■ Cinebulosa ■

La cruda realidad

Goza el cine realista en este comienzo de siglo de una excelente salud, con buena respuesta de público pero sobre todo una indudable aceptación de crítica.

4 semanas, 3 meses y 2 días se englobaría en un tipo de cine que sin llegar a ser estrictamente político sí reflexiona sobre su trasfondo, especialmente en los puntos más oscuros y olvidados de regímenes dictatoriales y situaciones conflictivas con sus correspondientes e inevitables secuelas. Esta película, por cierto inicia un ciclo del director rumano acerca del régimen comunista en su país y que se completará con 3 películas más.

Con un complicado tema como es el aborto en torno al cuál gira toda la película, el director rumano Crstian Mungiu –del que no tenemos muchas referencias- recrea toda una serie de situaciones, conflictos morales, y sobre todo cruda realidad con una maestría digna de cualquier fotógrafo del alma humana. Los personajes son tan convincentes que obligan al espectador a ser partícipe de todo el drama y a posicionarse de una manera más o menos directa sobre lo que está sucediendo. En concreto, el personaje del médico clandestino es escalofriante, y le supone a dicho espectador una sensación tan incómoda que al mismo tiempo le hace cómplice del drama provocando despertar el instinto más humano.

Planos largos, pausados, sin la necesidad de resolver con impaciencia las situaciones, y silencios pasajeros rodean el film con la serenidad necesaria para que la narración alcance el tempo imprescindible y para lograr un equilibrio casi perfecto entre una acción moralmente violenta y una necesaria reflexión interior.

Películas con Grbavica del año 2006 de Jasmila Zbanic y esta misma que nos ocupa, despiertan fantasmas olvidados, rencores escondido y secretos ocultos de historias que un día pasaron desgraciadamente desapercibidas, y hoy contienen un interés propio del quién quiere conocer la verdadera historia de la humanidad con sus grandezas y sobre todo con sus miserias.

Sin duda alguna una de las mejores películas del 2007, y un esperanzador paso camino de un cine comprometido, inquietante y con mucha carga de trasfondo social.

Cuando el cine, además de entretener, o dar placer al espectador, se convierte en un instrumento para cambiar el mundo, entonces adquiere dimensiones de grandeza que le equipara a cualquier otra de las artes.

■ En esta ocasión "Days of Glory" no sirvió para cambiar el mundo, evidentemente, pero sí para corregir una injusticia histórica incomprensiblemente oculta respecto a la Segunda Guerra Mundial.

Aunque esta película se encuadra en el género bélico, es mucho más que eso, o quizás una ampliación de dicho género, donde las escenas bélicas se funden con dramas humanos y rigor histórico. La historia aborda desde una perspectiva pocas veces tocada, la liberación de Francia de manos del ejército nazi, y la importante labor de un ejército magrebí al servicio de Francia. Soldados en ocasiones voluntarios, que lucharon por la libertad y contra el nazismo, y que no obtuvieron el merecido reconocimiento que su lucha mereció, y que esta película ha servido para enmendar esa laguna histórica.

■ En cuanto película bélica, este proyecto de cuatro años pasaría sin pena ni gloria, puesto que aunque las escenas son bastante dignas y correctas, no destacan especialmente en comparación con otras películas del mismo género. Pero al ir más allá, al abordar sentimientos contradictorios, miradas humanas e incluso amores imposibles, hacen que se pueda hablar de una película brillante y en ocasiones no exenta de emoción, donde las batallas se convierten en un elemento más de la historia, necesario pero no protagonista.

Cabe destacar la interpretación de los cinco protagonistas que les valió el premio conjunto en Cannes y que aporta un plus de credibilidad que la película necesita y agradece.

■ El estreno y posterior visión de "Days of Glory" ( o "Indigentes" como más acertado título original) sirvió para que el Gobierno francés promoviese una ley para compensar a aquellos soldados que lucharon por Francia en aquella terrible Guerra.

Uno, que es amante del cine, además se siente orgulloso de que películas como esta ayuden a impartir justicia histórica hacia todos aquellos olvidados que lucharon por la libertad.

Larga vida a este tipo de cine.

Inland Empire ( * * * * )

Adentrarse en el mundo del surrealismo puede ser un viaje apasionante del mismo modo que puede tratarse de una locura sin fácil salida. El cine de David Lynch es -principalmente y salvo excepciones- netamente surrealista, y como tal hay que entenderlo, y por consiguiente como tal hay que amarlo u odiarlo, porque difícilmente caben medias tintas en estos lienzos cinematográficos.

Inland Empire es posiblemente su película más complicada, donde más se percibe ese mundo onírico y embriagante de su cine, pero también donde más trabajo cuesta intentar dar una explicación ligeramente entendible a ese ciclón de imágenes, diálogos e historias en apariencia inconexas. Sirva como base principal que la historia versa sobre “una mujer con problemas” como ha manifestado el propio Lynch en su promoción, que intenta navegar por su pasado, re-interpretar su presente y abrir distancias con un futuro excesivamente incierto. Girando en cierta medida alrededor del mundo del cine como ya hiciese en “Mulholland Drive” la historia se traslada desde un pasado polaco hasta un presente americano, y desde una turbia vida pasada hasta una esperanzadora o utópica vida presente. Todo ello aderezado con imágenes fantasiosas, efímeras, y en ocasiones espectaculares, así como situaciones y momentos que nos permiten comprobar como el cine puede convertirse en un mundo de sueños, y como decía aquel, “los sueños, sueños son”.

La interpretación principal corre a cargo de una magnífica Laura Dern, que también hace las veces de –valiente- coproductora y que sin duda alguna se configura como uno de sus mejores trabajos. Un estupendo desdoblamiento de persona como ya hiciese Naomi Wats en la anteriormente citada “Mulholland Drive” permiten distinguir dos tipos de realidades, o más bien dos tipos de vidas. Destaca también con una intervención sencilla, pero correcta Jeremy Irons.

Las imágenes sobrevuelan los tejados de la imaginación, emergen de lo absurdo y se sitúan en lo inconexo. Una buena fotografía que incluye exagerados, pero adecuados primeros planos para intentar adentrarnos en la psique de cada personaje. Luces y sombras, juegos de color inquieto y gotas de brillantes destellos en tomas pasajeras conforman un clima de rara belleza, y de inquietante observación.

Por último, destacar la igualmente hipnotizante música, (algún tema compuesto por el mismo director) encajando en cada escena y participando de este festín surrealista, enigmático y siempre extraordinario de un director genial.

Babel ( * * * * * )

Con “Babel”, el director mexicano Alejandro González Iñárritu cierra lo que se ha dado en llamar la Trilogía de lo Humano, y la cierra de una manera ciertamente brillante. Al igual que en sus dos películas anteriores “Amores perros” y “21 gramos”, esta película comparte el mismo sistema de narración, es decir enlazando historias que aparentemente no tienen nada en común pero que a lo largo de la proyección se encuentran uno o varios puntos coincidentes. En esta ocasión tenemos cuatro historias: por un lado una familia humilde marroquí que vive en su aldea alejada del mundo. Por otro lado, unos turistas americanos que deciden desconectar de su mundo occidental a través de un viaje a Marruecos. En tercer lugar los hijos de esta misma familia se ven salpicados en una historia al más puro estilo mexicano de “Amores perros” por culpa (no intencionada) de su cuidadora. Por último y aparentemente la historia más alejada de las otras dos tenemos a una familia (padre e hija) intentando superar la repentina muerte de la madre.

Con este cocktail (nada molotov) el director nos invita a un viaje por nuestro mundo real, por distintas civilizaciones y pensamientos. Un viaje a las necesidades, al sufrimiento, y sobre todo a la desesperación. En este viaje iremos acompañados por la fabulosa música de Gustavo Santaolalla (repite también en la trilogía) y guiados por la excitante narración de Guillermo Arriaga (guionista habitual también del director). No se trata en cualquier caso de un viaje hacia lo desconocido, puesto que los sentimientos expresados y las emociones son universalmente conocidas. Pero sí se podría decir que es un viaje hacia lo que nunca nos paramos a observar, hacia todo eso que está ahí, y no alcanzamos a ver. En ese sentido, no puede ser más apropiado el título (Babel) de la película para expresar de manera muy sui generis en qué se ha convertido el mundo, y sobre todo la diferentes mentalidades y modos de vida entre unas civilizaciones y otras.

La narración es ágil, entretenida, y con ese punto de presunto desorden que hace que se entremezclen sentimientos, confidencias y estados de ánimo.

Si hay una palabra que pueda definir de manera común lo que sienten los personajes, esa es “desesperación”. Todos y cada uno de ellos la sienten en su momento, en mayor o menor medida, y tan sólo unos pocos privilegiados podrán evadirla por momentos, o quizás para siempre. No podemos dejar de destacar las brillantes interpretaciones de Brad Pitt, Cate Blanchett, Adriana Barraza y Rinko Kikuchi, algunas de ellas premiadas en diferentes festivales de cine.

Un mundo sin entendimiento es un mundo condenado al ostracismo, a la soledad de sus habitantes y presumiblemente a la creación de una simbólica torre de Babel, donde cada persona hable a gritos y pocos consigan llegar al fondo último del deseo humano