del machismo es tan suave como su forma de saltar el muro y probablemente no satisfará a los que esperaban una denuncia ni resultará cómoda a quienes deberían sentirse aludidos.

La adaptación de la novela de José Agustín «Ciudades desiertas» termina por ser «normal», casi sosa, y a la vez nada convencional. Justo ahí radica gran parte de su encanto. Las ajustadas interpretaciones completan la sensación de que, bajo su aspecto sencillo, en esta película hay más verdad y complejidad de las que aparenta.

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Destaca por su frescura y por tocar varios géneros sin agarrarse a ninguno

Federico Marín Bellón
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Los independentistas intentan boicotear el documental de Serrat

A veces se les exige compromiso político. Otras, cuando se pronuncian, acusan las consecuencias. Algo así le ha sucedido al cantante Joan Manuel Serrat tras hablar abiertamente de lo nocivo que era el referéndum independentista.

«La convocatoria del referéndum no es transparente», llegó a afirmar el artista catalán, alertando además de la «gran fractura social» que se ha creado en Cataluña.

Ahora, desde las redes sociales, los partidarios de la secesión han iniciado una campaña para boicotear el documental del cantante que el programa «Sense ficció» de TV3 emite esta noche (21.55 horas), perjudicando así sus audiencias.

Entre descalificaciones como «traidor», usuarios en twitter piden que se apaguen las televisiones para no ver Serrat, el noi de Poble Sec. Incluso hay quienes incitan el movimiento contra el cantante, pidiendo que se apoye en su lugar al también artista Lluís Lalch, «siempre fiel al pueblo y la lengua catalana a pesar de todo». «Serrat empezó a cantar en castellano cuando perseguían (la lengua) catalana y no le contrataban», continuaron.

No obstante. Serrat ha recibido el apoyado de otros usuarios que aseguraban que los independentistas que pretenden boicotear la emisión del documental «se habían vuelto locos».

Certament el sobiranime ha embogit. Gent que creia seriosa i intel.ligent demanant boicot al programa de TV3 en que surt Serrat— Pere Pascual PIC (@perepascualpic)

15 de enero de
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Un concursante de Got Talent se levanta de su silla de ruedas para dejar boquiabierto al jurado

La historia de Hamza ha sido una de las más conmovedoras de la primera entrega de esta edición de «Got Talent». El pequeño de 12 años tuvo un problema al nacer y por eso a día de hoy está en silla de rueda. Para operarse tuvo que venir a España y aún está a la espera de esa operación. Sin embargo, esto no ha frenado a Hamza. Debido a tener que utilizar tanto los brazos ha desarrollado una fuerza con la que realiza diferentes acrobacias y breakdance tras tres años de práctica.

Vino de Marruecos para operarse las piernas… ¡y ahora es una estrella! 🌟 ¡Hamza nos ha dejado boquiabiertos! ¿Y a ti? 😯 #GotTalent1 pic.twitter.com/m5HEZJsX7L— FremantleMedia España (@FremantleESP)

17 de enero de 2018«Es una salvajada lo que has hecho. Menuda sorpresa. Felicidades», decía Eva Hache. Como era de esperar, Hamza recibió el voto positivo de los cuatro miembros del jurado: Risto, Eva Hache, Jorge Javier Vázquez y Edurne. Incluso, congenió tanto con el publicista que mantuvieron una conversación sobre el tipo de breakdance que había hecho. «Tú has mezclado el Top rock’ y el ‘Footwork’», comentaba. Hamza ha demostrado que con ilusión todo se consigue y es un gran ejemplo a seguir. Tendremos que esperar a la semana que viene para ver un poco más del pequeño Hamza.

El programa regresa con sus señas de identidad habituales, aunque añade un elemento más: el «pase de oro conjunto», por el que los miembros del jurado podrán escoger a un concursante de manera unánime para que acceda directamente a semifinales. «Puede sonar muy bonito, pero es un regalo envenenado», advierte su presentador Santi Millán
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Carlos Sobera: «La gente se mueve por el amor; si no, no sería entendible que las discotecas se llenasen»

Tras su éxito con «First Dates», Carlos Sobera (Baracaldo, 1960) regresa a la primera línea de Mediaset para ponerse al frente de «Volverte a ver», el emotainment que Telecinco estrena esta noche (23.30), que aunará emoción y entretenimiento y que seguirá la hoja de ruta de formatos tan exitosos en el pasado como «Hay una cosa que te quiero decir», emitido también en la cadena de Mediaset, o «Hay una carta para ti», que se pudo ver en Antena 3 entre 2002 y 2004.

El programa ofrecerá «evocadores recuerdos, reencuentros, declaraciones de amor, segundas oportunidades, arrepentimientos y sorpresas a cargo de personajes famosos», señala Telecinco. «El amor es el motor de todo. Así lo confirman ‘First Dates’ o portales de citas online como Meetic. Por ‘First Dates’ han pasado casi 6.000 personas y casi todas buscando a su compañero de viaje», explica Sobera. «La gente se mueve por el amor, de otra manera no sería entendible que las discotecas se llenasen», agrega.

Para el conductor, «era necesario» recuperar este tipo de programas. «Después de comedias tan grandes como las de Billy Wilder o Woody Allen, ¿habría que dejar de hacer ese tipo de películas?», se pregunta, al tiempo que enfatiza que lo mejor de «Volverte a ver» es «que es un género en sí mismo». «Aunque el formato sea igual (que el de otros programas anteriores), siempre hay historias y protagonistas nuevos. Si has conocido una vez el amor y un día te separas, ¿por qué no vas a volver a casarte? “¡Life goes on!”, (“¡La vida sigue!”), como dijo Robert de Niro en “Los Intocables”», expresa.

«Volverte a ver» tendrá «un tono muy íntimo, muy cercano y muy diferente» al de otros espacios, como cuenta un Sobera que se declara novicio en este tipo de formatos. «Nunca había hecho un programa así, pero como me gusta tanto hablar con la gente, todo fluirá con bastante naturalidad», subraya. El programa contará con «buscadores», los emisores del mensaje, y «buscados», sus receptores, a los que les llegará el mismo a través de los «emisarios» especiales del programa.

«La gente no quiere personajes»
Sobera habla con sencillez de su éxito al frente de la treintena de shows de los que ha estado. «La gente no quiere personajes presentando, sino tipos auténticos. Yo me intereso por las personas, soy empático, comprensivo, transparente… y busco la sorpresa», aclara. «Me sorprendo igual que los espectadores cuando veo las cosas que veo. Tú conoces la historia, pero no sabes cómo va a reaccionar una persona ante una determinada situación».

El presentador no esconde ciertas manías que le han perseguido a lo largo de su carrera. Por ejemplo, como le sucedía en «¿Quién quiere ser millonario?», el programa que le encumbró, no le gusta ver a los participantes de sus espacios «antes de que entren en plató». ¿El motivo? «Que así todo es más limpio y más honesto», explica.

Junto a él, en el programa, que contará con «entre siete y ocho» historias cada noche, estarán cinco rostros reconocibles para los espectadores y que serán los «emisarios» que encontrarán a los «buscados». Se trata de Gloria Camila (hija de Rocío Jurado y Ortega Cano), el ex concursante de Operación Triunfo 2005 Guillermo Martín, Sofía Cristo («Sálvame»), Abraham García («Gandía Shore» y «Supervivientes») y Manu Lombardo («Mujeres y hombres y viceversa»), a los que acompañarán, en ocasiones, otros personajes famosos. En esta entrega inaugural, por ejemplo, se podrá ver a la actriz y modelo Paula Echevarría darle una sorpresa muy especial a una adolescente enferma que la admira. «Paula se emocionó muchísimo. Lloró y se implicó a tope», afirma Sobera.

A pesar de su horario de emisión de hoy, se espera que Telecinco ubique «Volverte a ver» en su prime-time. Esta noche, se retrasa por la emisión del derbi madrileño de la Copa del Rey de fútbol entre Leganés y Real Madrid que emite la cadena de Mediaset, de cuya audiencia también podría captar adeptos el espacio. «No sé si la gente que verá el partido se quedará a ver “Volverte a ver”, pero tener de telonero a un partido de fútbol siempre está bien», asevera el presentador, que reconoce que su familia no le ve apenas en televisión. «¡Y a veces es casi mejor!», cuenta entre risas.

Su carácter tan extrovertido y dicharachero esconde un lado desconocido. «Soy muy pudoroso. Nunca me atrevería a ir a un concurso de preguntas». Acaba de firmar un contrato de larga duración con Mediaset, donde regresó en 2016 tras haberse marchado doce años antes. «Estoy encantado de haber vuelto a mi casa. Aquí estuve cinco años y (la firma) es la culminación de un proceso de confianza y querencia mutua», confiesa Sobera, que seguirá presentando «First Dates» y al que todavía le quedan unos cuantos retos por cumplir en la televisión. «Algún día me gustaría poder volver a hacer ficción, presentar un late night y también un magazine por la mañana. Soy muy curioso y necesito hacer cosas diversas», sentencia
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Amaia, protegida por la academia de Operación Triunfo en la selección de sus canciones

Operación triunfo

Amaia es la finalista de Operación Triunfo que ha ofrecido un menor rango de estilos musicales en sus actuaciones en las galas. Aitana, Alfred y Miriam, los otros tres ya clasificados, han tenido que defender registros de un espectro más amplio, con mayores salidas arriesgadas de su zona de confort.

Amaia es la candidata favorita para ganar OT 2017. Todos los miembros del jurado le concedieron un 10 como puntuación a su paso por el concurso. Sus rivales hablan sin tapujos de que saldrá vencedora. Algunas de sus actuaciones en las galas tienen millones de visualizaciones en internet; incluso los vídeos de sus improvisaciones al piano o la guitarra, saltando de la música barroca al reguetón. Sin embargo, esa versatilidad no ha tenido el mismo reflejo en las galas.

Los temas cantados por los concursantes los lunes, preparados durante una semana, son impuestos por la academia, a excepción de los nominados, que pueden elegir su propia canción, y de la gala 0, cuando los concursantes la trajeron preparada de casa. Hasta las dos últimas galas, los profesores no habían sacado a Amaia del arco musical del rock y el pop, en sus diferentes variantes y matices, a excepción de una balada romántica tocada al piano a cuatro manos con Alfred.

Estilos musicales de las canciones de Amaia de OT 2017

LUIS CANO
Justo antes de llegar a esas dos últimas galas, las número diez y once, donde subió al escenario a cantar jazz y soul, Amaia había puesto en pie al jurado con su interpretación deslumbrante de «Shake it out», de Florence and The Machines. El punto de inflexión, según el propio tribunal, que la destapó definitivamente como el diamante en bruto que es, y que, a su vez, coincidió con la decisión de la academia de darle la oportunidad en las sucesivas actuaciones de brillar con nuevos palos al margen del del pop rock donde estaba protegida.

Esa oportunidad, no obstante, no ha servido a la concursante navarra para acercarse en la variedad de registros que el resto de finalistas se han visto obligados a defender gala tras gala para seguir en el programa, con el consiguiente riesgo de fallar.

De los otros tres finalistas, Aitana es la concursante que, después de Amaia, con mayor frecuencia ha permanecido dentro de su zona de confort. Su rango ha cubierto básicamente desde el pop al electropop, con sus diferentes variantes. Etiquetada ya como potencial ídolo de pop adolescente, las canciones impuestas por la academia no han hecho sino fijar esta imagen. No ha sido hasta las últimas actuaciones cuando los profesores le han dado alas para demostrar sus habilidades también con el soul o una balada romántica.

Estilos musicales de las canciones de Aitana de OT 2017

LUIS CANO
En el lado opuesto de Amaia y Aitana está Miriam, la finalista a quien la academia ha puesto, con la elección de las canciones, en mayores complicaciones para alcanzar la final. La gallega ha subido al escenario para cantar rock, pop, electropop, R&B y baladas. El jurado concedió a Miriam el pase a la final con la segunda puntuación más alta como un premio a su versatilidad, siempre dentro de los estilos musicales cultivados desde el popular programa.

Miriam, no obstante, ha sufrido un desgaste. Es la única finalista que ninguna semana ha sido elegida como la favorita, una distinción que Amaia ha ganado en tres ocasiones, y Aitana y Alfred en dos respectivamente. Y, a su vez, es la finalista, junto a Alfred, que más veces no ha sido salvada por el jurado. Hasta en cuatro ocasiones fueron los compañeros o los profesores quienes decidieron que permaneciera en la academia y evitaron que se enfrentara a la nominación.

Estilos musicales de las canciones de Miriam de OT 2017

LUIS CANO

Alfred es el otro finalista que mayor número de registros musicales ha estado obligado a defender en el escenario. Una variedad castigada por el jurado, que lo encuentra desubicado en sus momentos rockero o poperos. Aún así, la academia no ha constreñido al catalán a sus estilos mejor dominados —entró a OT 2017 a cantando jazz—, sino que ha puesto a prueba al compositor y multiinstrumentista con un amplio arco de estilos.

Estilos musicales de las canciones de Alfred de OT 2017

LUIS CANO
A los tres concursantes seleccionados por el jurado —Amaia, Miriam y Alfred— y el elegido por la academia —Aitana—, se unirá un quinto finalista, el más votado por el público entre Agoney y Ana Guerra
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Fracasa el boicot independentista al documental sobre Serrat en TV3

En los últimos días, se había iniciado una campaña en las redes sociales por parte de los sectores independentistas para censurar el documental «Serrat, el noi del Poble Sec», espacio especial sobre la vida del cantautor español Joan Manuel Serrat que emitió la cadena pública catalana TV3 en su formato «Sense Ficció» el pasado martes.

Esta iniciativa vio la luz después de que Serrat dijese que la convocatoria del referéndum por la independencia de Cataluña «no es transparente» y que ha provocado «una gran fractura social» en el territorio y entre sus ciudadanos.

En las redes, entonces, se inició un alegato contra el «traidor» Serrat, que tuvo como objetivo que el documental fuese un fracaso de audiencia. Aunque no parece que la jugada les haya salido bien, pues el documental sobre el cantautor estuvo entre lo más visto del día en la cadena, lideró la franja horaria en televisión en Cataluña y superó en un 11,5% los registros que normalmente tiene «Sense Ficció».

Joan Manuel Serrat

Líder de audiencia
De hecho, fue el segundo espacio que más gente congregó frente a la televisión durante todo el día en la cadena tras el informativo vespertino «Telenoticies Vespre», que tuvo un 15,4% de ‘share’. El programa se centró en las primeras etapas de la vida de Serrat, en especial su infancia y adolescencia.

Cerca de medio millón de personas (446.000) vieron en directo el documental, que TV3 emitió a las 21.50 y tuvo una hora de duración, logrando un ‘share’ del 15,4%, el mismo que logró «Telenoticies Vespre». Superó con creces a «First Dates», el programa que presenta Carlos Sobera y que fue lo segundo más visto en la Comunidad a esa hora.

Así las cosas, no parece que las pretensiones independentistas surtieran efecto. Al contrario, su iniciativa tuvo un efecto rebote y llevó al especial sobre Serrat a convertirse en uno de los programas más vistos de todo el día en la cadena pública catalana
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«Sálvame» insulta y humilla en directo a Alfred, concursante de Operación Triunfo

Hace algunas semanas, se conocía la noticia de que Alfred, concursante y finalista de Operación Triunfo, había participado en «La Voz», el formato de Telecinco. Lo hizo en octubre de 2016, durante las audiciones a ciegas, y lo más llamativo fue que ninguno de los «coaches» del concurso se giró para incluirle en su equipo.

El participanteno encandiló, así las cosas, ni a Alejandro Sanz, ni a Malú, ni a Manu Carrasco, ni a Melendi. Pero solamente un año después se ha convertido en uno de los cantantes de moda en España gracias a su papel en OT 2017. Su voz, talento y personalidad han conquistado de lleno a toda España. De hecho, el «triunfito» es uno de los grandes favoritos a alzarse con la victoria final en el formato.

Sin embargo, «Sálvame», el espacio producido por La Fábrica de la Tele y que Telecinco emite a diario, ha puesto su foco en el hecho de que el participante fue rechazado por el formato de Mediaset, en lugar de hablar de su éxito en Operación Triunfo. Lo hizo en los últimos instantes de su programa de ayer, donde sus colaboradores utilizaron varios descalificativos para referirse a Alfred.

Operación triunfo

«Él no es Alfred de España»
A lo largo de toda la tarde, el programa fue advirtiendo de que, en algún momento hablaría del «triunfito». Poco a poco, comenzó a ofrecer imágenes acompañadas de frases como «Otro que lo intentó en Telecinco»; «Lo importante es participar» o «Pero él no es Alfred de España» y de las valoraciones que el jurado de «La Voz» hizo del catalán.

Aunque no fue hasta el final de «Sálvame» cuando los telespectadores vieron el vídeo completo de la actuación del concursante, al que dio paso Carlota Corredera. «Hay un concursante, Alfred, que está triunfando y teniendo muchísimos fans. Igual que la persona con la que está, Amaia… ¡y mira por dónde, los dos aparecieron en Telecinco! A Alfred, curiosamente no le quiso ningún “coach” de “La Voz”», dijo la presentadora.

Tras la polémica promoción que hizo «Sálvame» de Alfred, le llegó el turno a uno de sus colaboradores de referencia, el excéntrico Kiko Hernández, que se despachó a gusto. «Cantaba peor que Chayo Mohedano», aseveró, al tiempo que dijo desconocer su nivel actual. «Ahora no sé (cómo canta), porque no le sigo», dijo.

Además, apoyó la decisión que en su momento tomaron los «coaches» de «La Voz», que llevó a su extremo. «Yo tampoco me daría la vuelta ni para decirle: “Buenas tardes”», sentenció.

Las redes cargan contra «Sálvame»
Hay que recordar que Telecinco tuvo los derechos de «Operación Triunfo» desde 2005 a 2011, entre su cuarta y su octava edición, aquella presentada por Pilar Rubio y que, tras fracasar entre la audiencia, apenas duró un mes. Ahora, Televisión Española ha recuperado el espacio, después de haberlo emitido también en sus tres primeras entregas (2001-2004).

Las reacciones del público a los comentarios vertidos en «Sálvame» no se hicieron esperar. «Por suerte, no entró en la basura que envuelve Telecinco», dijo una «tuitera». «¿Son tontos o persiguen coches aparcados?», se preguntó otro. «¡Cómo me alegro de que (Alfred) no pasara las audiciones de “La Voz” y de que ahora esté triunfando en “Operación Triunfo”! ¿Cómo pica, eh, Telecinco?», escribió un tercero. «¡Sois ridículos!», espetó un cuarto

«Se ríen de él, un chaval de veinte años, mientras está encerrado (en la Academia) y no puede decir nada ni defenderse. Lamentable», publicó por su parte la cuenta «OT Noticias», dedicada a la difusión de contenidos del programa y que cuenta con más de 8.500 seguidores.

Hay una cadena de televisión (Telecinco) y un programa de televisión Sálvame que se ríen porque Alfred no pasó las audiciones a ciegas de La Voz mientras él un chaval de 20 años está encerrado y no puede decir nada ni defenderse. Lamentable. #OTDirecto18E pic.twitter.com/dWt4uh67b4— OT Noticias (@OTnoticias)

18 de enero de 2018En Sálvame riéndose de Alfred diciendo que ni entró en La Voz.

Por suerte no entró en la basura que envuelve Telecinco, y lo hemos descubierto en RTVE y está demostrando que él merece un programa que de verdad se cuide el talento y la música.

Con Alfred NO! #OTDirecto17E— Miss Darkfred. (@MissDarknessGH)

17 de enero de
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Drogas, apariciones y conspiraciones gubernamentales: Así era Philip K. Dick

Puede que no haya leído ni un solo renglón de Philip K. Dick. Sin embargo, le aseguro que conoce (al menos parte) de su obra gracias a las adaptaciones cinematográficas (tanto las consentidas como las involuntarias). La relación entre el cine y sus textos comenzó, formalmente, en 1982 con el estreno de «Blade Runner». «Llevo escribiendo y vendiendo obras de ciencia ficción desde hace 30 años, y este es por tanto un tema de cierta importancia para mí. Con toda franqueza debo decir que nuestro campo se ha ido lenta y gradualmente deteriorando durante los últimos años. No hemos hecho nada, individual o colectivamente, que pueda igualar a ‘Blade Runner’. Esto no es escapismo; es súper realismo, por lo crudo, detallado, auténtico y convincente que es, tras el fragmento que vi ahora encuentro que mi realidad palidece en comparación. A lo que me refiero es a que todos vosotros podéis haber creado, de forma colectiva, una nueva forma de expresión gráfica y artística, nunca vista hasta ahora. Y creo que ‘Blade Runner’ va a revolucionar nuestro concepto de lo que es la ciencia ficción, y aún más, de lo que puede ser». Así describía el escritor a la película que adaptaba su novela «¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?», una película dirigida por una persona que aseguraba no haber sido capaz de leer el texto original.

La película de Ridley Scott le dio más de un quebradero de cabeza. No solo porque al director le importase más bien poco la novela en la que se basaba («¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?»), también porque habían intentado en repetidas ocasiones hacer desaparecer el libro. El guion se había ido alejando progresivamente de la novela. Así que la productora le hizo una oferta: escribir una novelización de la película, más orientada al público adolescente que gastaba dinero en cualquier producto que tuviera que ver con «Star Wars», y prohibir la publicación de la obra original, que se había escrito 15 años antes. A cambio, ganaría lo mismo que había ganado en sus casi treinta años previos de carrera, unos 400.000 dólares (332.400 euros).

Menos mal que no fue así ya que «¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?» se valora hoy en día como uno de los principales libros de uno de los principales escritores de la segunda mitad del siglo XX. Y eso que en las do primeras décadas de su carrera estaba considerado muy por debajo de escritores como Isaac Asimov o Robert Heinlein; incluso por detrás de Fritz Leiber o Theodore Sturgeon. Son muchos los que aseguran que ese cambio se debe al ritmo continuo al que se producen las versiones para el cine de sus textos, incentivadas a partir del culto en torno a «Blade Runner».

La película de Ridley Scott es solo uno de una larga lista de títulos reconocidos, una tira más larga aún si enumerados a las copias no declaradas. Eso sí, rara vez se mantenían fieles a la original. «Desafío Total» (1990) fue una transformación superficial a la par que entretenida del relato breve «Usted lo recordará perfectamente» –y contaba con Arnold Schwarzenegger como protagonista–. Esta adaptación cinematográfica tuvo mejor fortuna que el remake que Len Wiseman haría en 2012 con Colin Farrell como cara visible. «Asesinos cibernéticos» (1995) tuvo como base otro relato corto: «La segunda variedad». «Minority Report» (2002), basada en una novela con el mismo título, corrió algo más de fortuna en cuanto a cartelera gracias a que Spielberg prefirió convertirla en una oportunidad para que el entonces taquillero Tom Cruise se luciera. «Paycheck» (2003), con John Woo como director, siguió sus pasos, pero optó por otra cara conocida de Hollywood: Ben Affleck, quien tuvo que soportar que la calificaran como su peor actuación. El filme que más fiel ha sido al texto podemos decir que ha sido «Una mirada a la oscuridad» (2006), protagonizada por Keanu Reeves. Y eso que ahora Amazon asegura que ese puesto se lo debe llevar su ficción «Philip K. Dick’s Electric Dreams» o, si me apuran, «The Man in the High Castle», también de la plataforma.

[La esencia de Philip K. Dick que no se deja arrastrar por la acción o los efectos especiales]

Philip K. Dick

Para entender el universo de Philip K. Dick primero hay que conocer su historia. Peculiar desde el nacimiento. Él y su hermana melliza nacieron el 16 de diciembre de 1928, pero ella murió a los cuarenta días tras sucumbir a los cuidados de su madre. Este hecho persiguió al escritor de por vida. De hecho, aseguraría en más de una ocasión que mantenía el contacto con ella, que le había dicho que era lesbiana. Su propia madre le diría en más de una ocasión que era él quien debería haber muerto. No es de extrañar que Dick dijese tras el fallecimiento de su propia madre que había sido «una presencia maligna» en su vida, dolido porque se casara con el hermano de su padre. Con su progenitor no tendría más contacto que el esporádico. Le retiró la palabra en 1945 tras defender el uso de armas nucleares contra Japón.

Desde pequeño mostró una inteligencia por encima de la media. Una que le permitió apreciar el género con apenas doce años. Fue entonces cuando se compró su primera revista y cuando quedó enganchado, especialmente a las «delicias prohibidas de A. E. Van Vogt», según Brian Aldiss, otro de los grandes escritores del género. Esa inteligencia vino ligada a la agorafobia, patología por la que comenzó a consumir fármacos desde su adolescencia. Esa patología le obligó a cursar el último año de instituto en casa e hizo que apenas soportara dos meses en la universidad. Fue entonces cuando comenzó a trabajar en una tienda de discos antes de empezar la larga lista de pequeños trabajos como escritor con los que haría lo imposible para ganarse la vida. El cambio hacia la escritura lo dio gracias a Anthony Boucher, un escritor de ciencia ficción y novela policiaca que dirigía, entonces, la revista «The Magazine of Fantasy and Science Fiction».

Su nivel de producción era envidiable. Llegó a publicar sesenta relatos en apenas dos años (1952-1954). Sin embargo, la retribución económica no le permitía pagar las facturas. Ni siquiera cuando comenzó a escribir novelas podía hacer frente a los gastos del hogar que compartía con su segunda mujer. Sí, segunda. Philip K. Dick llegó a casarse hasta en cinco ocasiones. A cada cual, con un final más retorcido. Pero fue con ella cuando comenzó a consumir anfetaminas, recetadas por su suegro para calmar su ansiedad causada por la necesidad de cumplir los plazos. Escribía con prisas, y pocas veces corregía como debería. «Mis relatos… cuando los releo, me horrorizan. Son realmente malos. Y no solo malos, sino increíblemente convencionales», dijo el propio escritor tal y como recoge «Philip K. Dick: In His Own Words».

Aquel enloquecido sistema de trabajo, a base de sustancias químicas entre las que también estaban el LSD y el speed, hizo de sus novelas y relatos algo desordenado, retorcido y difíciles de entender. Pero no fue la única consecuencia. También le produjo una esquizofrenia paranoide que se manifestó en sus últimos años de vida. El primero de los ataques (que terminarían con su vida ocho años después) llegó en forma de un episodio místico, según el propio Dick. Ocurrió un 22 de febrero cuando, tras ir al dentista para que le quitaran una muela del juicio, le llevaron a casa pentotal sódico contra el dolor. Fue una chica con un colgante con el símbolo de pez de los cristianos primitivos. Fue al ver el accesorio cuando el escritor asegura que experimentó una anamnesis. Según Platón, era la capacidad de recuperar los recuerdos olvidados tras entrar en un nuevo cuerpo. Dick sintió que su entorno desaparecía para encontrarse en Roma en el siglo I; exactamente en el cuerpo de Tomás, un discípulo de Jesús. Pero esto no fue todo. El colgante tenía un mensaje para él: el Imperio romano no había terminado, solo se había encarnado de distintas formas hasta llegar a la Unión Soviética o al propio Richard Nixon
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